Per Natale a Roma ritorna la grande magia con lo show internazionale “Abracadabra, la notte dei miracoli”, dopo la fortunata tournée italiana. Tanti campioni  e fantastiche performance.

Dal 26 dicembre all’8 gennaio  Teatro Ghione

Dopo il grande successo registrato nella sua tournée italiana torna a Roma il tradizionale appuntamento di Natale con la magia e lo show internazionale “Abracadabra, la notte dei miracoli” . A grande richiesta, in seguito al sold out dello scorso anno, l’amatissimo spettacolo torna con un cast stellare completamente rinnovato.

Dal 26 Dicembre all’8 Gennaio al Teatro Ghione, in via delle Fornaci, in scena le meravigliose performance proposte dai 7 campioni internazionali di Magia che vi stupiranno con i loro prodigi per farvi sognare ad occhi aperti. 

Un’ora e trenta minuti di autentico stupore ed incanto formato famiglia  

Per la prima volta in assoluto in Italia ecco i campioni del mondo di Magia comica, Ramo e Alegria dalla Spagna, mentre il duo Brando e Silvana, coppia magica proveniente dall’Argentina che fonde magia, teatro, mimo e giocoleria, presenta il numero con il quale ha vinto i campionati europei di magia.  

Dalla Svezia Hakan Berg, che ha stupito il pubblico di tutto il mondo arrivando alle finali di Britain Got Talent.  Il fascino della manipolazione quest’anno parla italiano con Novas, prestigiatore prodigio e campione italiano di magia a soli 16 anni. 

A condurre il pubblico in questo viaggio magico saranno i Lucchettino, al secolo Luca Regina e Tino Fimiani, duo di commedianti surreali, clowns magici e caricature senza tempo. Noti in tutto il mondo, dai varietà in compagnia del grande trasformista Arturo Brachetti, agli studi televisivi di Zelig Circus, sono stati definiti dal quotidiano francese Le Figaro “Stanlio e Olio italiani”. 

Immancabili poi i Disguido, vincitori del Mandrake d’Or (l’Oscar della Magia) un duo di artisti originali ed eccentrici che combinano l’arte magica a quella teatrale e cinematografica, esibendosi in tutto il mondo con il loro mix esplosivo e travolgente. 

Proprio il duo italiano, composto da Isabella R. Zanivan e Guido Marini. ha dato vita, insieme a Valter Leonardi della Corte dei Miracoli di Livorno e Gigi Speciale, a questo spettacolo divenuto ormai un appuntamento fisso nelle festività natalizie.  

La vera Magia del Natale in una kermesse magica internazionale con un grande evento che abbraccia la solidarietà. 

“Abracadabra” nasce, infatti, con lo scopo di aiutare coloro che faticano a trovare la magia nella vita di tutti i giorni e per questo parte del ricavato sarà devoluto a due importanti associazioni: Uniphelan, che si occupa di dare sostegno alle famiglie e ai bambini colpiti dalla sindrome di Phelan Mc Dermid, e Antas Onlus, che con oltre 200 volontari da 14 anni opera nei maggiori ospedali capitolini sostenendo e aiutando chi soffre attraverso la ClownTerapia. 

La magia è anche una questione di cuore. Info Telefono: 06 637 2294 https://abracadabrashow.it/ 

Teatro Ghione Via delle Fornaci, 37, 00165 Roma RM

Contatti  info@abracadabrashow.it

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Fino al 30 dicembre 2022 nei quartieri romani Laurentino 38, Tufello e Pigneto avrà luogo In Fest, un festival con eventi teatrali e musicali, accompagnati da percorsi formativi per IN-cludere, IN-contrare, IN-mettere nuove energie e creare un ponte tra arti e territorio, con uno sguardo attento alle nuove generazioni e alle trasformazioni sociali.

Il progetto è realizzato dall’associazione 20Chiavi Teatro con il sostegno del Ministero della Cultura – Direzione generale Spettacolo ed è vincitore dell’Avviso Pubblico Lo spettacolo dal vivo fuori dal Centro – Anno 2022 promosso da Roma Capitale – Dipartimento Attività Culturali. Determinante la sinergia di APS Pontedincontro, APS Rifornimento in volo, CAG il Muretto, CAG Muncraft, IC Bernardini, Biblioteche di Roma, ASL Rm 9, ASL Rm 3.

In Fest nasce dall’idea di mettere in rete in un’area periferica della città, scuole, adolescenti, cittadini, soggetti fragili e attori territoriali attraverso lo spettacolo dal vivo. Durante le festività natalizie la scena contemporanea verrà raccontata alla comunità mediante una moltitudine di linguaggi accessibili a tutti, in una preziosa occasione di incontro e confronto collettivo.

«Non è semplice trovare una definizione univoca per questa manifestazione – afferma Ferdinando Vaselli, direttore artistico di In Fest – in fondo credo che il termine giusto sia insito nel nome: una festa per incontrare amici, per convogliare delle energie potenti come quelle delle nuove generazioni, dei bambini, dei pazienti psichici, declinandole in una serie di appuntamenti che vedono al centro i linguaggi della scena, dal teatro al rap, dalla musica alle arti performative con l’obiettivo di indagare la complessità del nostro tempo presente, fuori dagli stereotipi che spesso accompagnano il nostro sguardo sulle periferie».

I primi appuntamenti della programmazione saranno rivolti agli allievi dell’Istituto Comprensivo Bernardini. La compagnia Iac Teatro porterà in scena Bestiario, una curiosa raccolta di favole della tradizione popolare, raccontate in un’alternanza di italiano e misteriosi suoni di una lingua antica. (19 dicembre). Presso la Biblioteca Pasolini si svolgerà Babbi Natale della compagnia Divisoperzero, una performance di teatro d’oggetti sul personaggio più conosciuto al mondo, accompagnata da un laboratorio sulla manualità e organizzata con la collaborazione dell’Istituto Comprensivo Via Santi Savarino (20 dicembre). Presenti anche la compagnia Molino d’Arte che incanterà i piccoli alunni con Cappuccetto Rosso, bambina impertinente, una rielaborazione comica della celebre favola (20 dicembre) e la compagnia Nata Teatro con I quattro Musicanti di Brema, una narrazione poco tradizionale a tempo di ̀rock and roll (21 dicembre).

I ragazzi dei Centri di aggregazione giovanile Muncraft e Pontedincontro saranno coinvolti in una performance rap con lo storico gruppo degli Assalti Frontali; attraverso azioni specifiche ideate da Luca Mascini (leader degli assalti ed educatore) i protagonisti esprimeranno le proprie emozioni ma soprattutto la voglia di riconoscersi in un percorso di crescita personale (20 dicembre).

La comunità sarà invece chiamata a partecipare al laboratorio Racconto personale con Mamadou Diakité, progetto teatrale nato nell’estate del 2020 che trae ispirazione dall’esperimento delle human library danesi. (20 dicembre). Previsti inoltre la performance multidisciplinare della compagnia Babel Crew con Sergio Beercock (21 dicembre – CAG Muncraft) e Sopra il cielo di San Basilio, della compagnia 20chiavi Teatro, uno spettacolo sulla cosiddetta “seconda generazione”, nata e cresciuta in Italia in bilico tra tradizione e perdita di identità (21 dicembre – CAG Muncraft).

Da non perdere Altrove – Varietà Tragicomico, l’evento dedicato al Teatro Comico giovedì 22 dicembre al Teatro Centrale Preneste (IV Municipio). Marco Ceccotti, Gioia Salvatori, Daniele Parisi, Claudio Morici, Davide Grillo, Ivan Talarico ed Enoch Marella saranno i protagonisti di una serata che rappresenta anche una dichiarazione di intenti: dopo l’esperienza di Sgombro, il collettivo di artisti storici della formazione torna insieme per annusare dove va il mondo e posizionarsi certamente altrove. Il 29 dicembre andrà in scena anche Mappature Emotive – I Giganti, spettacolo a cura della compagnia 20chiavi Teatro, realizzato con la collaborazione del Dipartimento Salute Mentale ASL Roma 3, nel bellissimo tentativo di portare il testo difficile e complesso di Pirandello nel corpo e nella voce dei pazienti del centro.

Grande attesa per la performance musicale di Cristiano Godano, frontman dei Marlene Kuntz che si esibirà il 29 dicembre, ore 22.00, al Teatro Centrale Preneste (IV Municipio). Il musicista coinvolgerà il pubblico in un’atmosfera intima con l’obiettivo di dar vita a uno spettacolo accogliente e confidenziale, caratterizzato dall’urgenza creativa che da sempre contraddistingue la produzione del cantautore; sarà un viaggio nelle note e nell’anima di Mi ero perso il cuore, un album affascinante e misterioso che ha conquistato la critica e il pubblico. Il festival si concluderà con Laurentino 38 – 30 dicembre 2022, una passeggiata performativa che partirà dalla Biblioteca Laurentina (IX municipio). I partecipanti, tramite cuffie Bluetooth, ascolteranno quattro brevi testi di quattro drammaturghi diversi, ambientati a Laurentino 38 e che accadono proprio il 30 dicembre 2022 (30 dicembre).

Per info e prenotazioni: 392 857 8078 – organizzazioneventichiavi@gmail.com

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Al Teatro Golden DALL’11 AL 22 GENNAIO 2023

MAURIZIO MARTUFELLO, MIRIAM MESTURINO, LUCA NEGRONI nel nuovo spettacolo “Cocktail x 3”

Riparte la nuova stagione 2023 al Teatro Golden con una storia d’amore tutt’altro che scontata. Dall’11 al 22 gennaio sul palco il debutto di “Cocktail x 3” con Maurizio Martufello, Miriam Mesturino, Luca Negroni, di Santiago Moncada per la regia di Marco Belocchi con traduzione di Pino Tierno e produzione di Genta Rossell e DianAct. Uno spettacolo divertente che mette a nudo alcune dinamiche di coppia e, basandosi sui concetti di fedeltà, amore, tradimento, riesce a miscelare abilmente i movimenti dei personaggi rendendo la commedia godibile e intelligente.

Questa la trama: La quarantenne Cristina è un’attrice di successo, ma con una vita privata piuttosto problematica. Separata da Gianni, un uomo ormai sulla sessantina, ma sempre giovanile, simpatico e donnaiolo, con cui è stata sposata cinque anni e dal quale ha avuto una figlia, intrattiene da qualche tempo una relazione clandestina con Vittorio, uomo politico al parlamento europeo, a sua volta sposato. Mentre questi è via per una delle sue missioni all’estero, Cristina riceve la visita del suo ex-marito, e in qualche modo ci finisce di nuovo a letto. Al mattino mentre Gianni sta lasciando l’appartamento, torna inaspettatamente Vittorio. I due si incontrano e certamente, nella loro assoluta diversità, non si trovano simpatici. Nell’imbarazzo generale, Cristina comunque confessa di aver passato la notte con l’ex-marito e Vittorio, pur se rammaricato, decide di troncare una relazione e una donna in cui credeva ciecamente. Cristina, distrutta e in preda ai sensi di colpa, esce lasciando soli i due rivali. A questo punto l’autore, con un coup-de-théâtre, capovolge la situazione e la commedia si avvia verso un finale inaspettato.

ORARI SPETTACOLI

• mercoledì – venerdì ore 21:00
• sabato ore 17:00 e 21.00
• domenica ore 17:a00.

TEATRO GOLDEN

indirizzo 

Via Taranto, 36 – Roma 00182

telefono / whatsapp 

06.70493826

mail 

info@teatrogolden.it

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Giovedì 19 gennaio alle 21.00 Il Parioli ospiterà lo spettacolo “Settimo Senso. Moana Pozzi” di Ruggero Cappuccio, prodotto da Teatro Segreto. Ad interpretare la pornostar del cinema a luci rosse una convincente e straordinaria Euridice Axen.

“Settimo senso” è un immaginario dialogo tra una donna e un uomo. Lo stupore deflagra quando l’uomo si accorge che la presenza femminile è in tutto e per tutto uguale a Moana Pozzi. Lei coglie la sua sorpresa e gli parla. Lo irretisce in un dialogo misterioso ed enuncia la sua idea di pornografia, lanciando, provocatorie affermazioni contro il potere, la politica, l’arrivismo. Il dialogo diventa serrato e seduttivo. La donna spiazza lo scrittore dicendogli che lui sta sicuramente progettando di scrivere un articolo- rivelazione sulla falsa morte di Moana Pozzi. Gli propone un affascinante gioco notturno e gli spiega che lui avrà una notte per decidere se corteggiarla o tradirla con uno scoop giornalistico.

“Moana Pozzi è divenuta nell’immaginario collettivo un autentico paradigma della donna oggetto accerchiata dalle spregiudicate esigenze commerciali dell’industria pornografica e dalla distorta concezione sessuale derivata dal maschilismo imperante” – spiega nelle note di regia Nadia Baldi. “Parlare di personaggi famosi che hanno attraversato l’immaginario erotico collettivo, è sempre delicato. Ma io ho voluto cogliere, attraverso questa strana storia di seduzione tra una porno-diva e un uomo, tutto quello che può passare come messaggio trasversale. Attraverso le parole del personaggio femminile che aprono ad una possibile analisi critica sulla pornografia, tocchiamo quelli che sono i più profondi, ancestrali e arditi sensi che muovono il potere e la violenza dell’essere umano” – conclude la regista, che cura anche le luci e le scene della pièce, che resterà in scena fino al 22 gennaio. Costumi di Carlo Poggioli, musiche Ivo Parlati.

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L’attore bolognese Andrea Ascolese torna in teatro come attore e regista e veste i panni dello scrittore Gianluca Morozzi, autore de “L’età dell’oro: la mia vita raccontata a Paz”, un’autobiografia che percorre la sua ventennale carriera dagli esordi ai giorni nostri.

Lo spettacolo, adattamento teatrale ad opera dello stesso Ascolese, si avvale del talento di Giuseppe Veneziano, artista esponente della New pop, le cui opere in videoproiezione accompagneranno il protagonista in questo racconto sincero e a tratti comico, e di alcuni musicisti storici come Dandy Bestia, chitarrista degli Skiantos, Nicola Bagnoli e Moreno Spirogi, rispettivamente tastierista e cantante fondatore degli Avvoltoi.

Rimasto chiuso nello scantinato di un bar di Bologna, in attesa che un fabbro (Giuseppe Veneziano) lo liberi, Gianluca parla con il fantasma del fumettista Andrea Pazienza, suo mentore, che prende vita grazie alle musiche suonate rigorosamente dal vivo.

Spiega Andrea Ascolese, regista dello spettacolo: “Sono lieto di debuttare con il mio nuovo spettacolo a Bologna e cominciare il percorso da qui: omaggiare Paz che è stato e continua ad essere importante e fonte di ispirazione per molti. L’idea dello spettacolo nasce dall’amicizia tra gli artisti coinvolti e dalle frequentazioni della storica Osteria Da Vito. Recitazione, musica, arte, poesia, canzoni, luci, multivisioni si incontrano e si compenetrano nella sua messa in atto ad evocare Pazienza. E’ uno spettacolo che parla a tutti e a tutte: del realizzare i propri sogni e aspirazioni.L’ eta’ dell’oro, Rock on !!!”

CAST:

Gianluca Morozzi: Andrea Ascolese

Il Cantastorie: Moreno Spirogi Lambertini

Il Chitarrista: Fabio Testoni alias Dandy Bestia

Il Tastierista: Nicola Bagnoli

Paz: lo spirito di Andrea Pazienza

Il fabbro: Giuseppe Veneziano

Adattamento testo e regia: Andrea Ascolese

Opere: Giuseppe Veneziano

Musiche: Dandy Bestia, Nicola Bagnoli e Moreno Spirogi

Biglietti disponibili su:

https://www.vivaticket.com/it/ticket/l-eta-dell-oro-la-mia-vita-raccontata-a-andrea- pazienza/194980

Evento Facebook: https://facebook.com/events/s/l-eta-dell-oro-la-mia-vita-rac/1088646895153389/

BIO

ANDREA ASCOLESE attore, autore e cantautore bolognese. Lo abbiamo visto al fianco di Gigi Proietti nel film cult Febbre da Cavallo la Mandrakata e di recente in TV ne L’Ispettore Coliandro – Il Fantasma dei Manetti Bros. Autore del libro Poesie ed. I Quaderni del battello ebbro. In Radio suo ultimo singolo “Sorprendimi” prodotto da Max Monti. https://showreel.e-talenta.eu/andrea-ascolese

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Baldassarre, avvocato “en travesti”, che altri non è che Porzia, prende per mano lo spettatore e lo accompagna nella trama, regalando così un Mercante in cui tutti gli agenti principali, Antonio, Bassanio e Shylock hanno ragione d’essere con pienezza. Una straordinaria Porzia, “deus ex machina” della storia, un Bassanio completo nella sua maturazione e nel suo distacco dalla vita precedente, un Antonio ricco di complessità interiore. E la possibilità di vivere forse ancora più intensamente la vicenda dell’ebreo.

The Merchant of Venice con il suo titolo originale, è un’opera teatrale di William Shakespeare scritta, con alta probabilità, tra il 1596 e il 1598. La trama è ampiamente ripresa da quella de Il Giannetto, novella di ser Giovanni Fiorentino che l’autore conobbe tramite la traduzione di William Painter. Da Il Giannetto rimangono inalterati alcuni personaggi, ovvero Porzia, Shylock e Bassanio.

TRAMA
La storia è ambientata a Venezia nel XVI secolo. Bassanio, un giovane gentiluomo veneziano, vuole la mano di Porzia, una ricca ereditiera di Belmonte. Per poterla corteggiare l’uomo chiede in prestito al suo caro amico Antonio 3.000 ducati. L’amico, pur volendo, non riesce a prestare tale somma a Bassanio poiché ha investito parecchio denaro nei traffici marittimi ma decide di garantire per lui presso Shylock, un ricco usuraio ebreo che viene disprezzato dai cristiani e che, a sua volta, li disprezza.

CREDITI
REGIA: Solimano Pontarollo
ADATTAMENTO TESTI: Andrea De Manincor
PRODUZIONE: Casa Shakespeare e On View di Ornella Naccari ATTORI: Giulia Lacorte – Andrea De Manincor – Solimano Pontarollo – Francesco Martucci – Beatrice Zuin
DURATA: 50 minuti
LINGUA: accompagnamento in italiano e dialoghi in inglese.

Informazioni:
Casa Shakespeare gode per la realizzazione delle proprie attività artistiche 2022-2023 del patrocinio
del Comune di Verona, della Provincia di Verona e della Regione Veneto.

Casa Shakespeare: info@casashakespeare.it

LINK BIGLIETTERIA:
https://www.vivaticket.com/it/ticket/the-merchant-of-venice/199677

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Che sono ormai da anni riduzioni, riletture, rielaborazioni, punti di vista, anche in doppia lingua, attorno alla materia teatrale di cui William Shakespeare ha fatto dono all’umanità.
Il Titolo scelto ormai da qualche anno è “Abbiamo rapito William Shakespeare”, a sottolineare non un’esclusività – ci mancherebbe! – ma un possesso condiviso di alcuni testi del grande Bardo, a partire da quelli dedicati alla nostra Regione e allo specifico cittadino, con la più grande tragedia di amore e sangue che è Romeo e Giulietta; ma il rapimento consiste soprattutto nella sottrazione di quelle immagini e idee che hanno reso immortali veramente molte delle opere di Shakespeare, e attorno alle quali, appunto, abbiamo avanzato negli anni delle ipotesi di scrittura nuova, che sono anche ipotesi di approfondimento, scavo e rimestamento delle trame.

Partiamo il 19 gennaio al Teatro Satiro Off, casa di Casa Shakespeare, con “The Merchant of Venice” (disponibile anche in matinée per le scuole), in doppia lingua (inglese scespiriano e italiano facilitante), all’interno del quale abbiamo chiaramente preso il punto di vista di Portia, che “legge” per il pubblico la vicenda che coinvolge i tre personaggi attorno ai quali ruota la trama principale, il principale meccanismo di azione, ossia Shylock, Antonio e Bassanio, e che vede lei stessa come perno di capovolgimento e risoluzione, con un occhio particolare rivolto al senso di un testo che parla dell’offensione specifica nei confronti del “popolo di Dio”, quello ebraico, l’evento più drammatico rispetto al quale si celebra ogni anno, con la Giornata della Memoria, il 27 gennaio 2023.

In occasione di Verona in Love e della Festa di San Valentino, ritorneranno i nostri amanti, “Giulietta e Romeo”, il 14 febbraio al Teatro Camploy di Verona – trasferta cittadina per Casa Shakespeare – in un’edizione rinnovata e riscritta con alcuni elementi drammaturgicamente originali, per raccontare l’immortalità di una vicenda che Shakespeare raccolse dalle “testimonianze” autorali di Da Porto, Bandello e forse addirittura Gherardo Boldrieri. Anche in questo caso prevista la doppia lingua, fra sovrapposizioni di testo scespiriano e lingua italiana che esplica o richiama.

Torniamo a Casa con “La bisbetica domata”, in occasione delle celebrazioni per l’8 marzo, festa della donna, per raccontare ancora una volta attraverso punti di vista collaterali la vicenda di una ribelle (Caterina) domata, alla quale però nel finale della nostra versione vogliamo dare un riscatto, per fare in modo che venga ristabilita al centro di ogni interesse semplicemente umano, approfittando poi per tornare a parlare della Regione Veneto, Padova e Verona nello specifico.

Il 30 marzo 2023, nel Teatro Satiro OFF, al risveglio di Primavera è affidato alla nostra versione in doppia lingua, adatta nelle matinée scolastiche soprattutto per i cicli inferiori (Primaria e Secondaria di primo grado), del Sogno di una notte di mezza estate, cioè “Midsummer, Il Sogno del Teatro”, vissuto nella carne e nel racconto di tre attori, chiamati a “zippare” la vicenda soprattutto degli amanti e del bosco – secondo la morfologia di fiaba luogo d’incantamenti, misteri e stravolgimenti di senso – in un mix che è celebrazione dell’arte del teatro, in particolar modo.

Infine, all’interno di un’ulteriore sezione di programma che da sempre caratterizza l’attività di Casa Shakespeare, cioè la Shakespeare Week, che appunto cade ad Aprile in corrispondenza con il mese scespiriano, ecco il debutto, il 20 aprile sempre al Teatro Satiro Off, di “Antonio e Cleopatra”, in una versione su cui faremo pendere un richiamo anche a un conflitto fra attori, gli attori che seppero immortalarli in celluloide nel secolo da poco passato, cioè Liz Taylor e Richard Burton, in una sorta di omaggio che, se vogliamo, è soprattutto un omaggio a un’arte che rischia la minima sopravvivenza sulle piattaforme televisive.

• Gli spettacoli verranno proposti in serale e in matinée per le scuole, in modalità in presenza per max 60 persone e online.
• La rassegna teatrale ufficiale della compagnia di Casa Shakespeare in co-produzione con ONVIEW Experiences&Weddings di Ornella Naccari.
• La IV edizione prenderà avvio da gennaio fino ad aprile 2023, presso il Teatro Satiro Off, location storica e suggestiva in Vicolo Satiro 8, quartiere Filippini, Verona.
• In scena le produzioni originali e in lingua italiano/inglese. Nella riscrittura di Andrea De Manincor, il Direttore Artistico di Casa Shakespeare, ma anche innovazione nella drammaturgia, sceneggiatura e scenografia.
• La partecipazione dei giovani e degli anziani avverrà a biglietto calmierato.

CONTATTI
Casa Shakespeare: info@casashakespeare.it

LINK BIGLIETTO UNICO (abbonamento):
https://www.vivaticket.com/it/ticket/abbiamo-rapito-william-shakespeare/198295

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Al Teatro Roma arriva “Costa Power”, il nuovo show terapeutico ed energizzante di Antonello Costa da assumere anche più volte a settimana per recuperare il buonumore

Teatro Roma 17 – 26 febbraio 2023

Tutto il potere del sorriso in una bevanda. Non sarebbe fantastico recuperare il buonumore semplicemente sorseggiando un energizzante? L’idea per ora è solo “virtuale” ma il poliedrico Antonello Costa ha deciso di lanciare la proposta nel suo nuovo  spettacolo “Costa Power”, in scena al Teatro Roma dal 17 al 26 febbraio 2023.  Uno show  decisamente terapeutico in linea con lo stile unico del comico siciliano, che ha conquistato il suo pubblico con l’innata simpatia e quel talento che lo rende un comico in via d’estinzione, in grado di far ridere o sorridere lasciandoti anche un pizzico di amarezza come quando omaggia il grande Totò o passa da  Chaplin a Michael Jackson in un Medley tra musica, mimica e ballo. Nel nuovo varietà comico Costa sarà accompagnato come sempre dalla soubrette Annalisa Costa,  la sorella con cui ormai da anni gira i teatri di tutta Italia, dalla spalla comica Pierre Bresolin e da un prezioso corpo di ballo. Per allontanare i pensieri negativi, lo stress, l’ansia e fare scorta di risate Costa consiglia di assumere “Costa Power” anche più volte a settimana, perché la medicina migliore per affrontare le criticità della vita è da sempre una ricca dose di ironia. Due ore di energia allo stato puro con una serie di performance estratte dal celebre repertorio e assolute novità. Da Petrolini a Fred Astaire passando per Renato Rascel, Tony Fasano,  Ramon e tanti altri per uno show formato famiglia  che unisce la magia del teatro a  momenti di comicità e cabaret spassosissimo…per dimenticare almeno per una sera di “dialogare” con lo smartphone e riscoprire il piacere di sedersi in platea e vivere autentiche emozioni.

Teatro Roma, Via Umbertide 3, Piazza di Santa Maria Ausiliatrice, 00181 Roma RM

Info e prenotazioni Telefono: 06 785 0626 

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Myriam Somma è un’artista versatile, poliedrica e carismatica capace di comunicare attraverso qualsiasi forma d’arte.

Dopo il suo esordio in un coro polifonico si avvicina al musical, che le consente di coniugare due sue grandi passioni: il teatro e il canto.

Si perfeziona in canto Elisabeth Howard, Brunella Platania, Marcello Sindici, Robert Steiner, Stuart Linsday, Lala McCallan e Marco Manca, affinando le tecniche jazz, folk, pop e rock. Sempre più affascinata dal teatro musicale, si dedica anche allo studio del “belting”, della recitazione e della interpretazione scenica, partecipando a varie Masterclass con performer del calibro di Kerry Ellis.

Tra i ruoli ricoperti vi sono: Valentine De Villefort ne “Il Conte di Montecristo” regia di Gino Landi; Giovanna in “Amalfi 839AD”, Lamia in “Rebellion”, il Narratore in “Murder Ballad”, Lucia ne “Il Miracolo di Marcellino” di Don Marco Frisina e regia di Gino Landi. Myriam in “Balliamo Sul Mondo” scritto e diretto da Chiara Noschese e Luciano Ligabue, Beatrice ne “La Divina Commedia Opera Musical” regia di Andrea Ortis e Viola in “Come Musica” per la regia di Ettore Bassi.

Ospite in molti concerti a fianco di Graziano Galatone, Matteo Setti, Lalo Cibelli, Leonardo Di Minno è stata anche tra i protagonisti di “Quello Che Resta”, con la regia di Chiara Noschese e la direzione musicale del M.° Dino Scuderi.

Dal 2022 Myriam Somma consolida la sua passione per il canto diventando co-autrice dei testi musicali dove racconta storie dal contenuto autobiografico in cui tutti possono riconoscersi.

Il 03 febbraio 2023 è uscito il suo nuovo singolo “Inutile” disponibile su tutte le piattaforme digitali.

Si tratta di un brano intenso in cui la cantante racconta il lato oscuro dell’amore: storie di falsità, menzogne, tradimenti …

“Questo brano è un regalo principalmente a me stessa” – spiega l’artista – ma spero che possa aiutare altre persone che vivono magari un momento buio a superarlo e a trovare la forza di reagire”.

Non si nasconde Myriam e confessa di aver sofferto molto in passato a causa di storie d’amore sbagliate. E continua: “L’amore ha una forza devastante, nel bene e nel male. Gli amori belli ti danno forza, ti fanno fiorire, ti lasciano bei ricordi anche quando finiscono. Ma gli amori tossici ti possono devastare”.

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Il prossimo 27 aprile al Teatro Roma (Via Umbertide, 3 – Roma), alle ore 21, sbarca “Bastardi Senza Oscar” con la regia di Simone Gallo, uno spettacolo brillante con un mix esplosivo di citazioni di serie tv, film e testi di teatro rivisitati in chiave esilarante dal gruppo “Cattivi Amici”.

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Domenica 19 marzo si alzerà il sipario sull’esilarante comicità di CARMELO CACCAMO. Sarà la dissacrante ironia dell’artista catanese ad animare il pubblico dello splendido Teatro Garibaldi con il “Carmelo Caccamo show”. Prodotto da Media Manager, lo spettacolo impreziosisce la 9ª edizione di Voci di Sicilia. Una rassegna organizzata da Eventi Olimpo con la direzione artistica di Peppe Truscia e il patrocinio dell’amministrazione comunale di Enna.

Amato dal pubblico per il personaggio della Signora Santina, volto noto della tivù regionale, l’istrionico CARMELO CACCAMO porta in scena il suo one man show. Canzoni, stand up, momenti di spettacolo, battute e interazione con gli spettatori in sala, per una festa dove tutto diventa possibile. Tante sorprese e ospiti con una band dal vivo.

Un’occasione davvero speciale, si direbbe unica, nella quale la platea diventerà elemento insostituibile per la riuscita della serata. Sarà così partecipe delle follie, delle ipocrisie e delle piccole manie che contraddistinguono le nostre vite ordinarie. Rilanciate godibilmente dal nostro protagonista sul palco. Ironico, divertente, dissacrante, CARMELO CACCAMO ci racconterà il suo sguardo sul mondo e su ciò che nella vita di ognuno di noi ci fa dire… Beh, venite al teatro per saperlo.

L’appuntamento con il “Carmelo Caccamo show” è domenica 19 marzo al Teatro Garibaldi di Enna, all’interno della rassegna Voci di Sicilia. Tariffe ridotte per clubs service, Cral, over 70 ed universitari. Inizio spettacoli ore 20.30, organizzazione a cura di Eventi Olimpo con la direzione artistica di Peppe Truscia.

Per maggiori informazioni e prenotazioni è possibile contattare il numero 335 457082 o inviare un’email a info@eventiolimpo.it. Biglietti disponibili anche sul circuito online Liveticket (https://www.liveticket.it/) e presso i punti vendita ad esso collegati.

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Lunedì 26 dicembre 2022 alle 16.45 debutterà il nuovo spettacolo scritto da Alessandro Riccio con Gianmaria Vassallo “Si, son sassi” al Nuovo Teatro di Fiesole.

Alessandro Riccio e Gianmaria Vassallo sono due artisti molto presenti sul territorio fiorentino ed entrambi legano il proprio stile alla “fiorentinità” rafforzando la stima del pubblico che li sostiene con grande entusiasmo. Per la prima volta danno vita a un evento che unirà tradizione e comicità, musica e drammaturgia, seguendo lo stile che contraddistingue ciascuno dei due.

Spiegano gli artisti a proposito del nuovo progetto:

“Avere gli stessi interessi aiuta a ottenere risultati migliori: questa regola sta alla base di ogni rapporto. E con Gianmaria condividiamo l’amore per Firenze e la fiorentinità. Io cerco sempre in ogni spettacolo di collaborare con artisti diversi perché si creano incontri stimolanti e inaspettati. Questa è la prima volta insieme sul palco ma già dai primi incontri abbiamo capito che c’è una fortissima sintonia: ingrediente segreto per far funzionare gli spettacoli! E ho scritto per il giovane Vassallo un personaggino che gli si cuce perfettamente addosso…” (Alessandro Riccio)

“Ormai si sa il bene che voglio a Firenze, ogni giorno cerco di dimostrarlo con quello che mi riesce fare meglio, ma questo è un progetto che mi vede in uno stato d’euforia senza precedenti. Ci addentriamo in un’idea di spettacolo mai pensata prima d’ora su pagine di storia fiorentina ancora da molti poco conosciute. Non nascondo che mi spaventano i panni di un personaggio così particolare come il giornalista Jarro, ma l’entusiasmo che ho addosso per questa nuova avventura mi farà superare qualsiasi sfida. Se poi ci aggiungi che sono fan del Maestro Riccio ormai da anni, inutile dire quanto sia onorato di questa nuova collaborazione”. (Gianmaria Vassallo)

CALENDARIO APPUNTAMENTI:

26/12 pomeridiana, ore 16,45

27,28,29,30/12 ore 21

31/12 inizio ore 21,45 previsto poi panettone e brindisi nel foyer con la compagnia

6,7/01 ore 21

8/01 pomeridiana, ore 16,45

Prevendita: Circuito Box Office-Ticket one

BIO

ALESSANDRO RICCIO

Attore e regista fiorentino, classe 1972.

Nel 1998 fonda la casa di produzione “TEDAVI ‘98”.

La sua formazione spazia dalla regia alla recitazione, dalla sceneggiatura al trucco, portandolo a padroneggiare tutti gli  strumenti indispensabili per la direzione artistica e produttiva. Alterna lavori in teatro, come attore, sceneggiatore e regista, a regie cinematografiche e televisive.

Con più di 60 produzioni di spettacoli alle spalle, dà vita a personaggi memorabili come la Bruna (“Bruna e la notte” e “Le mille e una Bruna”) e a spettacoli cult come “La meccanica dell’amore” e “Le gran cabaret”.

Collabora inoltre con molti altri registi e compagnie nazionale (Teatro Stabile del Veneto con L’ispettore Generale” e nell’edizione fiorentina di “Dignità autonome di prostituzione” di Luciano Melchionna; Teatro di Rifredi con Io non so chi sei, regia di Angelo Savelli, giusto per citarne due)

La sua passione per la storia lo porta ad interpretare personalità storiche rileggendole spesso in chiave comica e irriverente (Lorenzo il Magnifico, Galileo Galilei, Gianni Schicchi, Stefano Bardini, Cesare Lombroso, Luigi del Buono) e la sua capacità di trasformismo lo porta a camuffarsi nei personaggi più disparati.

Da anni collabora con l’Orchestra della Toscana in 4 produzioni diverse distribuite da Fondazione Toscana Spettacolo.

Ideatore de “IL MESE MEDICEO” rassegna di teatro e cultura sulla famiglia de’ Medici, ha portato il pubblico a scoprire luoghi e personaggi dimenticati della grande dinastia fiorentina.

Ha collaborato con La7 alla produzione dei documentari storici per “Atlantide”.

Già dal 1985 realizza cortometraggi di fiction. I suoi ultimi cortometraggi Fuoco su tela (10 min./35mm) e Su di me (15 min./35mm) sono stati distribuiti nelle sale cinematografiche fiorentine dal Circuito CINEHALL mentre Anima larga è distribuito a livello internazionale dalla casa di distribuzione “Bananafish” di Roma. Collabora alla creazione di programmi televisivi per bambini per “Telepiù”. Ha creato per la televisione una sit-com televisiva dal titolo Du’ stanze di cui è stato realizzato il primo episodio. È stato inoltre corrispondente giornalistico del magazine TG Generation per il circuito televisivo satellitare MATCH MUSIC realizzando servizi sul mondo dei giovani e la serie di fiction dal titolo Amore fa rima con …

Attualmente è co-sceneggiatore del prossimo film di Leonardo Pieraccioni.

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GIANMARIA VASSALLO

Attore fiorentino, musicista, classe 1995, considerato il più giovane esponente dell’humour toscano nel mondo dello spettacolo.

Inizia il suo percorso già dal 2005 partecipando sulle reti Mediaset a trasmissioni firmate da Gerry Scotti e Michelle Hunziker e a spot pubblicitari per Giochi Preziosi.

Perfeziona i suoi studi artistici nel 2011 presso l’accademia del Teatro Politeama Pratese diretta da Simona Marchini e Franco Miseria, con la quale collaborerà professionalmente per altri progetti qualche anno più tardi.

La sua formazione prosegue fino al Centro Sperimentale di Cinematografia a Roma, seguendo corsi intensivi per attori.

Nel 2013 scrive e interpreta il recital “Dante e dintorni”, a fianco dell’attore Brunetto Salvini, da cui ne conseguono numerose repliche teatrali, anche in alta Italia, e la pubblicazione del suo primo libro, patrocinato dal Consiglio Regionale della Toscana.

Il 2015 fu l’anno del “Toscano per caso”, titolo ironico del suo spettacolo comico, tutt’oggi fortemente richiesto in molte tappe sul territorio, il cui successo immortala il suo lavoro di ricerca storica locale in un album discografico che prende il suo stesso titolo.

Molte sono le scritture artistiche all’interno di importanti compagnie di levatura nazionale nel corso degli ultimi anni, ma quel che più emerge è il suo impegno nella riscoperta del canto toscano e del materiale artistico di una Toscana d’altri tempi, di cui egli si fa carico come valido portavoce di una tradizione da tramandare alle future generazioni. Il suo lavoro di ricerca e di riproposta teatrale su Odoardo Spadaro lo consacra “erede naturale” dell’artista e del suo repertorio, appellativo riconosciuto dalle autorità toscane e dalla stessa famiglia Spadaro. Il musical a lui dedicato “Il mio nome è Spadaro”, scritto e interpretato dallo stesso Vassallo, vede la collaborazione straordinaria di Leonardo Pieraccioni e la futura pubblicazione di un libro.

Il premio internazionale “Ponte Vecchio”, l’onorificenza a lui concessa dall’Accademia Medicea di Firenze e il “Premio Renzo Montagnani” alla carriera sono solo alcuni dei riconoscimenti che gli sono stati consegnati.

Nel 2021 è presente nel cast del film “Il sesso degli angeli” di e con Leonardo Pieraccioni e nel docu-film per la Rai “Carlo Lorenzini Collodi”.

È laureato presso l’Università degli Studi di Firenze in Progettazione e Gestione di Eventi e Imprese dell’Arte e dello Spettacolo ed è impegnato, inoltre, in ruoli organizzativi e gestionali del settore. È corporate manager dell’azienda che cura le sue produzioni artistiche: Blackcandy Produzioni snc.

Da settembre 2022 inizia la sua avventura radiofonica come autore e speaker della sua trasmissione “Maledetti toscani” in onda tutti i giorni feriali su Radio Utopia fm 95.7

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DAL 7 AL 18 DICEMBRE 2022

ARRIVA MAX PAIELLA AL TEATRO GOLDEN

IN

STORIE DI UN CANTASTORIE

con il musicista e polistrumentista Flavio Cangialosi

testi di Max Paiella

musiche di Max Paiella e Flavio Cangialosi

regia di Toni Fornari

una produzione ATPR Associazione Teatri Per Roma 

Dalla Sicilia alla Val D’Aosta, dal grande teatro allo scantinato, dalla grande città al più piccolo paesino, il poliedrico artista Max Paiella racconta il suo viaggio nel tempo nei luoghi dove è stato a fare spettacolo. Nasce così “Storie di un cantastorie”, che sarà in scena al Teatro Golden dal 7 al 18 dicembre 2022. E proprio come un antico cantastorie Paiella illustra una grande quantità di storie che raccontano l’Italia con l’aiuto di Flavio Cangialosi, vivace polistrumentista e musicista, in uno show che si impreziosisce dell’ausilio della narrazione e delle illustrazioni grafiche “fresche fresche come un salumiere che vi offre quel prosciutto dolce dolce che ce l’ha solo lui!”. La provincia e le città narrate con i loro protagonisti attraverso questo strano luogo d’incontro, il teatro, con il consueto linguaggio comico, dissacrante, satirico ed emozionante in un percorso basato sulle storie di quell’italiano che lavorava la terra, che emigrava, che cercava lavoro in città, che non raccontava le proprie origini pur andandone fiero, che capiva l’importanza della cultura pur avendone poca. In poche parole l’italiano che il teatro se lo costruiva da solo, quell’italiano a cui vorremmo somigliare  pur se ormai sembra lontano da noi. Questo viaggio consentirà ad ogni spettatore e ogni territorio di sentirsi protagonista. Avrà’ inizio con la storia di questo teatro che ha lo stesso nome di una mela, Golden appunto… Entrate amici e assaggiate anche voi la vostra storia!

TEATRO GOLDEN 

Via Taranto, 36 – Roma 00182

telefono / whatsapp 

06.70493826

mail 

info@teatrogolden.it

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Andrà in scena i prossimi 16, 17 e 18 dicembre al Teatro Fellini di Catania “Joan Crawford Diva di Cristallo” di Antonio Mocciola, regia di Miriam Mesturino, che vedrà sul palco l’attrice romana Jessica Ferro.

Una pièce teatrale che vede la regia capillare della celebre attrice, doppiatrice e regista teatrale Miriam Mesturino, figlia d’arte, cresciuta fin da bambina tra danza e recitazione.

Un atto unico che vede la Ferro come unica protagonista sul palco, in una interpretazione profonda, intensa, tragica, in un tributo a Joan Crawford, una delle grandi interpreti del cinema statunitense: dal cinema muto degli anni ‘20 fino agli anni ’40, la sera della sua proclamazione a vincitrice dell’Oscar come miglior attrice protagonista.

Siamo nel 1946, Joan è candidata agli Oscar per il film “Mildred Pierce” (Il romanzo di Mildred), ma ha il terrore di non riuscire a portare a casa l’anelata statuetta.

Le nominations vedono,  al suo fianco,  attrici del calibro di Greer Garson (già vincitrice dell’Oscar nel 1943 per La signora Miniver) e l’attrice rivelazione Ingrid Bergman (vincitrice l’anno precedente  con il film “Angoscia”).

La Diva decide quindi di fingersi malata e non andare alla cerimonia.

Le aspettative sono tante, l’attesa è snervante, la tensione è palpitante. Joan rimane incollata alla radio, seguendo la cerimonia in un crescendo di emozioni contrastanti, finchè non sentirà fare il suo nome con la fatidica frase… The Winner is Joan Crawford in Mildred Pierce.

Un mito costruito su mille contraddizioni e paradossi: Joan Crawford aveva le spalle troppo grandi, quasi maschili: ed ecco le sue celebri spalline, esaltando il difetto, e dunque annullandolo. Aveva la bocca troppo grande (da squalo, dicevano i detrattori) e lei la raddoppiava passandosi il rossetto fin quasi a coprire mento e naso. Aveva un accento troppo texano, molto “cheap”, e lei ha creato un birignao nell’allungare le vocali che solo l’immensa Tina Lattanzi, in Italia, poteva doppiare con tanta deliziosa enfasi. Joan Crawford ha costruito il proprio mito con certosina pazienza, divorata dall’ambizione e da un ego smisurato, imprenditrice di sé stessa e Diva moderna ma allo stesso tempo conformista. Schiettamente invidiosa del talento altrui, ha saputo durare quattro decenni seminando stragi di cuori e sacrificando all’altare del successo quattro figli adottivi (accarezzati solo a favore di flash) e un bel pezzo di fegato, annientato dalla bile e da etiliche passioni. Fascino androgino, inequivocabilmente bisex, malmostosa icona dei travestiti per i suoi eccessi nel look e per le bizze sui set di mezzo mondo, ha scolpito l’immagine della self-made woman venuta su dal nulla a colpi di umilianti lavori e qualche carezza in più concessa (forse) suo malgrado. Detestata dalle colleghe (ma amata dal pubblico femminile) Joan Crawford ha scolpito da sola il monumento di sé stessa con una lapidaria frase, che tutto dice e niente rivela: “Se cercate la ragazza della porta accanto, bussate alla porta accanto”.

L’abito di scena di Jessica Ferro è realizzato da Bàste Sartoria, scenografia Eventi di Cartone.

Joan Crawford Diva di Cristallo
Teatro Fellini  Via Enna 26 – Catania
Venerdì 16 dicembre ore 21.00
Sabato 17 e Domenica 18 dicembre ore 18.00
Per info e prenotazioni tel. 095-506565 Cell. +39 338 769 1944

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DAL 23 NOVEMBRE AL 4 DICEMBRE 2022

AL TEATRO GOLDEN

ELDA ALVIGINI, BEATRICE FAZI, GIULIA RICCIARDI

IN

STREMATE E… BEATE?

scritto da Giulia Ricciardi

regia di Patrizio Cigliano

una produzione ATPR Associazione Teatri Per Roma 

produzione esecutiva Ass. Cult. Arcadinoè

Le abbiamo lasciate vecchie e stanche, destinazione, poi un boato e le stremate sembrano giunte al capolinea! Sarà l’Aldilà?

Al Teatro Golden un nuovo capitolo di uno spettacolo di grande successo “Stremate e Beate?”, con Elda Alvigini, Beatrice Fazi, Giulia Ricciardi, per la regia di Patrizio Cigliano, in scena dal 23 novembre al 4 dicembre nel teatro di via Taranto a Roma.

Tutto finito, dunque? La vita – come il teatro – è un moto perpetuo. Nulla finisce davvero e tutto può sempre ripartire. Ma come? E soprattutto… dove?

Le ritroviamo così in una sorta di “altra dimensione”, nella sala ARRIVI di un bizzarro Purgatorio dove ancora una volta dovranno fare i conti con i loro complicati ed esilaranti caratteri. Anzi: dovranno rendere conto delle loro vite… e dei loro vizi. Non mancheranno incontri bizzarri con personaggi “particolari” e soprattutto l’incontro – scontro con un quarto elemento. Chi sarà l’oscura presenza che le accompagnerà in questo loro ultimo viaggio? E soprattutto… sarà davvero l’ultimo?

La vita – come il teatro – è un moto perpetuo… e loro saranno di nuovo in viaggio.

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Dal 13 al 18 dicembre al Teatro Olimpico di Roma arrivano i Black Blues Brothers, cinque straordinari acrobati con l’Africa nel sangue e i Blues Brothers nel cuore il cui show acrobatico ha entusiasmato oltre 500.000 spettatori, superando le 800 date in 350 città in tutto il mondo.

Ora dopo aver lasciato senza fiato centinaia di migliaia di persone di età, cultura e nazionalità differenti, finalmente anche i romani potranno assistere alle loro vulcaniche evoluzioni accompagnate dall’indimenticabile colonna sonora del leggendario film di John Landis.

In un elegante locale stile Cotton Club, un inserviente insegue il sogno di diventare uno dei Blues Brothers, quando l’apparizione di due acrobati vestiti con l’iconico completo di John Belushi e Dan Aykroyd gli offre l’opportunità di realizzare i suoi desideri: assecondando le bizze di una capricciosa radio d’epoca che trasmette musica rhythm’n’blues, il barman e tutto lo staff si trasformano in equilibristi, sbandieratori, acrobati e danzatori col fuoco. La scena si riempie di corpi perfetti che volano nell’aria eseguendo complicate evoluzioni sempre col sorriso sulle labbra, sfruttando tutto ciò che li circonda: ogni oggetto (sedie, tavoli, appendiabiti, vasi e persino specchi) diventa uno strumento per acrobazie mozzafiato e coinvolgimento costante del pubblico. Se i Blues Brothers erano una band che cercava di ricomporsi, i Black Blues Brothers sono un gruppo acrobatico che si riforma ogni sera sul palco e nel farlo danno vita ad una festa ricca di momenti spettacolari ispirati ad uno dei più grandi miti pop dei nostri tempi: piramidi umane, limbo col fuoco, salti con la corda e nei cerchi, gag esilaranti, divertenti striptease, spassose sfide di ballo e molto altro ancora. Uno show dinamico, adatto a tutti.

Tra circo contemporaneo e commedia musicale, questa produzione di teatro acrobatico ha conquistato teatri e kermesse di tutto il mondo. Al Festival di Edimburgo, la rassegna teatrale più importante al mondo, dove nelle ultime due edizioni la compagnia ha registrato decine di migliaia di presenze, lo show è stato accolto da numerosi sold out, standing ovation ad ogni replica, recensioni a cinque stelle e ha ricevuto il titolo di “Best Circus and Physical Theatre show” da parte della stampa specializzata.

In Australia, la stampa lo ha eletto miglior show di teatro acrobatico del Fringe di Adelaide. Il celebre critico Franco Cordelli lo ha definito sul Corriere della Sera “La scintillante impresa dei magnifici cinque”.

L’energia dei Black Blues Brothers è stata applaudita anche da fan d’eccezione, tra i quali Papa Francesco, che si è personalmente congratulato con loro durante il Giubileo dello Spettacolo Popolare, il Principe Alberto durante la cena di gala dei Rolex Master di Tennis allo Sporting Club di Monte Carlo e il Re Carlo III di Inghilterra che ha lodato l’enorme talento degli artisti per la loro esibizione alla Royal Variety Performance, lo storico evento televisivo ideato dalla famiglia reale inglese che dal 1912 accoglie i più grandi nomi della danza, del teatro e del circo. A gennaio 2023 si esibiranno al Festival di Monte Carlo, la più importante vetrina del circo mondiale, ideata dal Principe Ranieri e ora portata avanti dalla Principessa Stéphanie e allo showcase dell’Association of Performing Arts Professionals di New York.

L’enorme riscontro planetario è valso agli acrobati l’invito a celebri programmi TV quali Le plus grand cabaret du monde, considerata il top per queste forme artistiche, e Tú Sí Que Vales Italia che li ha visti arrivare in finale lasciando a bocca aperta pubblico e giuria. Un evento da non perdere, un must dell’intrattenimento dal vivo internazionale.

Da martedì 13 a domenica 18 dicembre 2022, ore 20.30

Al Teatro Olimpico di Roma, Piazza Gentile da Fabriano 17

Info e biglietti su teatroolimpico.it

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dal 1 al 4 dicembre 2022 al Teatro LoSpazio di Roma
ANDREA LINTOZZI e SABRINA MARTINA

in WORLD BUILDERS

di JOHNNA ADAMS

Regia di RICCARDO D’ALESSANDRO

Scene e costumi di NICOLA CIVININI

Traduzione ENRICO LUTTMANN

“A più di quarant’anni dalla Legge “Basaglia”, la 180 del 1978, è ancora aperto il problema di una corretta informazione per superare la discriminazione sul disagio mentale e favorire l’inclusione delle persone che ne soffrono.”

Questo il principio che ha spinto l’associazione culturale Orizzonti Artistici ad affidare a Riccardo D’Alessandro la messa in scena di questo spettacolo che raccoglie in un ora e mezza le mille sfumature della patologia della schizofrenia.

Whitney e Max sono due giovani affetti da questo disturbo mentale che che vivono esclusi dalla “vera” realtà e rifugiati in un mondo costruito dalla loro mente, che li rende a volte estremamente felici ed altre volte li porta nel più oscuro oblio.

Esiste una cura sperimentale che può aiutare i due protagonisti ad uscire da questo vortice di psicosi ma il prezzo da pagare è quello di conoscere il mondo per come realmente è, vedere che anche le persone considerati dalla società “normali” vivono in realtà di falsi miti e false credenze, di social media e realtà alterate.

Basterà il loro amore, nato durante la terapia, a convincerli che vale più la pena vivere nel mondo reale, per quanto li renda tristi, piuttosto che tornare nel loro mondo immaginario nel quale però sono in grado di sentirsi realmente felici?

Chi stabilisce quale sia la normalità?

Chi stabilisce quale sia la vita che vale veramente la pena vivere?

Al pubblico l’ardua sentenza.

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CINÉMAGIQUE

ARTISTI DELL’IMMAGINAZIONE

Teatro Olimpico di Roma – Dal 16 al 20 Novembre 2022

Arriva CinéMagique, l’unico grande spettacolo di Magia che racconta il grande Cinema, un’esperienza magica travolgente, uno show visuale ricco di emozioni e divertimento. Il Cinema nelle mani degli illusionisti.

I Disguido hanno aggiunto il loro tocco alla magia creando uno spettacolo originale dal ritmo incessante, surreale, divertente e poetico, in cui si fondono magia, trasformismo, danza, mentalismo, grandi illusioni, musica e cabaret. Sul palco insieme ai Disguido, la Cinemagic Orchestra, un ensemble musicale che esegue la colonna sonora dello spettacolo, le folli incursioni di Yari Croce, il soprano Rosaria Angotti e la straordinaria partecipazione del grande SILVAN, il Mago dei Maghi che si esibirà con la sua arte manipolatoria e molto altro ancora.

Incanto, divertimento e meraviglia per tutta la famiglia. Un susseguirsi di quadri che si rifanno al meraviglioso universo cinematografico, personaggi e citazioni raccontano l’evoluzione dell’uomo e dell’eterno bambino che è in lui. A fare da collante tra un capitolo e l’altro è il puntino sulla “i“, una pallina rossa come il naso di un clown.

100 minuti di Magia, fantasticherie e acrobazie in cui gli eccentrici protagonisti sembrano moltiplicarsi sulla scena come i riflessi di una lanterna magica.

Palle volanti, palloncini giganti, donne tagliate, levitazioni, miracoli, metamorfosi, sparizioni e musica dal vivo per dare libero sfogo al sogno e all’immaginazione attraverso la comicità e la poesia dei Disguido.

Fatevi trasportare dalla fantasia di CinéMagique, uno spettacolo unico nel suo genere, estremamente dinamico e visuale, dove nulla è come sembra e tutto è realmente possibile, proprio come al cinema!

I Disguido sono campioni europei di Comedy Magic, premiati a livello mondiale e vincitori del Mandrake d’Or, l’Oscar della Magia. Ospiti di svariati programmi televisivi fra cui Fool Us, il noto show di Las Vegas. Milioni di spettatori hanno applaudito le loro incredibili performance durante i loro tour in 48 diversi paesi del mondo.

INFO SPETTACOLO E CAST

Di e con i DISGUIDO: Guido Marini e Isabella R. Zanivan Con la straordinaria partecipazione di SILVAN

Musiche dal vivo Cinemagic Orchestra

Soprano Rosaria Angotti

Pianoforte, tastiere, chitarra acustica, direzione musicale Emanuele Bruno Chitarra, basso, mandolino, contrabbasso Jacopo Barbato

Sassofono, flauti, percussioni, batteria Fabio Mancano

Incursioni e Personaggi Yari Croce

Regia Scene e Costumi Guido Marini e Isabella R. Zanivan Disegno luci Paolo Jacobazzi

Contributi video Andrea Traina

Scenotecnica Roberto Riini

Assistenti Magic Dorian, R. Russo, Yari Croce

Aiuto regia Marco Amadori

Consulenza artistica e Coaching Sergio Bustric e Vito Lupo Grafica Claudio Luigi Bruno, Sara Cambi

Video editing Marzio Pacifici

Produzione Oltre la Scena

Organizzazione Isabella R. Zanivan

In collaborazione con Abracadabra

Assistente di comunicazione Natalia Adorante Amministratore Enrico Porcaro

Magic Shop Tricks e Merchandising Eclectica Magic

Ufficio stampa Federica Rinaudo

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Al Teatro Golden di Roma arriva lo spettacolo “Il Test” di Jordi Vallejo

Dal 9 al 20 novembre 2022

con

Roberto CIUFOLI

Benedicta BOCCOLI

Simone COLOMBARI

Sarah BIACCHI

adattamento e  regia Roberto CIUFOLI

Traduzione Piero Pasqua

Quattro personaggi che, nelle ultime stagioni teatrali, hanno fatto ridere tutta l’Italia.

Da Catania ad Aosta, da Alghero a Napoli, da Bologna a Rovereto, lo spettacolo “Il Test”, scritto da Jordi Vallejo, con Roberto Ciufoli, Benedicta Boccoli, Simone Colombari, Sarah Biacchi, per la regia dello stesso Ciufoli e la traduzione di Piero Pasqua, ha registrato ovunque ampi consensi e generosi applausi ed ha ricevuto il premio Fray Luis de Leòn 2014.

Un successo che approda a Roma al Teatro Golden, dal 9 al 20 novembre, per offrire di nuovo al pubblico questa commedia coinvolgente e irresistibile, che si avvia a consacrarsi anche in Italia un classico (in Spagna ne è stato perfino tratto un film), nella quale i personaggi   sono travolti dalle quattro S: soldi, sentimenti, sesso, successo. Bisogna scegliere: centomila euro subito o un milione di euro fra dieci anni? Questo è il test che li  trascina in un crescendo comico e drammatico, portando alla luce il non detto, le aspirazioni, le colpe e le speranze.

Quattro campioni sul palco, a partire da Roberto Ciufoli, che  ne ha curato anche l’adattamento e la regia. Con lui ( o contro di lui?) la nevrotica Benedicta Boccoli,  il pragmatico Simone Colombari e l’implacabile Sarah Biacchi.

Nella scenografia di Andrea Ceriani, il disegno luci di Francesco Bàrbera e con i costumi di Sandra Cardini, fotografia di Tommaso Le Pera.

Note di regia di Roberto Ciufoli

I test appassionano, la ricerca della giusta risposta per mostrare di essere intelligenti, acuti, pronti, à la page, ha mantenuto un fascino intramontabile. Cosa può mai nascondersi dietro l’innocuo “è meglio un uovo oggi o la gallina domani”? Rispondere “dipende dallo stato di salute della gallina” denota sagacia, cinismo o analisi pragmatica? Qualunque sia lo scopo di un test, il risultato finale sarà sempre una scoperta o la conferma di un comportamento che addirittura può sconvolgere chi viene “testato”.   E’ il nostro caso. I protagonisti della nostra storia vengono letteralmente   travolti   dagli   esiti   di   quello   che   all’apparenza   è   solo   un   inoffensivo   test comportamentale: preferisci la voracità del morso qui e ora o la pazienza dell’attesa di un futuro piatto più sostanzioso?

Info www.teatrogolden.it

Teatro Golden

Via Taranto, 36, 00182 Roma RM

Telefono: 06 7049 3826

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AL TEATRO DELLE MUSE DEBUTTA “QUANDO C’E’ LA SALUTE”

DAL 14 OTTOBRE AL 13 NOVEMBRE 2022

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Dopo il successo di maggio scorso, torna Jessica Ferro al Teatro Ghione di Via delle Fornaci a Roma, con la favola per eccellenza “Cenerentola, l’incanto di una notte”, scritto da Chiara Alivernini con la regia di Giuseppe Brancato, assistente alla regia Fabrizia Sorrentino, che sarà in scena il prossimo  6 novembre alle 19 e in due  matinée dedicate alle scuole di Roma,  il 7 e 8 novembre alle ore 10.30, spettacolo prodotto da Senz’Arte né Parte e Resalio Produzioni.

Liberamente tratto dalla nota fiaba dei fratelli Grimm, la storia è nota a tutti: amore, magia, famiglia, una ragazza, un principe, un ballo.

Questi sono gli ingredienti semplici ed essenziali di una splendida pozione dal nome “Cenerentola  – l’incanto di una notte”.

Una scarpetta, una storia d’amore, una matrigna, una coppia di simpatici sovrani tutti con un unico obiettivo: realizzare un sogno. Da qui parte la magia… anche se forse il vero prodigio non è nell’incantesimo, quanto nell’incanto più antico del mondo… l’amore.

L’attrice romana Jessica Ferro sul palco interpreta la Matrigna, mentre nel ruolo di Cenerentola troviamo Elisa Forte e Cristiano D’Alterio è il bel Principe.

Nel cast troviamo Giorgia Paolini (Anastasia la sorellastra), Chiara Leugio (Genoveffa la sorellastra), Armando Puccio (il Re), Alessandra De Pascalis (la Regina), Fabrizia Sorrentino (la  Fata Madrina) e Roberto Pesaresi (il Sarto, l’Araldo, lo Chef).

A fare da corollario Elisabetta Settimi, Flavia Cattivelli, Samuel Di Clemente, Gabriel Giannuzzi e Arianna Iacopino.

Gli spettacolari abiti di scena sia di Cenerentola (Elisa Forte) che della Matrigna (Jessica Ferro), sono stati realizzati a mano dalla costumista Silvia Masci.

Un’organizzazione capillare, un meccanismo perfetto, che strizza l’occhio alla sostenibilità ambientale e al riuso anche nelle scenografie, che vedono la collaborazione dello scenografo Marco Papalia e la direzione tecnica dall’architetto Pierpaolo Giannuzzi per “Eventi di Cartone”.

Allo spettacolo teatrale è stato abbinato anche un evento “ASPETTANDO CENERENTOLA”, il 24 Ottobre alle ore 8.00 presso Le Fate Turchine a Via Fornaci di Tor di Quinto 10, dove La Matrigna (Jessica Ferro)  e Cenerentola (Elisa Forte) accoglieranno i bambini della Scuola.

Mentre Il 16, il 23 e il 30 ottobre la matrigna e le sorellastre saranno al parco Zoomarine, nell’ambito della campagna educativa “Smaschera la tua paura”, con la partecipazione dell’Ordine dei Medici Chirurghi e degli Odontoiatri della Provincia di Roma e dell’Ordine degli Psicologi del Lazio, che intende individuare le cause nascoste dietro gli ostacoli quotidiani dei più piccini con lo scopo di fornire loro preziosi consigli per vincere ogni disagio.

Qui si potranno scattare foto ricordo con le protagoniste cattive di Cenerentola pronte a dare vita ad un laboratorio di disegno creativo per scoprire se i cattivi delle fiabe sono davvero poi così antipatici.

Resalio Produzioni omaggerà chi acquisterà il biglietto con un ebook gratuito per un anno da scaricare direttamente dal sito: https://www.resalioproduzioni.com/cenerentola o contattando direttamente Jessica Ferro al 393 2812983 

E tu cosa aspetti a trovare la tua scarpetta?

Cenerentola, l’incanto di una notte
Teatro Ghione – Via delle Fornaci 37 Roma tel. 06-6372294
Domenica 6 novembre alle ore 19.00
Lunedì 7 e martedì 8 novembre matinée per le scuole alle 10.30
Biglietti online: https://www.teatroghione.it/spettacoli/cenerentola/
Riprese video e grafica D-Forte Production

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Riparte la stagione del Teatro Golden e debutta: “Sottobanco”, con Gaia De Laurentiis e Felice Della Corte. Al via per l’occasione la campagna “Libri in via di estinzione. Salvali grazie a Sottobanco”

Dal 21 settembre al 2 ottobre 2022

Teatro Golden via Taranto, 36

La scuola è ripartita e per gli studenti si prospetta un anno pieno di studio e tante avventure. Ma non sono i soli. Anche i teatri sono pronti ad annunciare la loro nuova stagione e gli attori fremono in attesa di salire sul palcoscenico. Tra debutti e grandi ritorni è decisamente ricco il cartellone del Teatro Golden di via Taranto a Roma, il cui primo spettacolo coincide, curiosamente, proprio con il “suono della campanella”. In scena, infatti, sta per debuttare la commedia “Sottobanco”, di Domenico Starnone, con Gaia De Laurentiis, Felice Della Corte e con Paolo Perinelli, Riccardo Bàrbera, Silvia Brogi, Marina Vitolo, Enoch Marrella, per la regia di Claudio Boccaccini. Prodotto dall’Associazione Culturale Pex lo spettacolo, dal 21 settembre al 2 ottobre, ruota attorno alle vicende di un istituto tecnico della periferia romana, alle prese con gli scrutini di una 4° classe agli inizi degli anni novanta. 

Il consiglio è costretto a riunirsi nei maleodoranti locali della palestra per dibattere sul destino di una classe irrequieta e bizzarra, dove spicca la presenza imbarazzante di un allievo che,  a causa del suo comportamento,  dividerà i giudizi dei professori dando vita ad un acceso dibattito con l’inevitabile e fatale pretesto per scatenare accuse, recriminazioni, rese dei conti derivanti da rancori pregressi. Problematiche vecchie e nuove, pronte ad offrire alla platea lo spunto per una sana riflessione e tantissime risate. Il valore della cultura per tutti sarà, inoltre, sottolineato da una iniziativa lanciata dal Teatro Golden per ribadire quanto sia fondamentale percorrere la strada della conoscenza. Una vera e propria campagna di sensibilizzazione, intitolata “Libri in via di estinzione. Salvali grazie a Sottobanco”, che unisce il piacere di andare a teatro e quello di dedicarsi alla lettura per stimolare l’immaginazione, migliorare la memoria, accrescere le competenze linguistiche e logiche. Gli spettatori potranno portare un libro, quello che ritengono debba essere preservato dal “rischio estinzione”, e decidere se donarlo al vicino di poltrona oppure allo spazio culturale che si preoccuperà poi di raccoglierli per metterli a disposizione del proprio pubblico.

Info: 06 7049 3826

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Riparte la stagione dello storico Teatro delle Muse a Roma con “Una serata per te“. Presentazione del cartellone e artisti  il 22 settembre 2022. 

Una stagione ricca di comicità e risate per lo storico Teatro delle Muse che si appresta a dare vita ad un cartellone speciale, scelto dagli stessi spettatori che hanno indicato le proprie preferenze. Lo spazio culturale, situato in via Forlì 43 a Roma, si avvale della direzione artistica firmata dall’attore Rino Santoro. Ai nastri di partenza il gala di presentazione, intitolato “Una serata per te“, che il prossimo 22 settembre dalle ore 20.00 proporrà un piacevole happening con il trio protagonista di numerose ed importanti commedie, ovvero la compagnia stabile composta da Wanda Pirol, Rino Santoro, Geppi Di Stasio, quest’ultimo anche regista e autore nonché direttore della compagnia. Presenti alla serata, condotta dallo stesso Di Stasio, anche gli artisti degli spettacoli in scena per la stagione 22/23 che saliranno sul palco per una notte magica all’insegna della ripartenza.

Per tutti i partecipanti ingresso gratuito e l’immancabile aperitivo con tanto di brindisi in omaggio all’immenso valore del teatro italiano.

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Jessica Ferro torna con l’atto unico brillante “Me pari Walter – il Principe Azzurro come non lo avete mai visto”, scritto e diretto da Giuditta Di Chiara, che andrà in scena i prossimi 17 e 18 settembre al Teatro Portaportese nell’ambito della manifestazione “Teatro Festival Roma Comic Off”, che quest’anno torna dopo il fermo per pandemia, con un’edizione speciale #testaccio100 per festeggiare il centenario proprio del Rione romano.

Una commedia che vede protagonisti Jessica Ferro, Marco Zordan e Giorgia Paolini, che torna sui palchi della capitale, dopo i sold out del Teatro Elettra e del Teatro Petrolini di Roma.

Me pari Water è una ragazza e il suo alter ego alle prese con gli amori passati; il Principe Azzurro come non lo avete mai visto ma, soprattutto, è davvero così azzurro il principe?

Lo scoprirete solo ed esclusivamente vedendo lo spettacolo.

Immaginiamo di guardare una fotografia e di poter entrarci dentro,   per poter rivivere alcuni momenti. Immaginiamo di poterli anche cambiare, di poter suggerire ai personaggi le migliori battute da dire, o incassare di nuovo i colpi della vita, ma con una diversa consapevolezza.

Così il personaggio principale si ritrova a dirigere le scene della sua stessa vita:  Jessica Ferro è Sabrina che ricorda, tramite il suo alter ego, incarnato da Giorgia Paolini, le sue vicissitudini sentimentali con i personaggi maschili incontrati durante la sua vita, interpretati da Marco Zordan.

È uno spettacolo fatto di aspettative, di frasi dette e ridette, come un disco rotto…

“Me pari Walter” è uno status mentale, un modo per guardare in faccia i successi e le fragilità  che ci appartengono, i sogni infranti e ricostruiti perfettamente orchestrato dalla regista  e autrice Giuditta Di Chiara.

Direttore Tecnico Pierpaolo Giannuzzi per Eventi di cartone e scenografia  a cura di Marco Papalia.

Allo spettacolo teatrale è abbinato un trailer di D-Forte: https://youtu.be/1m4uUrEtN2M

ME PARI WALTER  – il Principe Azzurro come non lo avete mai visto

Teatro Festival Roma Comic Off

Sabato 17 settembre ore 21.00 – Domenica 18 settembre ore 17.30

Teatro Portaportese – Sala Brecht

Per info e prenotazioni 3932812983

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Aut-Out PRESENTA

“ANNA CAPPELLI”

Tragicommedia di Annibale Ruccello

Storia di un’impiegata nella Latina degli anni Sessanta interpretata dall’attrice

GIADA PRANDI

REGIA DI RENATO CHIOCCA

GIOVEDÌ 7 LUGLIO | ORE 21.30 |

FESTIVAL I SOLISTI DEL TEATRO | 28ª EDIZIONE

Giardini della Filarmonica di Roma | Via Flaminia, 11

«Tonino… Tonino… da che parte posso cominciare? Dal cervello, eh? Anche perché quello credo che non è mai stato mio, altrimenti non avresti potuto nascondermi tutti i tuoi progetti. Ah, cominciamo dal cuore? Dal cuore, dici?… Ma chissà dove abitano i sentimenti!»

Sentimenti, paure, fragilità, condizionamenti della società: sono questi gli ingredienti primari del monologo “Anna Cappelli”, un classico moderno di un grande autore, Annibale Ruccello. Dopo il significativo successo dell’anteprima nazionale, andata in scena il 21 maggio scorso al Teatro Moderno di Latina, lo spettacolo sarà replicato il 7 luglio alle ore 21.30 nella prestigiosa cornice estiva della 28ª edizione del Festival I solisti del Teatro, presso i Giardini della Filarmonica di Roma.

Una storia contemporanea, quella dell’impiegata del comune di Latina – Anna – protagonista del monologo tragicomico, già assolo per grandi attrici come Anna Marchesini e Maria Paiato, che torna in scena interpretato dall’attrice Giada Prandi, in un nuovo allestimento diretto da Renato Chiocca, che mette al centro la donna oltre il personaggio.

LO SPETTACOLO

Anna Cappelli è un’impiegata del comune di Latina negli anni ’60, in bilico tra le convenzioni borghesi dell’Italia del boom e la ricerca ossessiva di una casa e di un amore tutto suo. Anna affida a un uomo le aspettative di un futuro migliore, ma dovrà fare i conti con una realtà che non corrisponde ai suoi desideri. Tra commedia e tragedia, Anna – e insieme a lei il pubblico – verranno risucchiati in un vortice di emozioni forti.

SINOSSI

Anna è una giovane donna che negli anni ’60 si trasferisce da Orvieto a Latina, dopo aver ottenuto un posto di lavoro come impiegata comunale. Lontana da casa e dalla sua famiglia (alla quale sembra essere ancora molto legata), la sua vita procede monotona nella noiosa quotidianità della vita di provincia, fra la polvere e le scartoffie degli uffici del comune e la convivenza con l’asfissiante signora Rosa Tavernini e i suoi «puzzolentissimi gatti». La svolta sembra finalmente arrivare grazie all’incontro con il ragioniere Tonino Scarpa, un abbiente scapolo che vive solo nella sua casa con dodici stanze e tanto di cameriera, il quale dopo pochi mesi le propone di andare a vivere con lui, ma senza sposarsi. Anna accetta riluttante “l’inconsueta” proposta fra i pettegolezzi delle colleghe bigotte e il disappunto della signora Tavernini. La relazione fra i due non va come sperato e in un crescendo delirante e tragicomico Anna verrà trascinata dalle sue fragilità in una spirale di paura, paranoia e possessività che la porterà a commettere un gesto estremo e inaspettato, ma che per lei rappresenta il più grande “atto d’amore” possibile. Anna è una donna in lotta con il suo passato e i suoi demoni. Una vittima del suo tempo, della condizione della donna negli anni ’60; vittima di una società e di una morale che rifiuta, ma che non ha la forza di combattere e da cui noi riesce a emanciparsi.

NOTE DI REGIA

“Un testo, un’attrice e il teatro come spazio della mente. Ho sempre considerato questo testo di Ruccello un piccolo capolavoro contemporaneo per sintesi, poesia e complessità, e quando finalmente Giada Prandi ha accettato la mia proposta di interpretarlo, la nostra Anna Cappelli ha cominciato a vivere, rivelandosi immediatamente per la sua universalità, fuori dal tempo. Anna vive nell’Italia del boom, ma è vittima di un’implosione che la porta alla disperazione. Come molti di noi, oggi sovraesposti agli stimoli dei social network, della pubblicità e di modelli di vita esterni al nostro reale quotidiano, Anna ha una sovraesposizione mentale ed emotiva che contrasta con le sue capacità di elaborazione. È un’impiegata; la sua estrazione la costringe a emigrare per lavoro, e dalla tradizionale Orvieto si muove a Latina, una città nuova (la nostra città, di Giada Prandi e mia), fondata dal fascismo e priva di radici identitarie. Anna condivide quindi con molti di noi uno stato d’animo di sradicamento. Si muove per lavoro con aspettative e desideri che non riuscirà a concretizzare e che faranno emergere in lei il suo lato più oscuro. Si attacca all’amore, ma sprofonderà nell’abisso. Nel nostro allestimento abbiamo cercato di entrare nella testa di Anna per raccontarla in tutte le sue sfumature, nei suoi pensieri e nelle sue emozioni, stilizzandola ma andando oltre la maschera, mantenendo il palco come la scatola vuota che lei stessa vuole creare, teatro di un viaggio empatico e straniante nell’animo umano, che parte commedia e finisce in tragedia”.

BIOGRAFIE

Annibale Ruccello, scomparso a soli trent’anni, nel 1986, è oggi più che mai un autore di culto dalla voce lirica e beffarda, espressiva di una generazione ansiosa di ricreare un teatro nuovo e dentro la realtà, ma capace anche di ridere nella tragedia. Arrivato alla scena dalla scuola di Roberto De Simone, rappresenta accanto a Enzo Moscato e Manlio Santanelli la punta di diamante della “nuova drammaturgia napoletana”, e da regista e attore dei suoi testi racconta la deriva della nostra società attraverso una scrittura – “un musicale scassato, minimale”, come lui stesso la definisce – che oscilla tra la verità del dialetto e la parodia dell’italiano televisivo, intrecciando echi storici col quotidiano, quando non riscrive pezzi di repertorio in feroci adattamenti. Un teatro di solitudini indagate con lucido sguardo da antropologo, di inquietudini sospese in un limbo onirico ai bordi della follia, di personaggi sradicati dalla loro cultura originaria e, quindi, dalla loro consistenza collettiva.

Giada Prandi si diploma nel 1999 all’Accademia Nazionale d’Arte Drammatica Silvio D’Amico di Roma. Si perfeziona studiando con vari maestri della scena contemporanea, quali: Leo De Berardinis, Nicolaj Karpov, Augusti Humet. Nel suo percorso teatrale, che spazia dal comico al drammatico, lavora con Simone Carella, Giancarlo Nanni e Manuela Kustermann, Roberto Guicciardini, Luciano Damiani, Luciano Melchionna, Gabriele Pignotta, Juan Diego Puerta Lopez, Giles Smith e molti altri. Per il cinema e la televisione lavora con diversi registi, tra i quali: Pupi Avati, Gianluca Maria Tavarelli, Michele Placido, Lodovico Gasparini, Gianfranco Albano.

Renato Chiocca è regista e sceneggiatore, lavora per il cinema, il teatro e la televisione. Ha diretto, tra gli altri, Processo per stupro (2018) una produzione Teatro Eliseo dal documentario di Maria Grazia Belmonti, Anna Carini, Rony Daopoulo, Paola De Martiis, Annabella Miscuglio e Loredana Rotondo, con Clara Galante, Enzo Provenzano, Tullio Sorrentino, Francesco Lande e Simona Muzzi, di cui ha curato anche l’adattamento teatrale pubblicato in Atti d’accusa. Testi teatrali e interviste sulla rappresentazione della violenza contro le donne (Aracne Editrice, 2021).

Stefano Switala è un musicista e compositore di colonne sonore per cinema TV e teatro con una formazione e percorso artistico di respiro internazionale. Negli anni ha composto assiduamente musiche originali per decine di film e documentari collaborando con alcune delle più importanti produzioni italiane. Tra i suoi lavori per il cinema: “Toilet”, “Otzi e il mistero del tempo” vincitore del Giffoni film festival, “Sconnessi”, “Ti sposo ma non troppo” commedia romantica con record d’ascolti TV, il film d’animazione “Winx: Il mistero degli abissi” distribuito in oltre 190 paesi. Ha inoltre composto decine di sigle per programmi Rai (Europei di calcio 2008, Linea Verde, La vita in diretta), spot istituzionali/ministeriali e campagne pubblicitarie nazionali e internazionali. www.stefanoswitala.com

Massimo Palumbo architetto, artista. Interessato alle dinamiche incontro-scontro tradizione e innovazione, da attenzione alla partecipazione, alla progettazione di nuove ipotesi di sviluppo per tutelare la diversità delle comunità locali. Nel 2012 è vincitore con “Hangar 3.0” del Concorso Nazionale di idee per la riqualificazione di Piazza del Popolo a Latina. È presente con “Vivi. Opere di Massimo Palumbo”, mostra a cura di Cristina Costanzo. Del 2016 “Un unico viaggio. Massimo Palumbo_Arte e Architettura (1970-2015)” a cura di Teresa Lucia Cicciarella a Barcellona presso il Reial Cercle Artistic. Nel 2017 NIHIL_NADA opere di Massimo Palumbo a cura di Joan Abellò Juanpere presso il Circulo de Bellas Artes a Madrid. Del 2019 “Autoritratto” a cura di Maria Arcidiacono ed Elena Donati progetto Macroasilo MACRO Roma. Nei primi di ottobre del 2020, la Giuria dell’IN/ARCH l’Istituto Nazionale d’Architettura, all’unanimità attribuisce il Premio BRUNO ZEVI 2020 per la Comunicazione Architettonica al: MAACK, Museo all’Aperto d’Arte Contemporanea Kalenarte.

CARTELLA STAMPA E FOTO: https://drive.google.com/drive/folders/1SGU5DD65CcGH5WPx2sVe5S_U7B3WlYYK?usp=sharing

INFO E PRENOTAZIONI

Giardini della Filarmonica

Via Flaminia,118 – Roma

Tel. + 39 3807862654

Orario spettacolo: ore 21.30

SCHEDA TECNICA

Genere: tragicommedia

Durata: 60 minuti

Autore: Annibale Ruccello

Regia: Renato Chiocca

Attrice protagonista: Giada Prandi

Musiche originali: Stefano Switala

UFFICIO STAMPA

Rossana Tosto

redazione@rossanatostocom

+ 39 333 40444306

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LO SPETTACOLO TEATRALE

CARNE DA MACELLO

TORNA IN SCENA

CON UN ESCLUSIVO DOPPIO APPUNTAMENTO

STASERA, VENERDÌ 10, E DOMENICA 12 GIUGNO ALLE 21:00 AL

TEATRO SS. TRINITÀ DI VERONA

Regia di

Clara Caraffini

Ultime ore per prenotare inviando una mail a

caraffiniclara@gmail.com

Stasera, Venerdì 10, e domenica 12 giugno 2022, alle ore 21:00, presso il Teatro SS. Trinità di Verona (Via Santissima Trinità, 4), torna in scena per sole due serate lo spettacolo “Carne da Macello”: uno sguardo su dinamiche decisionali che, troppo spesso, dipendono da terzi.

“Carne da Macello” nasce dalla penna di Clara Caraffini e Isacco Tognon, i quali hanno deciso di narrare, con colori leggeri e vivaci, il turbinoso, labirintico e a volte scoraggiante mestiere del teatrante medio, senza privarsi di qualche retroscena dal sapore più amaro.

In questa pièce, la realtà teatrale diventa emblema di dedizione e impegno, inoltre, chi guarda avrà modo di vedere come la vita dell’attore con tutte le sue ambizioni, possa talvolta, nonostante i sacrifici, diventare oggetto di castrazione e frustrazione a causa di scelte dettate da terzi.

Lo spettacolo non mostrerà solo la vita dei protagonisti ma, quadro per quadro, avvicinerà lo spettatore alla realtà più intima dei personaggi, i quali si ritrovano ad affrontare avversità analoghe a quelle di chi teatrante non è.

Da attori hanno deciso di usare il teatro come sfondo, consapevoli del fatto che, la realtà del provino, non sia distante da quella di un qualunque altro colloquio di stampo meno artistico.

Dai teatranti ai camerieri, dai ballerini ai centralinisti, passando per impiegati, insegnanti, consulenti, rappresentanti, baristi e tutti coloro che al mattino si svegliano per tenere alto l’onore delle proprie ambizioni.

“Carne da Macello doveva essere il mio esordio da regista ma, negli anni, si è rivelato un progetto permanente in grado di coesistere anche insieme ad altri lavori registici e attoriali dimostrandosi, a livello di tematiche, sempre attuale e inclusivo.” – racconta la regista – “Il progetto nel 2016 voleva essere una prima pietra posata nel campo della produzione teatrale; oggi, dopo varie date e un tour in tutto il Paese realizzato prima della pandemia, è diventato, per noi del cast e per gli spettatori, un amico fedele che periodicamente torniamo volentieri a trovare.”

Tutti in fermento.

Tutti in attesa.

Tutti in coda.

Tutti chiamati al giudizio di un qualsivoglia Macellaio.

Con:

Clara Caraffini

Carlotta Francescon

Nicolò Bruno

Milena Lonardoni

Marina Fresolone

Regia di Clara Caraffini

Prenotazioni

caraffiniclara@gmail.com
Whatsapp 340 6141101

Prenotazione obbligatoria

Evento Facebook: https://fb.me/e/3txqW3wd5

BIOGRAFIA

Clara Caraffini, classe 1989, è una regista, attrice, modella veronese e ha frequentato il DAMS di Padova. Si è formata tra Verona, Padova, Venezia, Belgio e Lussemburgo studiando con: Andrea Pennacchi, Karina Arutyunyan, Vladimir Granov, Nicoletta Robello, Andrea de Manincor, Gloriana Ferlini.

Ha collaborato con Alejandro Jodorowski, Eugenio Barba, Pierpaolo Capovilla. Lavora come attrice in diverse produzioni cinematografiche e teatrali, videoclip musicali, web series. Oltre ai lavori attoriali e di regia ricopre anche il ruolo di assistente regia, produzione e organizzazione eventi.

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CARNE DA MACELLO

TORNA LO SPETTACOLO TEATRALE

CON UN ESCLUSIVO DOPPIO APPUNTAMENTO

IL 10 E IL 12 GIUGNO ALLE 21:00 AL

TEATRO SS. TRINITÀ DI VERONA

Regia di

Clara Caraffini

Venerdì 10 e domenica 12 giugno 2022, alle ore 21:00, presso il Teatro SS. Trinità di Verona (Via Santissima Trinità, 4), torna in scena per sole due serate lo spettacolo “Carne da Macello”: uno sguardo su dinamiche decisionali che, troppo spesso, dipendono da terzi.

“Carne da Macello” nasce dalla penna di Clara Caraffini e Isacco Tognon, i quali hanno deciso di narrare, con colori leggeri e vivaci, il turbinoso, labirintico e a volte scoraggiante mestiere del teatrante medio, senza privarsi di qualche retroscena dal sapore più amaro.

In questa pièce, la realtà teatrale diventa emblema di dedizione e impegno, inoltre, chi guarda avrà modo di vedere come la vita dell’attore con tutte le sue ambizioni, possa talvolta, nonostante i sacrifici, diventare oggetto di castrazione e frustrazione a causa di scelte dettate da terzi.

Lo spettacolo non mostrerà solo la vita dei protagonisti ma, quadro per quadro, avvicinerà lo spettatore alla realtà più intima dei personaggi, i quali si ritrovano ad affrontare avversità analoghe a quelle di chi teatrante non è.

Da attori hanno deciso di usare il teatro come sfondo, consapevoli del fatto che, la realtà del provino, non sia distante da quella di un qualunque altro colloquio di stampo meno artistico.

Dai teatranti ai camerieri, dai ballerini ai centralinisti, passando per impiegati, insegnanti, consulenti, rappresentanti, baristi e tutti coloro che al mattino si svegliano per tenere alto l’onore delle proprie ambizioni.

“Carne da Macello doveva essere il mio esordio da regista ma, negli anni, si è rivelato un progetto permanente in grado di coesistere anche insieme ad altri lavori registici e attoriali dimostrandosi, a livello di tematiche, sempre attuale e inclusivo.” – racconta la regista – “Il progetto nel 2016 voleva essere una prima pietra posata nel campo della produzione teatrale; oggi, dopo varie date e un tour in tutto il Paese realizzato prima della pandemia, è diventato, per noi del cast e per gli spettatori, un amico fedele che periodicamente torniamo volentieri a trovare.”

Tutti in fermento.

Tutti in attesa.

Tutti in coda.

Tutti chiamati al giudizio di un qualsivoglia Macellaio.

Trailer dello spettacolo

Con:

Clara Caraffini
Carlotta Francescon
Nicolò Bruno
Milena Lonardoni
Marina Fresolone

Regia di Clara Caraffini

Prenotazioni
caraffiniclara@gmail.com
Whatsapp 340 6141101
Prenotazione obbligatoria

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Tratto dalla favola dei fratelli Grimm per eccellenza “Cenerentola, l’incanto di una notte” sarà in scena al Teatro Ghione, di via delle Fornaci, i prossimi 28 e 29 maggio, scritto da Chiara Alivernini con la regia di Giuseppe Brancato, assistente alla regia Fabrizia Sorrentino.

Uno spettacolo che mette d’accordo grandi e piccini, adatto alla famiglia, ma anche a chi ha bisogno di sognare e di tornare bambino almeno per una serata, in totale spensieratezza.

Sul palco ad interpretare la Matrigna l’attrice romana Jessica Ferro, nel ruolo di Cenerentola troviamo Elisa Forte, mentre Cristiano D’Alterio è il bel Principe.

Un cast di tutto rispetto che vede la partecipazione di Giorgia Paolini (Anastasia la sorrelastra), Serena Olmi (Genoveffa la sorellastra), Armando Puccio (il Re), Angela Pascucci (la Regina), Chiara Alivernini (la Madrina), Simone Fabiani (l’Araldo), Roberto Pesaresi (il Sarto), Francesco Sciascia (lo Chef). A fare da corollario Elisabetta Settimi, Samuel Di Clemente e Flavia Cattivelli e alcuni degli allievi della scuola di recitazione “Gli Incompleti”.

Un mix di amore, magia e famiglia che rotea intorno ad un unico obiettivo: la realizzazione di un sogno.

Cenerentola che perde la scarpetta, una storia d’amore, una perfida matrigna, due odiose sorellastre, una coppia di simpatici sovrani, questa è la fiaba che tutti noi nella vita almeno una volta abbiamo visto al cinema, in televisione o ci è stata raccontata…

Gli spettacolari abiti di scena sia di Cenerentola  (Elisa Forte) che della Matrigna (Jessica Ferro), sono stati realizzati a mano dalla costumista Silvia Masci, in collaborazione con Chiara Bocci. Si ringrazia la costumeria Costumepoche Srl e Bliz Costumi Roma.

Un’organizzazione capillare, un meccanismo perfetto, che strizza l’occhio alla sostenibilità ambientale e al riuso anche nelle scenografie, che vedono la collaborazione dello scenografo Marco Papalia e dall’architetto Pierpaolo Giannuzzi con “Eventi di Cartone”, per i materiali utilizzati.

Sponsor dello spettacolo Venturini Ceramiche.

Allo spettacolo teatrale sono abbinati una serie di eventi collaterali su Roma, dedicati ai bambini, con la presenza di Cenerentola (Elisa Forte) e della Matrigna (Jessica Ferro), nei quali sarà organizzata una caccia al tesoro con un hashtag ad hoc #trovalascarpetta e non solo.

I primi due eventi si sono già svolti il 15 Maggio alla Scuola Nitti di Via Francesco Saverio Nitti e al Castello di Lunghezza al “Fantastico mondo del Fantastico”.

Gli eventi successivi, invece, saranno nelle seguenti date:

22 Maggio  dalle 11.00 alle 16.00 al Museo Explora di Via Flaminia 82

22 Maggio dalle 17.30 alle 19.30 all’Acquario Romano Ordine Architetti a Piazza Manfredo Fanti 47

24 Maggio dalle 15.00 alle 16.30 alla  Scuola FATE TURCHINE Via Fornaci di Tor di Quinto 10

Per tutte le informazioni sugli eventi contattare il 3932812983.

E tu cosa aspetti a trovare la tua scarpetta?

Questo il trailer ufficiale dello spettacolo: https://youtu.be/0ub6rnjioz0

Cenerentola, l’incanto di una notte

Teatro Ghione – Via delle Fornaci 37 Roma tel. 06-6372294

Sabato 28 maggio alle ore 20.00

Domenica 29 maggio alle ore 17.00

Biglietti online: https://www.ticketone.it/eventseries/cenerentola-lincanto-di-una-notte-3128694/

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Al Teatro Manzoni di Roma arriva “Un matrimonio all’italiana” con Roberto D’Alessandro, Federica Cifola, Enzo Casertano, Maria Cristina Gionta, Giorgio Sales

Dal 19 maggio al 12 giugno via Monte Zebio Roma

Al Teatro Manzoni va in scena l’ultimo spettacolo previsto in cartellone per questa stagione, ovvero  “Un matrimonio all’Italiana”, scritto da Roberto D’Alessandro per la regia di Silvio Giordani  con lo stesso Roberto D’Alessandro, Federica Cifola, Enzo Casertano, Maria Cristina Gionta, Giorgio Sales., dal 19 maggio al 12 giugno. I vecchi adagi popolari possono avere ancora un valore in questo mondo così multietnico e globalizzato? I protagonisti dello spettacolo rispecchiano un po’ il detto “mogli e buoi dei paesi tuoi”. Una tipica commedia all’italiana, divertente , spensierata, nella quale si affrontano  comunque temi complessi appartenenti  all’epoca che stiamo vivendo.

La trama: Improvvisamente, Durante, uomo di mezza età, vedovo e particolarmente parsimonioso decide di risposarsi per procura con una giovane polacca, gettando lo scompiglio nella propria famiglia. La sorella Mena, il figlio Geppino e Ciro, fratello della compianta vedova, vivono infatti con lui sotto lo stesso tetto, in equilibrio precario e totalmente dipendenti dal denaro del capofamiglia. La presenza della “nuova” mogliettina metterà a dura prova la stabilità della famiglia tra colpi di scena e situazioni comiche travolgenti.

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Il malato immaginario (Le Malade imaginaire), è una comédie- ballet in 3 atti del drammaturgo francese Molière (nel XVII secolo, in Francia, il termine “immaginario” significava pazzo).
La pièce venne rappresentata per la prima volta al Palais Royal il 10 febbraio 1673 dalla Troupe du Roy, con le musiche di Marc-Antoine Charpentier e le coreografie di Pierre Beauchamp.
Il 17 febbraio del 1673 Molière, che interpretava Argante, portò a termine la rappresentazione di questa commedia nonostante il suo grave stato di salute, morendo infine poche ore dopo.

L’opera è quasi un’autobiografia del drammaturgo. Intesa dal suo autore come una farsa, è inframmezzata da intermezzi musicali e balletti, inseriti all’unico scopo di compiacere i gusti del Re Luigi XIV, lasciando però intatta la struttura dell’opera.
La pièce ha come oggetto della propria satira sia la mania ipocondriaca del malato che l’imperizia dei medici che cercano di prendersene cura. Si alternano in molte scene figure caricaturali di medici dai nomi e dagli atteggiamenti ridicoli: dal dottor Purgone al farmacista Olezzanti, dal dottor Diarroicus (il prefisso greco dia, usato ancora oggi nella medicina moderna, ricorda diarrehée, termine usato in campo medico sin dal secolo XIV),, a suo figlio Tommaso.
Ognuna di queste figure è riconducibile ad un modello di medico che Molière dipinse come egoista, ipocrita, avaro e formale.
Il figlio del dottor Diarroicus, ad esempio, entra in scena nel secondo atto e viene presentato come ‘un giuggiolone che ha appena terminato gli studi e che fa ogni cosa senza grazia e nel momento sbagliato’

Tommaso impara a memoria il discorso di presentazione alla famiglia di Argante e se interrotto non è più in grado di proseguire logicamente.
Il padre, nella medesima scena, presenta questo limite intellettuale del figlio come un vanto dell’educazione che gli ha fornito (Molière, così facendo, polemizza anche sulla formazione culturale della classe medica).
Sia il dottor Diarroicus che il dottor Purgone (così come il farmacista) ostentano quasi sempre le conoscenze delle lingue antiche, con discorsi inutili e pomposi.
Giunti verso la fine della commedia, dunque, il personaggio di Beraldo sconfessa completamente la medicina definendola ‘una della più grandi follie dell’umanità’ e crede addirittura ‘ridicolo un uomo che pretende di guarirne un altro’.
Secondo il drammaturgo Sandro Bajini, Il discorso di Beraldo è una critica razionalistica circa lo scarso livello scientifico della medicina di quel tempo e pone l’attenzione della satira più che sul medico in particolare, sull’uomo vinto dalle illusioni.
Scritta nell’ultimo anno di vita di Molière, la commedia è intrisa di realismo. Lo stesso protagonista, che si presenta come un classico personaggio farsesco, pronuncia a tratti affermazioni lucide e ragionevoli, mostrando un cinismo e una disillusione che tradiscono le amare riflessioni dello stesso autore che approfitta delle occasioni comiche offerte dalla trama per introdurre in modo inaspettato un’aspra denuncia della società del suo tempo.

Questa eccezionale commedia è giunta allo Sperimentale di Pesaro il 3 maggio (repliche 4-5-6-7-e 8)
Prodotta da La Contrada – Teatro Stabile di Trieste in collaborazione con Teatro Quirino – Vittorio Gassman, è diretta da Guglielmo Ferro con i costumi in stile di Santuzza Calì, la scenografia lignea a tre piani disegnata da Fabiana Di Marco, con le musiche di Massimiliano Pace. E’ realizzata in due atti (durata 110 ‘).

Lo spettacolo -che ha visto in scena un folto gruppo di attori, tutti credibili nelle loro parti: Lisa Galantini, Antonella Piccolo, Sergio Basile, Cristiano Dessì, Pietro Casella, Maria Chiara Dimitri, Cecilia D’Amico, Rosario Coppolino – è piaciuto molto al pubblico che ha trascorso due ore privo di problemi ed ansie: non è poco.

Seduto su una sedia a rotelle su cui tintillano ampolle per i dosaggi medicinali e strumenti medicali, con una cuffia merlettata in testa, una vestaglia bianca sempre addosso, calzamaglia morbida e piedi perennemente in ciabatte, contornato da uno stuolo di medici, Solfrizzi nel ruolo del protagonista interpreta con ironia ed intelligenza la paura e la solitudine del nostro tempo, somatizzazioni di conflitti personali per i quali, purtroppo, non esiste alcuna pillola miracolosa.

Lo spettacolo è andato in scena in molti teatri:
al Manzoni di Monza dal 29 al 31 gennaio 2021, all’ Orazio Bobbio di Trieste dal 19 al 24 febbraio, al Nuovo Gian Carlo Menotti di Spoleto il 28 novembre,
al Circus Visioni di Pescara dal 29 al 30 novembre; relativamente all’anno in corso è stato presentato al Quirino di Roma dal 21 al gennaio, al Verdi di Gorizia dal 12 al 13 gennaio, al Duse di Bologna dal 14 al 16 gennaio, all’Astoria di Lerici il 19 gennaio, al Comunale di Pietrasanta l 1° febbraio, al Moderno di Grosseto il 4 febbraio, al Petrarca di Arezzo dal 5 al 6 febbraio, all’Alfieri di Torino dal 10 al 13 febbraio, al Comunale Francesco Cilea di Reggio il 3 marzo, al Vittorio Emanuele di Messina dal 5 al 6 marzo, al Politeama Greco di Lecce l’8 marzo, al Piccinni di Bari dal 10 al 13 marzo, al Curci di Barletta dal 18 al 20 marzo, al Rossini di Civitanova Marche il 30 marzo, Ai 4 Mori di Livorno il 21 aprile.

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Andrà in scena i prossimi 13 e 14 maggio al Teatro Bottega degli Artisti di Via degli Scipioni il monologo “Non chiamarmi Joan Crawford” di Antonio Mocciola, regia di Francesca Bruni, che vedrà sul palco l’attrice romana Jessica Ferro.

Un atto unico che vuole essere un tributo ad una delle grandi interpreti del cinema statunitense dal cinema muto degli  anni ‘20 fino agli anni ’40, la sera della sua proclamazione a vincitrice dell’Oscar come miglior attrice protagonista.

Siamo nel 1946, Joan è candidata agli Oscar per il film “Mildred Pierce” (Il romanzo di Mildred), ma ha il terrore di non riuscire a portare a casa l’anelata statuetta.

Le nominations vedono,  al suo fianco,  attrici del calibro di Greer Garson (già vincitrice dell’Oscar nel 1943 per La signora Miniver) e l’attrice rivelazione Ingrid Bergman (vincitrice l’anno precedente  con il film “Angoscia”).

L’attrice decide quindi di fingersi malata e non andare alla cerimonia.

Ma le aspettative sono tante, l’attesa è snervante, la tensione è palpitante. Joan rimane incollata alla radio,  seguendo la cerimonia in un crescendo di emozioni contrastanti, finchè non sentirà fare il suo nome con la fatidica frase… and the Oscar goes to.

Urla  di gioia rompono la tensione del momento, immediatamente chiama a raccolta parrucchiere e truccatore per le foto di rito che la immortalano, in camicia da notte, sul suo letto,  con la statuetta tra le braccia e un sorriso radioso.

Come dichiara Francesca Bruni nelle sue note di regia: “Joan Crawford: la diva per eccellenza, la donna imperfetta che ha reso perfette le sue imperfezioni agli occhi del pubblico di tutto il mondo. Con le sue spalle larghe, la sua bocca da squalo e quelle sue sopracciglia enormi. Una donna amata, odiata, criticata e acclamata allo stesso tempo. Ma chi era davvero Joan Crawford? Cosa si celava veramente dietro quella maschera di perfezione? Una vera e propria illusione. Ed è proprio questa illusione che grazie al meraviglioso testo di Antonio Mocciola ho voluto rappresentare. Una donna nuda, spoglia della sua divinità che confessa le sue debolezze al di là dello specchio, parlando al pubblico seduto in sala e a sua figlia Christina, rappresentata da una bambola di porcellana, l’unica vera presenza inanimata in uno spettacolo fatto di non presenze, ma di personalità che hanno segnato per sempre la vita di questa donna ferita che si è fatta da sé.

Uno spettacolo forte che affronta con estrema semplicità verità difficili da digerire e che punta a lasciare lo spettatore spiazzato, in bilico tra un sentimento di pena e odio, di ammirazione e di leggerezza. Uno spettacolo in cui purtroppo e per fortuna ci riconosceremo in molti.”

L’abito di scena di Jessica Ferro è realizzato dal costumista Gregorio Maria Mattei, con materiali di scarto tessile e di riuso forniti da Esperienze Italia, Make Up Artist Valentina Mori.

Non chiamarmi Joan Crawford

Teatro Bottega degli Artisti – Via degli Scipioni 163/a

13 e 14 maggio alle ore 21.30

Prezzo Euro 18 (comprensivo di una consumazione e della tessera associativa)

Per info e prenotazioni: 3932812983

Photo Credits: Matteo Nardone

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Arriva a Roma in anteprima mondiale il musical ” Messiah”, la vita di Gesù dalla nascita all’ascensione con il 7hills Gospel Choir

6- 7 maggio 2022 Teatro Ghione Roma

La vita di Gesù dalla nascita all’ascensione è al centro del musical “Messiah”, che arriva per la prima volta a Roma in anteprima il 6 e 7 maggio presso il Teatro Ghione. Una storia nella storia. L’autore dell’opera, Tore W. Aas, è il direttore dell’ Oslo Gospel Choir, che ha scritto canzoni per decenni per il suo coro, conosciuto e acclamato in tutta Europa. Tore ha sempre avuto l’ambizione di comporre un musical per l’Oslo Gospel Choir e il suo progetto è diventato realtà con la messa in scena di una bellissima opera. L’arrivo in Italia di questo spettacolo avviene a seguito di un importante incontro tra il bravissimo autore e il coro romano 7hills Gospel Choir, creato e diretto dal M^ Gianluca Buratti. Da questo incontro è nata la voglia e l’esigenza di far approdare anche nel nostro paese il suo musical “Messiah”. E’ stato amore a prima vista: “Non pensavo che anche in Italia ci fossero dei cori così bravi e preparati!” ha dichiarato l’autore. Ed ecco, quindi, che il 6 e 7 maggio al Teatro Ghione la storia di Gesù sarà raccontata con più di 20 nuove canzoni su diversi momenti della vita, le persone che hanno assistito alle sue opere, il suo messaggio e le sue parabole. I brani, tutti in chiave moderna, coinvolgono da subito lo spettatore con ritmi vivaci e melodie accattivanti, mettendo nel giusto risalto l’azione scenica ed esaltandone il pathos e il significato. Il musical è stato rappresentato la prima volta lo scorso 25 marzo a Drachten, nei Paesi Bassi, e ha riscosso notevole successo.

Grande soddisfazione per i 7 Hills Gospel Choir, il coro diretto dal M^ Gianluca Buratti, con l’accompagnamento della 7 Hills Gospel Band, nato ufficialmente nel 2010 dopo una fase preparatoria durata 3 anni e che ha ormai al suo attivo decine di concerti ed esibizioni e un cd.

Uno spettacolo unico, assolutamente da non perdere.

Info e prenotazioni: Teatro Ghione Via delle Fornaci, 37, 00165 Roma RM

Telefono: 06 637 2294

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Andrà in scena i prossimi 6, 7 e 8 maggio al Teatro di Documenti di Testaccio la pièce teatrale “Love and Money” di Dennis Kelly, con la regia di Saverio Giuseppe Paoletta, nella sua triplice veste di regista, produttore ed attore, e la produzione di Associazione Universarte.

Nove gli interpreti totali,  che si alterneranno sul palco con i due protagonisti Valentina Carrino (Jess) e Saverio Giuseppe Paoletta (David):  Daniela Bianchi (Madre); Barbara Gobbi (Dottoressa); Silvia Grassi (Val); Mario Ive (Padre); Alessandro Massacci (Paul); Roberto Pesaresi (Duncan); Alessia Sala (Debbie).

In una scenografia minimale si susseguiranno sul palco sette scene differenti, come veri e propri atti, nelle quali gli attori si alterneranno sul palco per raccontare la vita di una coppia sposata che viene irrimediabilmente sconvolta dalla crisi economica.

David e Jess dovranno fare i conti con la crisi che si abbatte sulla loro famiglia e con i debiti contratti da Jess per le sue spese compulsive. L’incapacità di affrontare l’insicurezza economica derivante dalla concatenatura degli eventi, porterà la donna a togliersi la vita, che vedrà come unica, tragica, via di uscita. David, dal canto suo, convivrà con i sensi di colpa per non essere riuscito ad evitare il triste epilogo ed in qualche maniera averlo, addirittura, favorito.

Il quadro di una umanità incapace di vivere al di fuori di modelli consumistici alienanti e completato dai genitori della moglie, dalla cinica e repressa capoufficio del marito e dal suo servile aiutante, da una giovane aspirante attrice pronta a tutto e da un impresario teatrale dalla vita desolata e disperata. Si delinea così la rappresentazione inequivocabile del vuoto di umanità e di amore in cui la crisi economica e, ancora di più, un modello culturale e materiale disumanizzante, hanno gettato le nostre esistenze.

Come si legge dalle note di regia di Saverio Giuseppe Paoletta: “Il testo si presenta senza una reale ambientazione comune, e l’effetto di spaesamento e accresciuto da una alterazione dell’ordine temporale: la prima scena è in realtà l’ultima nella successione logica degli eventi, e ad essa seguono eventi non in ordine causale. Inoltre, alcuni personaggi non hanno alcuna apparente connessione con i protagonisti della storia, ossia con la coppia David e Jess.

L’opera si presenta quindi come un affresco sociale frastagliato, un insieme di scene di per se concluse, ma dal fragile collegamento: si chiede la partecipazione creativa degli spettatori, la loro azione di ricostruzione di una narrazione volutamente de-costruita.

E, in ultima analisi, si chiede l’immedesimazione degli spettatori nella situazione, nella condizione di frantumazione dell’io propria della contemporanea società consumistica.

Tale identificazione sarà favorita da una messa in scena immersiva, con il pubblico che circonda a stretto contatto gli attori, e dunque con la mancanza della distanza che il palco crea con platea.”

I diritti dell’opera LOVE AND MONEY di Dennis Kelly sono concessi da Casarotto Ramsay & Associates, Londra,  in collaborazione con Zachar International, Milano –  Traduttore in Italiano: Gian Maria Cervo

Love and Money

Teatro di Documenti Via Nicola Zabaglia 42

Venerdì 6 e Sabato 7 Maggio, ore 20:45 – Domenica 8 Maggio ore 17:30

Info e biglietti: tel. 06 455 485 78 – 328.8475891 teatrodidocumenti@libero.it

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Elliot è un contenitore di idee e storie che riunisce attori, registi e creativi che hanno deciso di unire le loro esperienze e le loro capacità, per coltivare un progetto comune, mescolando insieme i linguaggi del teatro, del cinema, della musica, dell’illustrazione e della moda.

Il progetto “About Elizabeth” è la prima drammaturgia originale di Elliot.

“Eco” prende a pretesto la figura iconica di Elisabetta I, la sua storia, la sua politica e le molteplici leggende che la riguardano, per raccontare una storia inedita, liberamente ispirata a “Orlando”, il celebre romanzo di Virginia Woolf. Tradizione e innovazione si mescolano in scena per raccontare una storia che parla di Storia, anche se solo accarezzandola, per permetterci di parlare di presente più che di passato. Numerose le leggende sul conto di Elisabetta, una fra tutte, l’ambiguità sulla sua identità: nel corso della storia, sono in molti ad aver ipotizzato che in realtà, sotto gli abiti femminili della sovrana, si nascondesse il corpo di un uomo.

Stanca di una vita priva di pace e libertà, Elisabetta ha un dialogo con la morte che le propone un patto: una vita, in cambio della libertà. La regina accetta. In quei giorni a corte si presenta un nuovo poeta, il giovane Orlando. Immediatamente la regina legge in lui una particolare sensibilità, nonché un animo prettamente femminile. A suo avviso Orlando racchiude perfettamente tutto ciò che una sovrana dovrebbe avere: garbo, gentilezza, pazienza, sensibilità e intelletto. Elisabetta costringe Orlando a diventare se stessa: gli dona i suoi abiti e lo fa dormire nelle sue stanze. Orlando è la regina d’Inghilterra. Lo getta tra le braccia della morte, con l’intenzione di ingannarla. Ma Elisabetta non ha fatto i conti con il fatto che Orlando ormai è dentro quel ruolo più di chiunque altro, anche di lei.

26 – 27 Aprile ore 21:00 Teatro Tor Bella Monaca

4 – 5 Maggio ore 21:00 Ex Cartiera Latina

Di e con Leonardo Bianchi, Maria Campana, Gian Maria Labanchi

E con Filippo Andreetto, Annachiara Fanelli, Claudia Guidi

Drammaturgia Leonardo Bianchi e Gian Maria Labanchi

Progetto grafico Alessandro Bianchi

Ufficio Stampa Giulia Massarelli

elliotteatro@gmail.com

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CINQUE PROTAGONISTE, UN GIOCO, UN SEGRETO 

ARRIVA AL TEATRO GOLDEN DAL 27 APRILE ALL’ 8 MAGGIO 2022

LO SPETTACOLO “TABù”

CON GIULIA DI TURI, LORENZA GIACOMETTI, GIULIA MARINELLI, LORENZA SACCHETTO, NOEMI SFERLAZZA

di Alessandro Bonanni 

musiche originali di Serena Mente 

regia di Giovanni De Anna una produzione 

Cinque protagoniste, amiche di vecchia data, un gioco, un segreto. Questi alcuni degli elementi attorno al quale ruota lo spettacolo “tabù”, in scena dal 27 aprile all’8 maggio al Teatro Golden. La commedia, scritta da Alessandro Bonanni con le musiche originali di Serena Mente e prodotta da A.T.P.R., ruota attorno alle vicende di cinque amiche che si ritrovano in una ludoteca per bambini, un Taboo, il famoso gioco di società con cui giocare, e una torta nuova ogni volta ma senza nessun compleanno, nonostante siano presenti le candeline.

Lo spettacolo si articola su quattro appuntamenti, cadenzati in un arco temporale di circa un anno, tra le protagoniste: Viola, Sofia, Marilù, Alice e Ginevra. Gli incontri in questa ludoteca mettono in luce storie e persone molto diverse con cinque storie che a tratti sono intrecciate, ma che sono assolutamente indipendenti l’una dall’altra. Ci sono: Viola (Noemi Sferlazza), dipendente dai social di incontri e incapace di avere relazioni serie, Sofia (Lorenza Sacchetto), succube del fidanzato presto marito, che non parla che dell’organizzazione del suo matrimonio, Marilù (Giulia Di Turi), la ragazza semplice di origini umili, senza peli sulla lingua e a volte dura con le sue amiche,  Alice (Lorenza Giacometti), l’amica dolce, fragile, perennemente a dieta e un po’ pettegola, che fa sempre da paciere e infine Ginevra (Giulia Marinelli), tornata da uno dei suoi lunghi viaggi, quella che ha rinunciato a tutto per la scoperta di nuove culture, della natura, degli ampi spazi aperti, delle religioni.

Le relazioni tra queste cinque ragazze sono il fulcro della storia, relazioni vere e vite normali, mai toccate da particolari tragedie né da particolari successi. Cosa unisce davvero le amiche? Cosa le porta a vedersi in una ludoteca per bambini? Per chi è veramente la torta di compleanno? Il gioco Taboo è effettivamente un passatempo o diventa un pretesto per scoprire dei veri tabù?

Indirizzo 

Via Taranto, 36 – Roma 00182

telefono / whatsapp 

06.70493826

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Arriva “MAGIC” , gala internazionale di magia con artisti da tutto il mondo, e in prima mondiale “Sky Drone“, performance magiche con i droni.

Auditorium della Conciliazione 7 e 8 maggio 2022

Magia e tecnologia, un connubio che sembra essere agli antipodi ma che invece sta per trasformarsi in realtà grazie all’atteso ritorno dello show internazionale di magia formato famiglia “Magic”, che torna il 7 e 8 maggio all’Auditorium della Conciliazione, dopo l’arresto dovuto alla Pandemia. Una nuova edizione completamente rinnovata e, soprattutto, al passo con i tempi. In anteprima mondiale arriva, infatti, in Italia il numero di magia e prestigiazione “Sky Drone”, con una serie di droni in scena per unire la tradizione dell’illusionismo alle evoluzioni  Hi-Tec pronti a sbalordire la platea.

Per il settimo anno la kermesse magica, diretta da Alessio Masci con la regia di Francesca Bellucci, si prepara a condurre lo spettatore in un meraviglioso vortice di colori, suoni, prodigi, in un vero e proprio viaggio intorno al mondo grazie alla presenza di importanti professionisti della magia presenti su uno dei palchi più grandi d’Europa. Un chiaro messaggio di pace e fratellanza tra i popoli accomunati dal linguaggio universale di un’arte che affonda le sue radici nell’antichità.

Dal  trasformismo proveniente dalle Mauritius fino alle grandi illusioni delle isole di Mann, per poi passare alle magie dal  ritmo cubano e quelle misteriose proposte con un sensuale tango da Turchia e Francia. Prodotto da WonderArt Entertainment lo spettacolo si avvale di un incredibile cast, capitanato dalla comicità unica di un conduttore tutto italiano come Magico Alivernini che ospiterà via via sul palco: Bèryl Trupin, prestigiatrice dalle Mauritius con una performance di manipolazione e trasformismo, Kenris Murat e Aurelia, coppia di illusionisti/tangheri francesi, Ernesto Planas, artista cubano con una esibizione fantastica immersa tra gli ombrelli di ogni forma e colore, Saeed Fekri, fantasista iraniano con le sue fanta-gag irresistibili, Sander & Alison e le meraviglie delle grandi illusioni. Un gala da non perdere per una full immersion nel regno della magia.   7 maggio 2022 ore 21 e 8 maggio 2022 ore 15,30 e 18,30 biglietti su TicketOne. Info produzionewonderart@gmail.com e 3355851596

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1223 Ultima fermata mattatoio

La verità oltre un prodotto chiamato “carne“

Carrozzerie n.o.t. (Roma) | 22 e 23 Aprile 2022 | ore 21.00

Un progetto di Elisa Di Eusanio ed Emiliano Merlin

Elisa Di Eusanio presenta, in anteprima nazionale, 1223 Ultima fermata mattatoio progetto speciale che ibrida i linguaggi di performing arts, live music e digital art, di e con Elisa Di Eusanio e il ricercatore astrofisico e cantautore Emiliano Merlin, in arte unòrsominòre. 

Un viaggio lucido e delicato che si terrà il 22 e 23 aprile ore 21:00 a Carrozzerie n.o.t di Roma, nei segreti più oscuri dell’industria zootecnica intensiva. Un sistema che fa profitto con i corpi degli animali, senza nomi ma contrassegnati da un numero identificativo. Numeri senza identità, numeri che servono a contare i guadagni del profitto, che si ricava dal loro sfruttamento. 

1223 Ultima fermata mattatoio racconta la storia di “1223”, una matura e stanca mucca da latte, sfruttata per il suo siero, alla quale sono stati sottratti tanti figli che non dovevano avere accesso al suo nutrimento, indispensabile alla produzione di latte e prodotti lattiero caseari. La vita di “1223” si intreccia con quella di “4088”, un giovane vitellone destinato alla produzione di carne. Ospiti dello stesso allevamento, ma in capannoni diversi, vivranno un intenso amore platonico fatto di sensi e speranze per ritrovarsi poi per la prima e unica volta appiccicati insieme in un lungo viaggio che segnerà drammaticamente il loro destino o forse regalerà loro la liberazione. Accanto alla vibrazione di un puro e pulito sentimento, che solo gli animali sono in grado di possedere, sarà affrontato il tema dell’industria zootecnica che trae profitto dai corpi degli animali, rubando loro ogni diritto e identità.

Attraverso lo studio meticoloso di fonti ufficiali verranno resi noti i dati e le varie fasi che riguardano la produzione di carne nell’industria intensiva. Al centro della narrazione, il racconto delle pratiche standard di macellazione per ciascuna specie dove si mostrerà senza veli cosa accade dentro un macello di bovini, attraverso le immagini di repertorio dell’associazione Animal Equality. 

Le canzoni originali di Emiliano Merlin (unòrsominòre), astrofisico vegano e attivista, che ha composto specificatamente sul tema e i video di Josh Heisenberg contribuiranno in maniera significativa a restituire la temperatura emotiva di un viaggio necessario. Lo spettacolo, vista la crudezza di alcune immagini, è vietato ai minori di 12 anni.

Biglietto: 5 euro

Per info e prenotazioni scrivere a carrozzerienot@gmail.com. 

Maggiori informazioni sul sito: www.carrozzerienot.com/extramattatoioelisadieusanio

1223 Ultima fermata mattatoio

La verità oltre un prodotto chiamato “carne”

Carrozzerie n.o.t. (Roma) | 22 e 23 Aprile 2022

Testo e interprete Elisa Di Eusanio

Breve considerazione sul cosmo a cura di Emiliano Merlin (unòrsominòre)

Canzoni originali live  Emiliano Merlin (unòrsominòre)

Video   Josh Heisenberg

Luci  Camilla Piccioni

Elementi scenici   Azzurra Angeletti

Costumi  Angela Di Eusanio

Ufficio stampa e promozione Theatron 2.0

Foto di scena Manuela Giusto

Prodotto da Elisa Di Eusanio con Florian Metateatro 

Si ringrazia Animal Equality Italia per le immagini di repertorio

Vietato ai minori di 12 anni

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Dal 13 al 24 aprile arriva un nuovo spettacolo al teatro Golden

“AR BAR DE LA STORIA”

Uno scontro generazionale al bar tra fatti storici e storie moderne.

 Da Adamo ed Eva alla scoperta dell’America fino a Francesco Totti, tra una partita a ping pong e una a bigliardino

con Simone Montedoro, Toni Fornari, Emanuela Fresi, Claudia Campagnola.

E’ un bar periferico della Capitale a fare da sfondo alla nuova commedia in scena al Teatro Golden di Roma, dal 13 al 24 aprile, e intitolata “Ar bar della storia”. I protagonisti, Simone Montedoro, Toni Fornari, Emanuela Fresi, Claudia Campagnola, si ritrovano in uno di quei bar che per ambientazione sembra essere rimasto agli anni ’80-’90, con tanto di flipper,  tavolo da ping pong e l’amato bigliardino.

Alcuni ragazzi chattano con i loro cellulari, altri si divertono giocando a flipper, mentre una barista pigra e disillusa, interpretata da Emanuela Fresi, un affascinante “vitellone” moderno in giacca di pelle e jeans attillati, che ha il volto di Simone Montedoro, una donna cinica e smaliziata di periferia, Claudia Campagnola,  un operaio sfaticato millantatore e un po’ mitomane, Toni Fornari che firma anche la regia dello spettacolo, danno vita ad uno scontro generazionale.

Ed ecco che una giornata qualunque si trasforma con una discussione insolita che diventa il pretesto per raccontare fatti storici e aneddoti, partendo da Adamo ed Eva e passando per la Storia d’Italia, la Scoperta dell’America, fino ad arrivare alla Roma dei giorni nostri, quella del Raccordo anulare, di  un grande campione come Francesco Totti e di Suburra.

In questa Opera corale prendono corpo gli immortali versi di un grande poeta romanesco come Pascarella, mescolati a quelli moderni scritti dagli autori dello spettacolo, Toni Fornari, Andrea Maia e Vincenzo Sinopoli. Ad accompagnare le vicende dei protagonisti le straordinarie canzoni con le musiche originali di Stefano Fresi.

Indirizzo: Via Taranto, 36, 00182 Roma RM

Telefono: 06 7049 3826

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Jessica Ferro torna con la commedia brillante “Me pari Walter”, scritta e diretta da Giuditta Di Chiara, che andrà in scena, a data unica, il prossimo 20 Aprile al Teatro Petrolini di Testaccio, dopo i tre sold out registrati a marzo al Teatro Elettra.

Un atto unico che vede protagonisti gli attori Jessica Ferro, Giorgia Paolini e Cristiano Arsì.

Da questa nuova data la produzione è affidata a Resalio Produzioni, una nuova realtà nel mondo editoriale, con un’esperienza  ventennale di professionisti nel settore editoria, musica e cinema, che avrà il compito di portare il progetto teatrale in tour per l’Italia, a partire dall’estate 2022. Un nome che rimanda alla resilienza ma che, soprattutto,  vuole far avvicinare chiunque al magico mondo dell’arte investendo in opere nuove, giovani e cariche di energia.

Ma perché  “Me pari Walter”? Lo scoprirete solo ed esclusivamente vedendo lo spettacolo.

Immaginiamo di guardare una fotografia e di poter entrarci dentro,  per poter rivivere alcuni momenti. Immaginiamo di poterli anche cambiare, di poter suggerire ai personaggi le migliori battute da dire, o incassare di nuovo i colpi della vita, ma con una diversa consapevolezza.

Così il personaggio principale si ritrova a dirigere le scene della sua stessa vita:  Jessica Ferro è Sabrina che ricorda, tramite il suo alter ego, incarnato da Giorgia Paolini, le sue vicissitudini sentimentali con i personaggi maschili incontrati durante la sua vita, interpretati da Cristiano Arsì.

E’ uno spettacolo fatto di aspettative, di frasi dette e ridette, come un disco rotto, come la locandina dello spettacolo, che è già tutto un programma…

“Me pari Walter” è uno status mentale, un modo per guardare in faccia i successi e le fragilità  che ci appartengono, i sogni infranti e ricostruiti perfettamente orchestrato dalla regista Giuditta Di Chiara.

ME PARI WALTER Data unica 20 aprile 2022 ore 21.00

Teatro Petrolini Via Rubattino 5 Roma

Per info e prenotazione: Tel: 065757488

https://www.teatropetrolini.it/event/me-pari-walter-con-jessica-ferro-giorgia-paolini-e-cristiano-arsi/

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Grande riapertura del Fantastico Mondo del Fantastico!

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Chiusura  in bellezza al Teatro Comunale “Maria Caniglia di Sulmona per la 69a Edizione della Camerata Musicale con il “sold out”  dello spettacolo “Massimo Lopez e Tullio Solenghi Show”. Appuntamento a ottobre per la 70a stagione.

Nella stagione che ha segnato la ripresa delle attività dopo due anni di pandemia si conta un totale di oltre sei mila presenze di pubblico su 19 appuntamenti. Tra questi i più seguiti: il Concerto di Capodanno con la Kharkiv Symphony Orchestra diretta da Yuriy Yanko, l’annuale appuntamento con la danza il 6 gennaio che ha visto sul palco “Il Lago dei Cigni” nell’allestimento del Russian Moscow Ballet, quindi il concerto del grande pianista croato Ivo Pogorelich e infine l’incontro con Uto Ughi e Bruno Canino, registrando, anche in questa occasione, un teatro gremito di appassionati.

La stagione che ha aperto il programma a ottobre con il concerto inaugurale  dell’Orchestra della Radiotelevisione di Kiev, fino a dicembre ha avuto una media di circa 200 presenze in crescendo.  Musicisti ucraini sono stati presenti in vari appuntamenti della stagione: oltre al concerto di apertura e il tradizionale concerto di Capodanno, il Teatro Caniglia ha ospitato quest’anno i  “Kyiv Soloists”, l’Orchestra d’Archi della capitale ucraina, approdati in Italia per la tournée, il giorno stesso dell’inizio della guerra.

Da qui è nata l’iniziativa del Direttore Artistico, del Presidente e dei soci della Camerata Musicale di devolvere tutto l’incasso della serata ai Solisti di Kyiv, dedicando nel contempo all’Orchestra la sala concerti della Camerata.

Nel progetto del Direttore artistico Gaetano Di Bacco per la prossima edizione, che segna tra l’altro il 70° anno di attività della Associazione,  c’è l’obiettivo di passare dai 200 abbonamenti attuali, almeno a 300 recuperando lo standard pre-pandemia.

“Una straordinaria Stagione Concertistica iniziata in sordina post pandemia con un crescendo di pubblico fino al Sold Out con Uto Ughi e Lo spettacolo di Lopez Solenghi. Una Stagione che guarda ad un pubblico il più possibile eterogeneo o esigente o semplicemente amante dell’Arte e della ricerca di Bellezza” dichiara soddisfatto il Direttore della Camerata Musicale Gaetano di Bacco.

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 AL TEATRO MANZONI DI ROMA DAL 24 MARZO AL 17 APRILE 2022 

PATRIZIA PELLEGRINO – MILENA MICONI – MATILDE BRANDI 

in “SEXY & INDECISE” di Mauro Graiani – Regia Cinzia Berni

 Un trio fantastico e tutto al femminile per uno spettacolo che si preannuncia carico di colpi di scena ed entusiasmo. Una grande amicizia, nata negli anni ’80 e interrotta male, per le tre protagoniste della storia, Patrizia Pellegrino, Milena Miconi, Matilde Brandi, che  sul palco del Teatro Manzoni di Roma, dal 24 marzo al 17 aprile, portano in scena “Sexy & Indecise” di Mauro Graiani e per la regia di Cinzia Berni. Uno spettacolo che ruota attorno a questo legame speciale, smarrito per trenta anni a causa delle vicissitudini della vita. Pat, Milly e Fede un tempo erano grandi amiche.

Un tempo quando tutto era ancora possibile e il loro rapporto, nato sui banchi di scuola, era solido e solidale, nonostante le divergenze caratteriali. I loro sogni e le speranze hanno fatto poi i conti con la vita. Eppure il destino le ha fatte ritrovare. Pat ha visto crollare la sua carriera canora ed è piena di debiti, Milly ha perso il ristorante che mandava avanti con l’ex marito, Fede dopo un periodo come attivista in Green Peace si è ritrovata insegnante disoccupata. Le tre donne, ancora sexy e desiderabili, inseguiranno un nuovo progetto in comune nel quale si ritroveranno a confrontarsi con la giovane Aurora ( interpretata da Sofia Graiani) nipote di Pat e influencer di successo che le aiuterà a riprendere in mano la loro vita e aprire un nuovo ristorante nel quale rimettersi in gioco, tra emozioni e divertimento, all’insegna del valore più grande: l’amicizia.

Teatro Manzoni

Via Monte Zebio, 14/C, 00195 Roma RM

Tel. 06.32.23.634 – 327.89.59.298

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Arriva Max Maglione con lo show “Metà di me Tour 2022” dal 23 marzo al 3 aprile.

Al Teatro Golden un ponte tra la magia del teatro e quella della solidarietà a sostegno dell’associazione Peter Pan Odv

Il racconto in musica di uno spaccato di vita, quella che appartiene ad ognuno di noi, quella che viviamo direttamente o indirettamente, quella che ci ha travolto soprattutto in questi ultimi anni. Max Maglione torna in scena al Teatro Golden, dal 23 marzo al 3 aprile, con lo show “Metà di me Tour 2022”, un ponte tra la magia dello spettacolo e la necessità di contribuire al sostegno di una causa solidale a cui l’artista tiene molto: i progetti dell’associazione Peter Pan Odv Roma, dal 1994 al fianco dei bambini e degli adolescenti malati di cancro e delle loro famiglie, garantendo loro una casa e tutto il supporto necessario.

Un concentrato di musica, divertimento e solidarietà saranno i protagonisti delle serate che vedranno  Maglione portare sul palco, con tutta la sua energia positiva,  l’opera teatrale tratta dall’omonimo cd inciso con la straordinaria partecipazione di Fabrizio Bosso, il trombettista jazz di fama internazionale e autentico orgoglio italiano.  In “Metà di Me” Max Maglione racconta con grande leggerezza e comicità quanto stiamo vivendo oggi nel mondo della comunicazione, dei media e dei social al cospetto di argomenti che hanno preso la scena internazionale come la pandemia, il riscaldamento globale e la politica creando momenti di riflessione e condivisione.

Lo show è scritto, diretto ed interpretato da Max Maglione: insieme a lui sul palco ci saranno diversi artisti tra i quali Luigi Mas al pianoforte, Francesco Calogiuri alla batteria e Stefano Scoarughi al basso. “Partecipare a queste serate è un gesto capace di unire in un momento in cui tutto sembra volerci dividere”, racconta Max Maglione, aggiungendo “voglio ringraziare quanti stanno supportando questo importante progetto sociale a partire dal Teatro Golden, i professionisti oltre che grandi amici sul palco insieme a me, Peter Pan e tutti quelli che si stanno impegnando per dare un sorriso a bambini e famiglie meno fortunate di noi”.

TEATRO GOLDEN

VIA TARANTO 36

INFO 06 70493826

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“Fai gol con papà contro il bullismo”.

Il 19 marzo al parco zoomarine il primo torneo di calcio balilla per la festa del festa del papà con una mission solidale: fare squadra contro il bullismo.

Evento in collaborazione con lega italiana di calcio balilla e acbs associazione contro il bullismo scolastico

Fare squadra con la propria famiglia con lo scopo di riuscire a costruire una relazione positiva,  imparare a condividere, trovare il giusto equilibro e trascorrere più tempo insieme. Con questo spirito il parco marino alle porte di Roma, Zoomarine, lancia il 19 marzo,  in occasione della Festa del Papà, il primo torneo di Calcio Balilla dedicato a padri e figli: ”Fai gol con papà”, che si trasforma anche in una campagna di sensibilizzazione contro il bullismo. L’evento sportivo,  ideato in collaborazione con la Lega Italiana di Calcio Balilla, presieduta da Nicola Colacicco, ha una mission solidale: segnare tutti insieme un gol contro questo drammatico fenomeno in costante aumento.

“Lo scopo del torneo  dichiara il direttore generale Zoomarine, Alex Mata è proprio quello di unire gli sforzi comuni e regalare una giornata di puro divertimento ma anche di sana riflessione. Il nostro è un parco formato famiglia ed è nostro dovere offrire, in qualche modo, il nostro contributo in favore di cause così importanti”. Per questo motivo la prima edizione di “Fai gol con papà” si avvale del sodalizio con l’Associazione Contro il Bullismo Scolastico Odv, fondata da Vincenzo Vetere, attiva in tutta l’Italia per aiutare le vittime di bullismo e cyber bullismo. Il gioco come strumento di sensibilizzazione, perché proprio dall’interazione in campo si possono trasmettere valori come lealtà e complicità. Una gara vera e propria con tanto di schieramenti da concordare, giudici che potranno richiamare i giocatori a rispettare il ferreo regolamento, podio e premi ai vincitori. Il Calcio Balilla è uno sport dalle origine antiche, amato in tutto il mondo, che coinvolge grandi e piccini. A Zoomarine pronti a sfidarsi saranno squadre formate da papà (che avranno accesso gratuito al parco), nonni (che riceveranno in regalo un abbonamento valido per tutto l’anno) e bambini che potranno prenotarsi per disputare la partita tramite WhatsApp 3388858524.

Anche la Nazionale Italiana di Calcio Balilla, in attesa dei prossimi mondiali in Francia, previsti dal 27 giugno al 3 luglio, aderisce alla causa per sottolineare l’importanza di informare ed agire rispetto alla validità di una cultura anti bullismo, così come l’attore Simone Montedoro, per anni in tv nei panni del carabiniere Giulio Tommasi nella fiction Rai “Don Matteo“ ed oggi in teatro con lo spettacolo “L’uomo ideale” e grande appassionato di calcio, testimonial della kermesse e pronto a prestarsi nella realizzazione di un video per la campagna social con alcuni consigli estratti dal vademecum siglato Tra Zoomarine per il Sociale e l’Associazione Contro il Bullismo Scolastico Odv, tra i quali: in caso di segnalazioni in ambito scolastico contattare l’insegnante referente per le tematiche sul bullismo, presente in ogni istituto come prevede la legge 71 del 2017, prestare attenzione ai piccoli segnali ed eventuali differenze rispetto alle abitudini quotidiane dei propri figli, cercare di conoscere gli amici che hanno online, salvare eventuali prove e mantenere la calma per evitare che il proprio stato di preoccupazione possa incidere ulteriormente sullo stato d’animo della vittima.

Info www.zoomarine.it

www.acbsnoalbullismo.it 

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Andrà in scena al Teatro Petrolini di Roma, dal 23 al 27 marzo la commedia “Maldamore” di Angelo Longoni, regia di Marco Fiorini, con Daniela Benvenuti, Daniela Bianchi, Luigi Giovanrosa, Roberto Pesaresi.

Coppia in crisi? E se le coppie sono due?  E se due dei protagonisti fossero anche fratelli? Signori, inutile girarci intorno, la tragedia è servita…

La compagnia de “I Malintesi” formata da Daniela Benvenuti, Daniela Bianchi, Luigi Giovanrosa e Roberto Pesaresi, dopo il successo registrato dalla pièce teatrale all’Orto Botanico di Roma,  porta in scena una commedia  di tragicomici conflitti, a colpi di battute, risate e colpi di scena dove, almeno per vissuto o per sentito dire tutti si possono riconoscere.

La storia è quella di due coppie di amici Marco e Veronica (Roberto Pesaresi e Daniela Bianchi) e Paolo e Sandra (Luigi Giovanrosa e Daniela Benvenuti), dall’esistenza apparentemente calma e tranquilla, che viene sconvolta quando,  ad una festa,  le due donne scoprono, del tutto incidentalmente,  le infedeltà dei relativi compagni.

Tanto basta a far esplodere la crisi tra i quattro coniugi, con le relative conseguenze.

Le due coppie si dividono: Veronica va a vivere con Sandra e Paolo con Marco. Il mondo maschile e quello femminile ora sono contrapposti e si fronteggiano a distanza.

Vengono alla luce particolari inconfessabili della vita di ognuno dei protagonisti.

Una storia di amori incrociati, di tradimenti e riconciliazioni. Traditori e traditi, però, più che cinici e votati all’infedeltà si rivelano fragili e inadeguati ad affrontare e risolvere i problemi che la vita di coppia inevitabilmente pone.

Come dichiara Marco Fiorini, nelle sue note di regia: “Immaginate che due mogli (Veronica e Sandra), ascoltando per caso una conversazione, scoprano il tradimento dei rispettivi mariti (Marco e Paolo); e poi immaginate che Paolo e Veronica siano anche fratelli. Facile prevedere l’effetto devastante che la notizia possa avere sulla vita delle due coppie. Ma il cataclisma familiare rappresenta solo il punto di partenza per analizzare un complesso di frustrazioni e debolezze dei quattro personaggi brillantemente tratteggiati dalla abile penna di Angelo Longoni.

Le coppie si separano, si inseguono, cercano nuove complicità tra di loro, provano a perdonarsi in un crescendo di situazioni, talvolta anche paradossali, dove i due universi maschile e femminile si fronteggiano comicamente, fornendo molti spunti di riflessione allo spettatore. I dialoghi incisivi, accompagnati da un ritmo incalzante favorito da un susseguirsi di scene a sé stanti scandite da brani di musica classica rivisitati in chiave estremamente moderna, coinvolgono lo spettatore in questa turbinosa storia borghese che risucchia i quattro protagonisti in un vortice di ipocrisia, falsità e debolezze trattate con la arguzia e la leggerezza tipiche della bella commedia italiana.”

E chissà se qualcuno alla fine, a sipario chiuso, non penserà… “Anche a me è capitata la stessa cosa!”.

MALDAMORE

Teatro Petrolini, Via Rubattino 5, Roma

23-24-25-26 marzo ore 21.00 27 marzo 2022 ore 18.00

Euro 15.00 comprensivo di tessera associativa

Per info e prenotazioni: 06-5757488

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Al Teatro 7 Off di Roma, dal 16 al 20 marzo prossimo sarà in scena la tragicommedia “Rosencrantz & Guildenstern sono morti” di Tom Stoppard, adattamento a cura di Luca Basile, Ilario Crudetti e Marco Simeoli, con: Luca Basile e Ilario Crudetti, Lara Balbo, Alessandro Catalucci e Igor Petrotto, con la regia di Marco Simeoli  e aiuto regia di Cristiano Arsì.

Un genere che ricalca il noto teatro dell’assurdo, dove i due più famosi personaggi minori dell’Amleto shakespeariano diventano improvvisamente protagonisti.

Poco importa se anche nella rivisitazione di Tom Stoppard i due siano destinati alla stessa identica fine, senza possibilità di variare il loro infausto destino, traditi proprio dal loro stesso amico o pseudo tale Amleto (Igor Petrotto).

Da qui parte la pièce teatrale dove Rosencrantz (Luca Basile) e Guildenstern (Ilario Crudetti) girano in tondo, filosofeggiano, si interrogano sul significato della vita e della morte, cercando di comprendere il loro ruolo nella storia e poter prendere finalmente una decisione che cambi il corso degli eventi.

La dialettica tra i due è un palleggio di battute continuo e pressante, come in un campo da tennis immaginario, dove man mano che il pubblico viene trascinato nel gioco giunge a non distinguere più chi sia Rosencrantz e Guildenstern, ammesso che questo abbia ancora importanza. Del resto tutti i personaggi della trama li confondono continuamente.

Rosencrantz e Guildenstern sono due facce della stessa moneta. L’uno affronta gli eventi in maniera pragmatica e l’altro in maniera filosofica.

A far da collante tra i tre personaggi Lara Balbo (che interpreta il personaggio dell’Attrice, di Ofelia e di Gertrude) e Alessandro Catalucci (nei ruoli dell’Attore, di Re Claudio e di Polonio).

Come dichiara Marco Simeoli nelle sue note di regia: “Insicurezza, provvisorietà e solitudine: sembra quasi di rivivere i sentimenti che ci hanno accompagnato in questo 2020, un anno terribile e indefinibile, appunto, il primo forse, dopo la terribile seconda guerra mondiale.

La loro, quella di Rosencrantz & Guildenstern, una missione da portare a termine per il loro amico dei tempi addietro, una missione che nasconde un inganno che sarà ribaltato a loro sfavore dallo stesso Amleto, il loro amico: i tranelli dell’amicizia che nascondono un dolore, una sofferenza, una delusione e il dubbio per ciò che è successo dopo la morte del padre del sedicente amico dei due poveri ingannati. La voglia è quella di raccontare, anche e soprattutto con leggerezza, la vicenda travagliata di Rosencrantz & Guildenstern in modo da sublimare le loro e le nostre paure ed uscire da Teatro più rasserenati, più leggeri e forti rispetto al nostro domani, ma soprattutto uscire da Teatro perché ciò significa che finalmente ci siamo riusciti a rientrare.”

Come dichiarerà Guildenstern al termine “I nostri nomi guidati in una certa alba…un’ambasciata…un ordine…Deve esserci stato un momento, all’inizio, in cui avremmo potuto dire…di no. Ma ci è sfuggito chissà come…”.

Photo Credits: Raffaela Conti

Rosencrantz & Guildenstern sono morti

Teatro 7 Off Via Monte Senario, 81 – Roma

16-17-18-19 marzo ore 21  –  20 marzo ore 18.00

Per info e biglietti: 06-92599854

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In scena al Teatro Tor Bella Monaca dal 22 al 26 marzo 2022 “CIVICO 33 Monologhi di Donne”, tratto dall’omonimo libro di Emanuela Panatta che ne ha curato l’adattamento teatrale e la regia insieme ad Alessandra Fallucchi, uno spettacolo prodotto da Monolocale Produzioni in collaborazione con Editrice Il Torchio.

Un universo tutto al femminile dove le due protagoniste Alessandra Fallucchi ed Emanuela Panatta interpretano diversi personaggi femminili accattivanti e variopinti: l’arrabbiata, l’idealista, la crocerossina, l’alternativa, la precaria, l’innamorata, la golosa e l’arrivista.

Storie tragicomiche di donne al CIVICO 33, come se questo rappresentasse il crocevia dell’universo.

Donne in cui ognuna di noi si può riconoscere, che fanno parte del variegato universo femminile che abita non solo il CIVICO 33, ma l’universo mondo intero!

Le protagoniste si sfogano, si liberano dalle loro repressioni attraverso il linguaggio.

Tutte hanno una necessità: essere ascoltate, amate, comprese, salvate…

Attenzione! NON E’ L’UOMO IL SALVATORE!

Piccoli episodi di quotidianità legati da un quesito esistenziale comune: Se è vero che la donna è arrivata da una costola dell’uomo, perché siamo noi a doverci rompere sempre le ossa per loro?

Come è riportato nelle note di regia: “Lo spettacolo è concepito come un girotondo di storie in cui la musica non è elemento accessorio, ma protagonista insieme alle voci delle attrici. L’evocazione dei diversi personaggi è costruita attraverso un gioco scenico che svela e mai nasconde le infinite trasformazioni delle donne-attrici, proprio a voler testimoniare che l’essenza femminile non si può rinchiudere in una sola cornice ma è possibile, anzi necessario, declinarla in infiniti colori.

In scena solo elementi tipici del mondo femminile: borse, valigie, vestiti e scarpe.

Lo spazio scenico è l’ambiente in cui ognuna si sente al sicuro “quella bolla di sapone perfetta che non esplode, che resta intatta” dove chi resta fuori osserva e giudica.”

Due donne, mille donne: le attrici in scena incastrano e sovrappongono tante storie individuali in un’unica e corale voce che porta simbolicamente in sé la forza e le sofferenze di tutto l’universo femminile.

Non storie di vittime, ma storie di donne con la capacità di affrontare con ironia e coraggio le sfide del mondo e rompere il silenzio che spesso cala sulla condizione femminile nel mondo del lavoro o all’interno di molte relazioni sentimentali.

Photo Credits: Azzurra Primavera

 Civico 33 Monologhi di Donne

Teatro Tor Bella Monaca  Via Bruno Cirino – Roma

Dal 22 al 26 marzo alle ore 21.00

Per info e prenotazioni: 06/2010579 (dalle 10:30 alle 19:30)

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Al Teatro Ghione arriva “Finalmente il Varietà”, progetto solidale a scopo benefico per la ricerca scientifica sulle Pericarditi, in collaborazione con la Federazione Chorus Inside Lazio e tanti artisti 

12 marzo 2022 Teatro Ghione ore 20.30 

Un varietà del cuore, non solo perché dedicato alla ricerca scientifica sulle Pericarditi ma perché reso possibie grazie alla collaborazione di numerosi artisti che hanno risposto all’appello della Federazione Chorus Inside Lazio.

A Teatro Ghione il prossimo 12 marzo ore 20.30 arriva lo spettacolo solidale “Finalmente il Varietà”, una serata musicale condotta da Giovanna Bario e Paolo Mellucci, che si pone lo scopo di raccogliere fondi in favore della Onlus Gilp, Gruppo Italiano per la lotta alle pericarditi, realtà attiva nella ricerca scientifica di miocarditi e pericarditi, condizioni infiammatorie cardiache che presentano una serie di sintomi,  tra  cui  spesso  è  presente  la  mancanza  di  respiro,  il  battito  cardiaco  accelerato  che  può  essere irregolare (palpitazioni) e il dolore toracico. Una malattia che negli ultimi decenni ha registrato un aumento esponenziale, anche purtroppo in seguito della Pandemia, e sulal quale si sta lavorando molto anche se in Italia esistono pochissimi centri specializzati. A spiegarlo durante la serata solidale sarà

Il Professor Antonio Luca Brucato, Direttore  Responsabile  di  medicina  interna  del Fatebenefratelli  di  Milano. Nel corso dell’evento il pubblico potrà applaudire, tra gli altri, le perfomance di numerosi artisti: il violinista Leonardo Mazzarotto de “La Compagnia del Cigno”, il Maestro Roberto Nicchiotti e l’Oltre Tango, il Coro Prisma,il Coro I Fa Diesis, Note Controvento, Daniele Mei, la scuola di ballo SalsaMundi. Spazio anche alla comicità con Luciano Lembo, Magico Alivernini, che regaleranno alla platea una ondata di buonumore e tanti sorrisi del cuore.

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Arriva “L’uomo ideale” al Teatro Sette dal 9 al 27 marzo 

con Simone Montedoro, Toni Fornari, Claudia Campagnola 

e con 

Noemi Sferlazza 

di Toni Fornari, Andrea Maia, Vincenzo Sinopoli regia Toni Fornari

Nelle favole del passato le principesse avevano il loro principe azzurro. I tempi cambiano ma la ricerca de “L’uomo ideale” non è affatto cambiata. Ecco, quindi che arriva al Teatro Sette l’omonimo spettacolo con Simone Montedoro, Toni Fornari, Claudia Campagnola e con Noemi Sferlazza, che dal 9 al 27 marzo, racconterà l’amore attraverso vari punti di vista. Giada e Lollo sono soci in affari, vivono insieme in una bella casa-ufficio ed hanno creato una griffe molto apprezzata in Italia a ancora non nota all’estero. Giada non riesce a trovare la sua anima gemella o qualcuno che si avvicini alla sua idea di “uomo ideale”, mentre Lollo, omosessuale e single incallito, cerca di spiegarle che l’amore è una invenzione poetica, che in realtà non esiste davvero e che la libertà è decisamente più stimolante.

Giada non concorda e in questo è sostenuta anche dalla verace e ruspante donna delle pulizie (che ama sentirsi chiamare “colf”), che ad un certo punto la convincerà a mettere un annuncio per affittare una stanza della casa con lo scopo di selezionare possibili candidati del cuore. Ed è così che sulla scena piomba Damiano: bello, affascinante, divertente, cortese. L’uomo ideale esiste e sia Giada che Lollo perdono la testa per lui. Una commedia brillante che, tra colpi di scena, misteri e tanto divertimento, affronta il tema della solitudine dell’uomo di oggi.

Teatro Sette

Indirizzo: Via Benevento, 23, 00161 Roma RM 

Info: 06 4423 6382

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Al Teatro Golden Michela Andreozzi e Massimiliano Vado in “love Match” dal 9 al 20 marzo 2022

E se i mille volti dell’amore si confrontassero su un palco? Michela Andreozzi e Massimiliano Vado, coppia nella vita e nell’arte, provano a rispondere ai numerosi quesiti del cuore con il loro spettacolo “love Match”, in scena dal 9 al 20 marzo al Teatro Golden di Roma, con le musiche di Antonio Di Pofi e i quadri di Mauro Di Silvestre.  La bravura dei due attori riesce a dare vita ad uno spettacolo comico e romantico, prodotto da Atpr & Vincenzo Sinopoli, che alterna vari stati d’animo, portando i due protagonisti ad interrogarsi in una escalation di emozioni senza esclusione di colpi.

Che cos’è l’amore? E’ riconoscere l’altro? E’ rispettare i limiti dell’altro?

E’ una lotta disperata che si vince solo nel momento in cui ci si arrende?

E’ un fischio di ammirazione per la strada! (No, quello è catcalling.)

E’ la risposta alla solitudine. E’ la forma più alta di amicizia.

O forse è il contrario? E’ una poesia, una canzone, è un tango. E’ innamorarsi dei difetti.

E’ detestare le virtù. E’ la coppia prima della famiglia. E’affezionarsi all’abitudine.

E’ abbandonare le abitudini. E’ passione, feticismo, perversione. Una ubriacatura. E’ gelosia. E’ la cura.

E’ la strada per la felicità, e non importa se non si arriva mai.

Michela e Massimiliano interpretano le molteplici sfaccettature di una stessa umanità che si attrae, si respinge, discute, si abbraccia, si ama.

Da non perdere al Teatro Golden fino al 20 marzo.

TEATRO GOLDEN

VIA TARANTO 36

INFO 06 70493826

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Jessica Ferro presenta “Me pari Walter” che andrà in scena il prossimo 11, 12 e 13 marzo al Teatro Elettra di Via Capo D’Africa, la commedia brillante scritta e diretta da Giuditta Di Chiara.

Un atto unico che vede protagonisti gli attori Jessica Ferro, Giorgia Paolini e Cristiano Arsì.

Ma che cos’è “Me pari Walter”? Com’è strutturato lo spettacolo? Partiamo da un dato di fatto: tutti noi conosciamo le favole, ma nessuno mai sbircia dietro le quinte.

Me pari Walter inizia nel momento esatto in cui il principe cade da cavallo e la principessa ha i capelli tutti arruffati… Un ottimo inizio per una favola contemporanea!

E’ uno spettacolo fatto di aspettative, di frasi dette e ridette, come un disco rotto, come la locandina dello spettacolo, che è già tutto un programma…

Immaginiamo di guardare una fotografia e di poter entrarci dentro, per poter rivivere alcuni momenti. Immaginiamo di poterli anche cambiare, di poter suggerire ai personaggi le migliori battute da dire, o incassare di nuovo i colpi della vita, ma con una diversa consapevolezza.

Così il personaggio principale si ritrova a dirigere le scene della sua stessa vita.

“Me pari Walter” è uno status mentale, un modo per guardare in faccia i successi e le fragilità  che ci appartengono, i sogni infranti e ricostruiti. Lo spettacolo è scritto e diretto da Giuditta Di Chiara, Redattore, Autore e Regista in RAI.

Ha lavorato per molti programmi tra cui il Festival di Sanremo, Linea Blu, Sfide e Mi Manda Rai Tre, solo per citarne alcuni. Sin da piccola Giuditta Di Chiara inventava storie, batteva il ciack e partiva il film. Da allora vive di racconti, divisa tra teatro, telecamere e montaggio video.

Come la stessa dice: “Continuo, nel tempo, a fare regie teatrali contaminando spesso i testi con incursioni filmiche, delle quali amo il ritmo e l’immediatezza, soprattutto quando si uniscono ai profumi e agli scricchiolii del palcoscenico”.

“Me pari Walter”

Teatro Elettra, Via Capo D’Africa  32 (Colosseo)

11 marzo ore 21 –  12 marzo ore 21 – 13 marzo ore 18

Per info e prenotazioni: 3932812983

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Al Teatro Manzoni di Roma arriva lo spettacolo “La mano del destino”

con Caterina Vertova e Pietro Longhi

FINO AL 20 MARZO 2022

Appuntamento con l’amore al Teatro Manzoni di Roma. Lo storico spazio culturale, situato in via Monte Zebio, si prepara ad ospitare un nuovo ed emozionante spettacolo: “La mano del destino”, di Alain Teuliè per la regia di Marco Carniti, prodotto dal Centro Teatrale Artigiano. Sulla scena fino al 20 marzo, i bravissimi Caterina Vertova e Pietro Longhi, anche direttore artistico del teatro, sono pronti a dare vita ad un thriller psicologico alla Hitchcock. La trama ruota attorno ad un grande amore che ritorna a far palpitare i cuori dopo molti anni. Una storia d’amore estrema che prende strade inaspettate e pericolose . Distruggere per ricostruire.  Nei rapporti d’amore  ci sono zone oscure che possono cambiare  il percorso di una vita e al loro riapparire posso generare il caos,  lo stesso che può far nascere  una nuova strada. Una partita a due  giocata da una donna che torna dopo 30 anni per ricomporre una vita andata in frantumi  con il suo ex partner . Come regista di  una sceneggiatura da film tesse una tela che  inchioda il suo amante e azzera tutto per ricostruire un nuovo futuro .

Un gioco di scambio di ruoli  che insegna a guardare  noi stessi negli occhi degli altri .

Lo spazio astratto dove si muovono gli attori si ispira a un’opera dell’artista Renata Rampazzi.  Uno spazio/cuore che avvolge i due amanti in un atmosfera inquietante e rarefatta creando un velo  tra passato dal futuro. E proprio come la brace sotto la cenere può far divampare nuovamente le fiamme, così Lea e Paul finiscono per farsi travolgere e coinvolgere in modo imprevedibile. Ne esce fuori un thriller che lascia lo spettatore con il  fiato sospeso e farà tremare le poltrone .

TEATRO MANZONI

Via Monte Zebio, 14/C – Roma  Botteghino:Tel. 06.32.23.634 – 327.89.59.298

Email :cooperteatro85@libero.it  www.teatromanzoni.info

Orario serale ore 21, domenica pomeridiana

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Un capolavoro di teatro al femminile, diventato una vera e propria saga teatrale di successo. Al Teatro Golden arriva “Stremate: Ultimo atto?” con Milena Miconi, Beatrice Fazi, Giulia Ricciardi, Marta Zoffoli, con tanto di premio speciale per celebrare le donne in prima linea ogni giorno. 

Dal 23 febbraio al 6 marzo 2022 Teatro Golden

Un graditissimo ritorno per quello che può definirsi un vero e proprio fenomeno di “teatro seriale”.  Arriva, dal 23 febbraio al 6 marzo sul palco del Teatro Golden,  il nuovo  spettacolo tragicomico “Stremate: Ultimo atto?”, scritto da Giulia Ricciardi e diretto da Patrizio Cigliano, presentato da La Pirandelliana con la compagnia ArcadiNoè. Quinta parte della fortunatissima Saga Teatrale delle “Stremate” (Parzialmente Stremate, Stremate dalla Luna, Le Bisbetiche Stremate, Tre Stremate e un maggiordomo, Stremate: Ultimo Atto), cinque spettacoli campioni di incasso nelle stagioni romane dal 2015 al 2019, replicati in un inedito “tour romano” che ne ha confermato il successo – a suon di doppie, triple e sold out. Un capolavoro di teatro al femminile, nel quale si narrano le vite paradossali delle protagoniste. Il complicato mondo della donne, con il loro coraggio, le verità, le fragilità, ma anche la forza, il divertimento che le caratterizza in ogni sfumatura. Nei precedenti “capitoli” della saga, si affrontano le caratteristiche di tre over quarantenni sull’orlo di una crisi di nervi, soprattutto per colpa degli uomini; ma anche della vita adulta, che in qualche maniera, non le ha soddisfatte del tutto, mentre in questo ultimo atto ci sono ben quattro fantastiche donne, Milena Miconi, Beatrice Fazi, Giulia Ricciardi, Marta Zoffoli, con il volto segnato dalle pieghe del tempo. Le iniziali tre giovani protagoniste sono ormai anziane e vivono in una casa di riposo. Sempre amiche per la pelle, ma sole e piene di acciacchi e vuoti di memoria.  Il potere del loro sorriso nasconde in realtà una parabola discendente della vita, il bilancio di un’esistenza che volge al termine. Tuttavia, anche in questa modalità “anziana” non hanno perso la loro verve battagliera, grottesca, esilarante. E questa volta, c’è anche di mezzo un giallo, di cui è artefice la misteriosa “governante” della casa di riposo, che a sua volta nasconde altri segreti. Ancora una volta uno spettacolo pronto a toccare le corde del cuore,  grazie alla regia del pluripremiato regista Patrizio Cigliano. E per sottolineare l’impegno delle donne, sempre più impegnate in una vita frenetica, quest’anno un premio simbolico, “Donne Stremate…ma Premiate”, che sarà consegnato alle volontarie romane della organizzazione senza scopo di lucro “City Angels”, fondata nel 1994 da Mario Furlan, che vede in prima linea numerosi angeli della strada, in prevalenza proprio donne pronte ad affrontare i pericoli della notte pur di tendere una mano alle persone meno fortunate. 

Teatro Golden

Via Taranto

Via Taranto, 36, 00182 Roma RM

Telefono: 06 7049 3826 

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Dal 16 al 27 febbraio 2022  Ale e Franz al Teatro Parioli di Roma

• scritto da
  FRANCESCO VILLA, ALESSANDRO BESENTINI
  ALBERTO FERRARI E ANTONIO DE SANTIS

regia ALBERTO FERRARI

Luigi Schiavone – chitarra
Fabrizio Palermo – basso
Francesco Luppi – tastiere
Marco Orsi – batteria
Alice Grasso – voce

• Eccoci qui….
  Sembra passato un secolo.
  I ricordi del sipario che si apre, i fari che si accendono, i vostri sorrisi, gli applausi.
  Il teatro
  La nostalgia di quella atmosfera di complicità, che ci avvolgeva tutti quanti, dal palcoscenico alla platea rendendoci partecipi, ogni sera, di un momento unico ed irrepetibile: lo spettacolo
  Sembra passato un secolo
  Rieccoci qui
  Ricominciamo, con tanta voglia di incontrarvi nuovamente, col desiderio di divertirci e farvi divertire.
  Ricominciamo con uno spettacolo leggero, divertente, che scorre anche sulle note di una band d’eccezione, di grandi professionisti.
  Ricominciamo, perché senza dimenticare tutto ciò che abbiamo vissuto in questi due anni, abbiamo il desiderio di riprendere a sorridere.
  Abbiamo voglia di leggerezza.
  E allora, ripartiamo da dove eravamo rimasti ovvero dalla voglia di vedervi ridere.
  Riprendiamo quel cammino che negli ultimi venticinque anni ci ha permesso di raccontarvi le nostre storie, i nostri incontri; ci ha permesso di ridere innanzitutto di noi stessi, come davanti ad uno specchio, e ci ha aiutato a condividere, con voi, la nostra comicità.
  Siamo pronti
  Mezza sala
  Buio
  Comincium! … perché ci siete mancati tanto

TEATRO PARIOLI:
Via Giosuè Borsi, 20 – Roma

Orari spettacolo
merc, ven e sab h 21:00
giov e dom h 17:00
lun 21 feb RIPOSO
mart 22 feb h 19:00
sab 26 feb h 17:00 e 21:00

Biglietti da 33,00 € a 24,00 €

www.ilparioli.it

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Con uno spettacolo divertente e coinvolgente, Paolo Belli torna in teatro dal 5 marzo. In “Pur di Far Commedia” storie e aneddoti esilaranti accompagnano il pubblico alla scoperta di personaggi a volte surreali, ma che si dedicano senza limiti a realizzare il sogno di vivere seguendo la propria passione. Nel nuovo spettacolo, scritto con Alberto Di Risio, Paolo racconta le mille peripezie ed i colpi di scena vissuti in tanti anni di carriera, fra esilaranti provini a musicisti strambi ma geniali, momenti di riflessione ed i suoi grandi successi rivisitati in una nuova veste. Prosa, canzoni e risate sono gli ingredienti di “Pur di Far Commedia” dove Paolo, accompagnato da sette musicisti, lascia più spazio al parlato, ai racconti e all’interazione con il suo pubblico, si lascia trasportare dai ricordi riuscendo a coinvolgere i presenti, emozionando ed emozionandosi, ripensando al percorso finora fatto.

Siamo in un’ipotetica sala prove e Paolo sta preparando il nuovo tour quando viene sopraffatto dagli eventi: fra ritardi, nuovi musicisti da provinare e personaggi dalla personalità ingombrante, la commedia racconta la vita quotidiana di chi fa questo mestiere con grande dedizione malgrado le mille difficoltà. Finito a sorpresa in questa eccentrica band, il protagonista dovrà adeguarsi al linguaggio dei suoi stravaganti musicisti.

Il tour di “Pur di Far Commedia” prende il via dal Teatro dell’Unione di Viterbo (5/3), per poi passare a Napoli – Teatro Troisi (18,19,20/3), Frosinone – Teatro Nestor (21/3), Napoli – Teatro Totò (22/3), Sala Consilina (SA) – Teatro Scarpetta (23/3), Casalnuovo di Napoli (NA) – Teatro Magic Vision (24/3), Nola (NA) – Teatro Umberto (25/3), Salerno – Teatro delle Arti (26,27/3).

“Pur di Far Commedia” ha debuttato con un sold out al Teatro Comunale di Carpi, in occasione dei festeggiamenti del Capodanno 2022. Quale modo migliore per iniziare una nuova avventura ed entrare in un anno che si preannuncia ricchissimo di grandi novità per Paolo Belli. Infatti sono ben due gli album in uscita nei prossimi mesi: il primo di cover, omaggio ai suoi maestri (Dalla, De Gregori, Fossati e Jannacci, per citarne alcuni) previsto per la primavera, mentre il secondo album, con brani inediti, uscirà subito dopo l’estate. A questi si aggiunge un compleanno speciale, quello dei 60 anni, che Paolo festeggerà sul palco nel mese di marzo, per proseguire poi da maggio nelle piazze insieme alla sua Big Band con concerti divertenti e ricchi di sorprese, per un anno che si spera possa significare per tutti il ritorno alla “normalità”.

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Al Teatro Golden il nuovo show di Dado, “Grande, grosso e vaccinato“.

La quotidianità al centro della satira di costume, un genere utilizzato nei secoli e riletto in chiave geniale dal comico romano, che lancia anche la challenge #facciadateatro per  “boicottare il divano di casa” e invitare il pubblico a scegliere il teatro.

Dal 9 al 20 febbraio 2022 Teatro Golden di Roma

La creatività è il pane quotidiano di un comico. Metafora che, in questo caso, esprime la vera sintesi dello scambio: il bisogno dell’artista di dispensare buonumore e quello del pubblico di ridere come rimedio naturale per il benessere mentale e fisico. In un periodo storico difficile come quello attuale la risata diventa più che mai necessaria. E così il comico, cabarettista e cantante Dado torna in scena con il suo nuovo spettacolo “Grande, grosso e vaccinato”, dal 9 al 20 febbraio al Teatro Golden di Roma (ore 21.00 serale e pomeridiane nei festivi), nel quale il valore antico della satira di costume assume un ruolo fondamentale. Per un comico osservare il periodo storico, metterne in risalto i lati più paradossali, rappresenta da sempre una sorta di esercizio basato su una reazione involontaria come fosse un muscolo che non si può comandare. Tanto per fare un esempio pratico: il famoso adagio popolare “Sei adulto e vaccinato” per le generazioni del passato intendeva significare che i figli in età adulta dovevano imparare ad intraprendere la propria strada poiché i genitori avevano fatto tutto il possibile per loro.

Oggi, invece, una mamma direbbe: “ Vatti a fare il vaccino perché l’hanno detto in televisione, asintomatico che non sei altro!”. Un uomo asintomatico per natura, quindi sano, ma che allo stesso tempo, suo malgrado, si ritrova ad essere potenzialmente malato. Al centro dello show ci sarà anche l’impreparazione digitale di intere generazioni che ancora non sanno pronunciare la parola “smart working”. L’aspetto più rassicurante è che l’uomo di cui si parla ha un grandissimo spirito di adattamento e riesce a galleggiare in un mare di insicurezze, pronto a ricreare, in qualunque condizione le sue abitudini tendenti a dimenticare tutto ciò che non gli conviene. E dato che si parla di tecnologia Dado, in scena sarà presente con la sua assistente vocale Carlotta e, tra canzoncine e monologhi, racconterà, dal suo punto di vista, il passato, il presente e il futuro di un uomo pronto a tutto per avere la sua libertà. Partendo proprio dalla libertà di infrangere le regole, sport che presto diventerà disciplina olimpionica. Ma l’artista romano, tra i protagonisti di Zelig e tante altre trasmissioni di successo, è anche un grande fan dei social e ha deciso di lanciare una sfida ai propri follower con lo scopo di sostenere il teatro ed invitare anche i più timorosi ad accomodarsi in platea con tutti i dispositivi di sicurezza del caso. Nasce così la challenge #facciadateatro con la quale Dado, al secolo Gabriele Pellegrini, ogni sera chiederà agli spettatori di scattarsi una foto divertente da postare sui social magari per invitare familiari ed amici “boicottare il divano di casa” per regalarsi una poltrona a teatro, altrettanto comoda, ma viva di emozioni reali.

Teatro Golden

Via Taranto, 36, 00182 Roma RM

Info 06 7049 3826 

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Grande successo al Teatro Golden per “Almost, Maine. Paese per romantici, non per sentimentali”,  regia di Massimiliano Bruno, in scena fino al 6 febbraio 

Uno spettacolo che parla d’amore a 360 gradi.

Quattro giovani attori,Sara Baccarini, Lara Balbo, Matteo Milani, Kabir Tavani, tengono il pubblico attento per tutta la durata dello spettacolo, tra cambi d’abito, accento e personaggi diversi. In uno scenario lontano, un freddo sconfinato e settentrionalissimo stato americano, si svolge lo spettacolo “Almost, Maine”, tratto dal best seller di John Cariani nel nuovo adattamento che porta la firma del regista Massimiliano Bruno e che sarà in scena fino al 6 febbraio al Teatro Golden.

Perfetti quei tocchi di comicità che danno leggerezza e gli aspetti drammatici che commuovono e sensibilizzano sulle varie dinamiche del cuore.

Seduti sulle poltroncine rosse, pronti ad applaudire e sostenere il debutto di questa commedia romantica numerosi ospiti, tra i quali: Edoardo Leo, Paolo Genovese, Anna Foglietta, Vittoria Puccini, Michela Andreozzi e Max Vado, Elda Alvigini, Walter Veltroni, Mirko Dettori con la fidanzata Damiana Ardito, Elena Bonelli, Pietro Romano e tanti altri.

Al termine della performance applausi senza sosta per i bravissimi attori, con tanto di ringraziamento ai protagonisti da parte di  Massimiliano Bruno che ha appunto creduto in questi talentuosi giovani emergenti.

A chiusura della serata tutti si sono poi dati appuntamento al ristorante del teatro, “Madè”, situato in via Taranto e diretto da Andrea Maia e Patrizia de Caroli, (un locale con specialità romane non solo e dolci come il lingotto ai tre cioccolati e coulisse di lamponi) che hanno brindato alla magia del teatro come una grande famiglia.

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Cozze e pecorino per molti è un binomio vincente, ma per altri fa arricciare un po’ il naso, ma soprattutto, cosa c’entra una ricetta con uno spettacolo teatrale?

Facile e non scontata la risposta: uno spettacolo “brillante”, il cui titolo rappresenta forse una metafora di vita di un’intera compagnia teatrale? Può ridare vita a dei talenti dimenticati? No. Ovviamente.

Una giovane compagnia composta da due attori, un’attrice, un regista e un tecnico, è alle prese con la generale della nuova produzione. Lo spettacolo è un adattamento di “Tradimenti” di Pinter ed è l’occasione per il giovane regista Ivano di riscattarsi sulla scena della sua città, dopo un flop di qualche anno prima. Per gli attori Stefano e Cristiano vuol dire tornare finalmente sul palco, visto che anche loro, come pure il tecnico Lorenzo, hanno seguito Ivano nelle luci ed ombre della sua brevissima carriera. Tutto è pronto, ventiquattro ore e si debutta.

Presto ogni brutto ricordo e pessima sensazione saranno spazzati via dal talento del gruppo.

Domani, in platea, assisteranno alla loro rivalsa i critici e gli operatori che li avevano stroncati e scartati: sono già tutti prenotati.

Ma prima, oggi, c’è un grosso problema da risolvere: l’attrice è scomparsa!

Come dichiara il regista Luca Basile nelle sue note di regia: Le figure del regista, degli attori, del tecnico si preparano ad affrontare l’ennesimo tipico imprevisto dell’ultima ora, ma gli uomini dietro gli attori non sono pronti. Forse non lo sono mai stati. La vita di ognuno è intrinsecamente sconvolta, in perenne disequilibrio e ora sembra arrivata la resa dei conti per ognuno. L’assenza dell’attrice è per tutti la goccia. Ma il vaso è quello di Pandora. I demoni di ognuno prendono la scena sul palco in maniera inaspettata, e d’improvviso insicurezza, provvisorietà, solitudine e desiderio conducono il gioco. Fanno il loro ingresso come un fiume in piena sul palco che, improvvisamente, diventa teatro di scontri, di vita, a volte un confessionale, in un crescendo di situazioni tragicomiche che si susseguono, coinvolgendo il pubblico fino al finale inaspettato. Eppure nessuno di loro è mai stato così vero come uomo. Così sincero come attore. Tutti così tragicomici che l’indomani potrebbero mettere in scena lo spettacolo perfetto, se solo se ne rendessero conto.

In “Cozze e pecorino” ci sono tutti gli ingredienti perfetti per ridere di gusto delle nostre nevrosi, delle nostre paure, per una volta senza più subire i nostri limiti, ma, forse, tramite una risata catartica, per poterci serenamente convivere come attori e come uomini”.

 Cozze e Pecorino: 3, 4 e 5 febbraio ore 21.00, 6 febbraio ore 18.00

Teatro 7 Off – Via di Monte Senario, 81a

Per info e prenotazioni: 06.925.99.854 o https://www.teatro7off.it/

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Il sorriso come rimedio naturale per il benessere psicofisico: è la ricetta di Antonello Costa, in scena al Teatro Manzoni di Roma con lo show “C’è Costa per te”.

Dal 27 gennaio al 20 febbraio 2022

Due ore di risate e di leggerezza che “alleggerisce”. Questa la ricetta del comico siciliano Antonello Costa in scena al Teatro Manzoni di Roma dal 27 gennaio al 20 febbraio 2022 con il nuovo spettacolo “C’è Costa per te”. Una sorta di omaggio alla regina della tv Maria de Filippi che, con il suo format dedicato al valore dei sentimenti, fa sorridere i cuori registrando da anni record di ascolti. E cosa c’è di più sano di una risata come farmaco naturale per il proprio benessere psicofisico? Costa  lo sottolinea nel suo varietà insieme alla sorella, la soubrette Annalisa Costa, che da sempre lo accompagna con un bellissimo corpo di ballo.

Ben 13 pillole di puro divertimento legate a 13 personaggi diversi, con altrettanti cambi scena, in un concentrato travolgente di monologhi, canzoni e danza. Uno show dal ritmo serrato ed incalzante, che coinvolgerà anche il pubblico in sala in una parodia di quello che eravamo e che stiamo diventando. Dal proprio posto, in totale sicurezza, ogni spettatore potrà  trasformarsi per una serata in uno dei protagonisti dello spettacolo e scegliere se recitare o cantare con il poliedrico mattatore, pronto ad affrontare ogni sfida grazie al suo innato talento per ogni forma d’arte.  Un inno alla gioia e all’allegria, che tutte le sere farà esclamare al pubblico: “È già finito?!”

Teatro Manzoni

Via Monte Zebio, 14/C, 00195 Roma RM

Tel. 06.32.23.634 – 327.89.59.298

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LA STAGIONE DEL  TEATRO GOLDEN RIPARTE DALL’AMORE: MASSIMILIANO BRUNO FIRMA LA REGIA DI “ALMOST, MAINE”  E PUNTA TUTTO SUI GIOVANI TALENTI.

Dal 26 gennaio al 6 febbraio in scena lo spettacolo tratto dal bestseller di John Cariani.

E per le giovani coppie amanti del teatro, e prossime alle nozze, in regalo ingressi omaggio con l’iniziativa #sposailteatrodelcuore

L’amore vince su tutto ed è in grado di superare qualsiasi genere di ostacolo. Riparte proprio dal valore dei sentimenti il primo spettacolo che annuncia la stagione 2022 del Teatro Golden di Roma.

Una nuova storia, così ricca di quelle emozioni che solo uno spettacolo dal vivo può dare.

Dal 26 gennaio al 6 febbraio è in scena “Almost, Maine. Paese per romantici, non per sentimentali”, un testo contemporaneo dell’attore e drammaturgo John Cariani, tratto dall’omonimo bestseller, in un nuovo adattamento che porta la firma del poliedrico regista Massimiliano Bruno, autore di molte sceneggiature di successo che ha anche diretto e interpretato. A pochi mesi dall’uscita del suo ultimo film per il cinema, tra le commedie più attese del 2022, “C’era una volta il crimine”, in sala dal 10 marzo.

“Almost Maine è un testo di cui mi sono perdutamente innamorato perchè racconta una versione folle dell’amore, surreale e assolutamente sopra le righe. Avevo molta voglia di tornare a teatro ma soprattutto di lavorare con i giovani; i quattro interpreti sono bravissimi e l’atmosfera sul palco diventa subito magica”, dice il regista, Massimiliano Bruno.

Grande appassionato di teatro a cui si dedica da sempre con amore, Massimiliano Bruno fonda e dirige un Laboratorio di arti sceniche, nato proprio per sostenere i giovani artisti. Ed ecco che nella sala dal palcoscenico centrale del teatro di via Taranto, diretto da Andrea Maia, saranno proprio quattro bravissimi attori emergenti, Sara Baccarini, Lara Balbo, Matteo Milani, Kabir Tavani, a calarsi nell’atmosfera di una cittadina del Maine, in un caleidoscopio di stati d’animo che influenzano le relazioni e le storie di ogni giorno.

Una commedia romantica, ambientata nel freddo sconfinato e settentrionalissimo stato americano, in una cittadina così piccola da non essere segnalata neppure sulle mappe: Almost. In questo luogo lontano il susseguirsi di incontri e sensazioni daranno vita ad uno spaccato di vita caratterizzato proprio dalla varietà di sentimenti che sono il motore dell’esistenza di ognuno.

Esiste l’armonia perfetta? I protagonisti tenteranno di scoprirlo, immersi nelle loro vicissitudini, indagando nel multiforme organo del cuore. Diretti ed ironici, si riconoscono uguali e diversi nella sala ristoro di un motel di passaggio, cercano la leggendaria aurora boreale, si perdono in una pista dia ballo o fanno il giro del mondo per stare più vicini.

Dal teatro alla vita quotidiana: il tema dello spettacolo ha dato lo spunto al direttore dello spazio culturale per lanciare un’iniziativa solidale, #sposailteatrodelcuore, e favorire, in questo periodo storico difficile, le giovani coppie decise a convolare a nozze. Per coloro che mostreranno al botteghino di aver ottenuto le pubblicazioni ufficiali, il Teatro Golden donerà, nella giornata di giovedì, l’ingresso omaggio ai due innamorati come regalo di matrimonio.

Teatro Golden

Via Taranto, 36 – Roma 00182

tel. 06.70493826

Orari:

mercoledì – venerdì ore 21.00

sabato ore 17.00 e 21.00

domenica ore 16.00 e 18.30

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La stagione di Dante per tutti al Teatro Flavio continua anche nel 2022. Giovedì 13 gennaio, alle ore 21.00, è in programma la lettura e il commento del Canto XXVI dell’Inferno della Divina Commedia. Si tratta del Canto di Ulisse, l’eroe della mitologia greca condannato nel girone dei consiglieri fraudolenti.

Ogni spettacolo prevede, oltre alla lettura e al commento del Canto, anche l’esposizione di una leggenda medievale che si allinea alle tematiche affrontate nei versi danteschi. Il Canto XXVI dell’Inferno sarà introdotto dalla storia del primo patto col diavolo della cristianità.

La scenografia dello spettacolo, così come dell’intera rassegna, è curata dagli allievi della Scuola di Scenografia dell’Accademia di Belle Arti di Napoli, sotto il coordinamento del maestro e professore Gennaro Vallifuoco. Uno studio attento delle leggende e dei Canti che verranno messi in scena, ha permesso ai giovani scenografi di ideare delle ambientazioni incantevoli e immersive, capaci di fare addentrare lo spettatore in un universo medievale originale e dal sapore favolistico.

Biglietti disponibili e acquistabili al seguente link: https://bit.ly/3secDfx

o presso il botteghino. In quest’ultimo caso, si consiglia la prenotazione telefonica al numero 06 70497905 oppure 347 742 1686 (anche via WhatsApp).

Prezzi:

– poltrona 10 euro

– poltronissima 13 euro

Si ricorda, inoltre, che sarà consentito l’ingresso solo ai muniti di Super Green Pass e mascherina di tipo FFP2.

CONTATTI

Teatro Flavio

Via Giovanni Mario Crescimbeni, 19, Roma

06 70497905 / 347 742 1686

info@teatroflavio.it  www.teatroflavio.it

Dante per tutti

info@dantepertutti.it

Responsabile Comunicazione – Ufficio stampa Lucia Cambria comunicazione@dantepertutti.it

320 4048296 / 329 6016567

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Al Teatro Manzoni di Roma una commedia tutta al femminile: “Tempo al Tempo”

con Alessandra Costanzo, Beatrice Fazi, Antonella Laganà, Marta Zoffoli,

per la regia di Paola Tiziana Cruciani

dal 4 al 23 gennaio 2022

Donne di oggi e di ieri. Un viaggio tra esperienze, confronti e diversi modi di essere. Al Teatro Manzoni di Roma in scena, dal 4 al 23 gennaio 2022, uno spettacolo tutto al femminile “Tempo al Tempo” con Alessandra Costanzo, Beatrice Fazi, Antonella Laganà, Marta Zoffoli, per la regia di Paola Tiziana Cruciani. La commedia si apre con l’incontro di due amiche in partenza per il week end. Lungo il tragitto in auto si perdono e trovano ospitalità in uno strano casale abitato da due donne così vintage che sembrano provenire dal passato. In realtà è proprio così! Incredibilmente, forse a causa di un ponte nello spazio temporale, nel rifugio le amiche si ritrovano nel pieno dei rivoluzionari anni settanta. Epoca di grandi battaglie sociali, tra idee di libertà, creatività, innovazioni.  Un salto indietro nel passato con l’inevitabile e divertentissimo incontro-scontro tra le quattro protagoniste e le due epoche.

Teatro Manzoni

Via Monte Zebio 14c 00195 Roma tel .06.3223634

www.teatromanzoni.info

Orari serali: martedì, mercoledì, giovedì e venerdì ore 21:00

Pomeridiane:  Tutti i sabati pomeriggio ore  17:00

giovedì 6 gennaio       ore  17:30

martedì 18 gennaio     ore  19:00

giovedì 20 gennaio     ore  17:00

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Dal 17 al 19 dicembre al Teatro Elettra di Via Capo D’Africa va in scena l’atto unico “La Canicola della Controra” di Antonio Mocciola, con la regia di Emilia Miscio, che vede come unici interpreti gli attori Jessica Ferro ed Enzo Avagliano.

Ma che cos’è la controra? Lo sa bene chi è del Sud, la controra è quell’orario che va dalle 14 alle 16, quel tempo di relax post pranzo, dove tutto può accadere o niente accade, un limbo temporale.

Nel tempo sospeso della pandemia, per gli attori le case diventano palcoscenico, invertendone il senso precedente. Persi in lunghe ed estenuanti prove senza certezze di andare in scena, le maschere si sfaldano e si confondono tanto da non capire più chi recita, e chi no. “La canicola della controra” è uno spaccato quotidiano, in un interno qualunque. A dominare è l’attesa. L’attesa di tornare ad essere o a non essere più.

In un caldo soffocante che regala angoscia e claustrofobia, nel limbo delle “controra” appunto, due esistenze allo specchio fanno i conti con un futuro indecifrabile, quello dell’Arte. Intorno, sembra non esserci nulla, e, forse, è proprio così.

Una nuova interpretazione teatrale per Jessica Ferro che torna sul palco dopo aver interpretato, da ultimo, al Teatro Garbatella “Maria Antonietta L’ultima Regina di Francia”, regia di Francesca Bruni e al Teatro Ghione il corto teatrale “Per Volermi Bene” scritto e diretto da Giuditta di Chiara insieme ad Elisa Forte.

Ma non solo teatro per Jessica Ferro che è una delle interpreti del film, in uscita a primavera 2022, “Il Buio e la luce” di Yanes Darbaz, regia di Giuse Joseph, girato ad ottobre 2021, che racconta la storia vera dello stesso Yanes, vittima di bullismo.

Lo spettacolo nelle giornate di venerdì 17 e sabato 18 sarà in serale alle ore 21.00, mentre domenica 19 sarà in pomeridiana alle 18.00.

Per tutte le info: 06-87560130

Brevi cenni biografici di Jessica Ferro:

Per Jessica Ferro la recitazione è tutto, senza non può stare! Non solo attrice ma anche autrice.

La sua formazione inizia con il corso di recitazione di Beatrice Gregorini, nella compagnia “Quelli che il teatro” e prosegue con Giada Valentina Fradeani, presso la scuola di recitazione “Io Teatro”, poi con Simona Borioni ed alcune “pillole” di Tecniche di Recitazione con Pietro De Silva.

L’esordio sul palco nel 2006 e da allora non si è mai fermata.

Tra le sue ultime interpretazioni, ricordiamo:

2021

• Teatro Garbatella “Maria Antonietta L’ultima Regina di Francia”, regia di Francesca Bruni
• Teatro Artemia “Bruciati” di Antonio Mocciola regia Marco Prato
• “L’Annuncio a Maria Il mistero della rinascita” di Paul Claudel regia e rielaborazione Davide Forte Patrocinio del Vaticano
• Teatro Artemia rassegna Laccio Rosso, monologo “Odore di Fumo” di Emilia Miscio, regia Marco Prato

 2020

• Teatro delle Muse Monologo “Odore di Fumo e di Profumo Orientale” scritto da Emilia Miscio, regia Simona Borioni.
• Teatro delle Muse “Sei Personaggi in cerca d’Attore” regia Emilia Miscio.
• Teatro degli Eroi “Le Follie di Frankenstein”, regia Emilia Miscio (protagonista femminile).
• Rassegna Laccio Rosso IV edizione Stop al Femminicidio, premio come migliore attrice.
• Teatro Ghione Corto teatrale “Scena Muta” di Antonio Mocciola
• “Last Minute” di Adriano Bennicelli, regia di Emilia Miscio (protagonista femminile)
• Teatro Ghione, “L’Annuncio a Maria il mistero della rinascita”, regia di Davide Forte

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“Stasera mi butto!” al Teatro degli Audaci una finestra aperta tra ironia e dramma con

Mario Zamma, Alessia Fabiani, Salvo Buccafusca

Dal 9 al 12 dicembre 2021

Ingiustizie e sopraffazioni sono all’ordine del giorno. Un mondo imperfetto nel quale c’è chi reagisce e chi, invece, subisce con conseguenti danni fisici, morali, psicologici. Ed è proprio questo il delicato argomento affrontato nello spettacolo  “Stasera mi butto!”, scritto da Patrizio Pacioni per la regia di Giancarlo Fares e prodotto da Le Ombre di Platone Ets . Una commedia che si focalizza proprio sulle dinamiche così caratterizzanti della nostra epoca e che vedrà sul palco del Teatro degli Audaci, dal 9 al 12 dicembre ore 21.00,  un trio di eccellenti artisti: Mario Zamma, Alessia Fabiani, Salvo Buccafusca, alle prese con una vicenda talmente assurda ma così drammaticamente reale, nella quale ognuno può confrontarsi e rispecchiarsi.

Una finestra aperta tra ironia e dramma, anche alla luce della crescente invadenza esercitata dai media, che costituisce lo spunto e l’innesco di una graffiante satira di costume che ruota attorno a Leonida, impiegato comunale con un divorzio alle spalle e una nuova e giovane compagna con la quale non sa decidersi a iniziare un rapporto più solido e continuativo. In un giorno qualsiasi, a causa della bruciante ingiustizia sportiva consumata in diretta tv nell’ultima giornata del campionato di serie A, la delusione e l’offesa che prova è così scatenante da convincerlo

ad un gesto eclatante. L’insieme di ingiustizie vissute nel quotidiano si sommano e così Leonida, prendendo spunto dall’ultimo colpo ricevuto, decide di salire sul terrazzo del palazzo in cui abita con la minaccia di gettarsi nel vuoto se non sarà disposta l’immediata ripetizione della partita in questione: impresa da moderno Don Chisciotte, impegnato a portare avanti una protesta che difficilmente potrà contare sul convinto consenso dell’opinione pubblica e toccare il cuore dei cosiddetti “poteri forti”.

Uno scenario che si complica per via della quasi immediata irruzione sul terrazzo di Gualtiero Goffredi, il conduttore televisivo di una scalcinata tv privata che, pur di conquistare ascolti, cercherà di attirare l’attenzione del pubblico infischiandosene del risvolto umano della storia. Per fortuna l’ex moglie della vittima, che non ha mai smesso di amarlo, riuscirà a far leva sui buoni sentimenti, l’unica vera speranza di questo primo scorcio di terzo millennio.

Teatro degli Audaci

Via Giuseppe de Santis, 29, Info: 06 9437 6057

Dal giovedì al sabato ore 21.00

Domenica ore 18.00

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“Capirà?”, sembra aver pensato il regista, Antonello De Rosa, volto e direttore artistico già conosciuto sul panorama teatrale campano, “capirà il pubblico questa Euridice?”
È Antonella Valitutti a raccogliere ed assopire i suoi dubbi, in un sodalizio artistico già collaudato.

È lei, infatti, a vestire i panni della sposa tragicamente perduta di Orfeo, in una versione moderna del mito, alleggerita dalla retorica, ma ricca di nuovi spunti.
Liberamente ispirato al racconto dell’accademico Claudio Magris “Lei dunque capirà…”, questa versione adattata da Antonello De Rosa ha debuttato lo scorso luglio, nella suggestiva cornice del Museo Diocesano di Salerno, ma ha trovato nelle repliche invernali la sua dimensione ideale.

L’atmosfera della sala, infatti, ed un delicato gioco di luci, accompagna la mimica e l’esperienza di Antonella Valitutti, che ci offre un’Euridice ben diversa da quella di Ovidio e del mito greco come lo conosciamo. Euridice non è più delicata fanciulla, bisognosa della protezione del suo Orfeo, ma è donna, emancipata e consapevole, e, soprattutto, è femmina, intesa nell’accezione più animalesca del termine.
Non è più una principessa da salvare, ma è sangue e carne, denti e lingua, corpo e sesso.
L’amore che la Valitutti porta sul palco non è delicato e platonico, come i greci lasciavano laconicamente intendere, ma carnale, vero, a tratti feroce. Orfeo, dunque, non è più il vate per come lo conosciamo, ma è un amante voglioso, che ben presto, nel racconto che ci fa Euridice, diviene un marito pigro, forse anche un
poeta mediocre.

Come nella più fedele rappresentazione del ménage matrimoniale, Euridice lo ama, ma non lo sopporta. Non tollera l’ozio in cui si immerge il poeta, e lo stuolo di donne adoranti che lo circonda quasi la disgusta.

Nutre, tuttavia, una profonda tenerezza per le nevrosi di quest’uomo, che senza di lei si dice perso, al punto da muovere una richiesta mai mossa prima: portarla via da lì.
L’Euridice che De Rosa ha messo in scena, non parla dagli inferi, bensì da un non meglio specificato “ospizio”, in cui ormai riconosce la sua casa. Ne ha assorbito i ritmi, la tranquillità, e, come una moderna Alda Merini, ha cominciato a prendere quell’ambiente come buono. La richiesta di Orfeo di portarla fuori,
quasi la sconvolge, la intimorisce, e se in un primo momento accetta è solo perché divorata dalla nostalgia del fuori, del mare, del loro giovane amore e della sua carnalità.
Nei quarantacinque minuti in cui la Valitutti strega il palco, lo spettatore è trascinato dinanzi ad una ipotetica corte, con a capo un presidente, a cui Euridice si rivolge in modo diretto.

Il pubblico ha, così, la possibilità di osservare questa donna mutare costantemente, dando un preciso e ritmato spazio ad ogni sua sfaccettatura. È manipolativa, quando bisbiglia all’orecchio egocentrico del presidente, per difendere il suo uomo, ma è feroce quando spiega le sue ragioni. È commossa, persa nel ricordo nostalgico di quel loro amore, ma è ferma e determinata, quando decide di mettervi fine.
Antonella Valitutti si muove fluida e impeccabile, nella complessità del personaggio, regalandoci una Euridice indipendente, fiera, orgogliosa, femminista quasi, che tuttavia non ha messo da parte il suo romanticismo e la tenerezza che nutre per questo amore.
Il finale regala uno spunto spiazzante, che spinge a chiedersi quanto di prezioso, a volte, si sceglie di sacrificare, in nome di un sentimento.
Dopo il debutto salernitano, “Capirà” è pronto a girare l’Italia, senza alcun dubbio per il regista De Rosa: il pubblico ha capito.

(Recensione a cura di Antonella Grimaldi)

Foto di Valerio Lorito

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SOLIDARIETA’ A TEATRO. LO SPETTACOLO “STORIA DI UNA BELLA E UNA BESTIA” LANCIA #adottaunafavolaperaiutareunpet

Cappella Orsini fino al 6 gennaio

#adottaunafavolaperaiutareunpet Il Teatro incontra il mondo degli animali e lo fa attraverso una favola a tema, tra le più amate di tutti i tempi, messa in scena nella suggestiva cornice della Cappella Orsini fino al 6 gennaio (ogni fine settimana). Il cast dello spettacolo “Storia di una bella e una bestia”, performance in prosa scritta e diretta da Alessio Chiodini, aiuto regia Mary Ferrara, liberamente ispirata alla favola originale nata dalla penna di Jeanne – Marie Leprince de Beaumont e prodotta da Produzioni Spettacoli Teatrali, ha infatti deciso di avviare una raccolta di cibo per cani e gatti meno fortunati perché qualche “bestia umana” li ha abbandonati al loro destino e di lanciare un hashtag solidale. Ad aiutare i numerosi amici a quattro zampe in cerca di una famiglia ci sono tanti rifugi, seguiti da centinaia di volontari, e per questo i protagonisti dello spettacolo, Alessio Chiodini, Valentina Corti, Fabrizio Scuderi, hanno pensato di invitare il pubblico ad unire la passione per il teatro e quella per gli animali unendo idealmente “mani e zampe” con un gesto semplice ma efficace, ovvero quello di portare a teatro: cibo, cucce, coperte, che saranno poi messe a disposizione dei meno fortunati.

STORIA DI UNA BELLA E UNA BESTIA

DICEMBRE – 4,5,11,12,18,19

GENNAIO – 6

Cappella Orsini Lab

Via di Grotta Pinta 21, Roma

E’ gradita prenotazione

Info 345 046 1304

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Uno spettacolo che rappresenta tutti i generi, anche il tuo

(anche se non sai ancora qual è)

Milano – venerdì 10 e sabato 11 dicembre alle ore 20,30 al Teatro Bello torna In stato di Grazia, dove una scatenata Margó Volo riuscirà a sorprendere chiunque, anche sé stessa.

Il monologo è scritto da Tobia Rossi per Margó Volo, con la regia di Chiara Valli, assistente alla regia Mariano Jaime, assistente di produzione Giuseppe di Falco, coreografia Heels Cristian Quinto, produzione GerliMusic Production.

Cosa succede quando Grazia, donna di mezza età rigida e perbenista, in seguito a un “incidente” si trasforma in una “milf” spregiudicata e ipersessuale, talmente libera da mettere in imbarazzo quelli che prima la accusavano di essere una bigotta?

Da questa premessa surreale nasce In stato di Grazia, monologo scritto da Tobia Rossi per Margó Volo che con ironia e autoironia, parla di tabù e pregiudizi, di scoperta di sé e libertà sessuale, di menopausa e gioia di vivere, attraverso il monologo-testimonianza di un personaggio bizzarro e senza peli sulla lingua, che affronta il pubblico provocando la reazione che più di tutte caratterizza il rapporto col nostro corpo, i nostri complessi, la nostra intimità: l’imbarazzo.

L’incontro tra due generazioni, quella di Tobia e Margó, che “magicamente” creano un vero (In) “stato di Grazia” perfettamente in equilibrio tra ironia e comicità, dramma e commedia.

In un’epoca in cui i corpi sono sovraesposti, i segreti più intimi resi pubblici, siamo davvero così liberi e consapevoli? Quali sono i paletti del dicibile e del fattibile con cui ci confrontiamo ogni giorno?

In stato di Grazia parla di tutto questo attraverso la strampalata epopea di un’eroina kitsch, raccontata miscelando i generi (black comedy, sex comedy, melò, persino musical e fantascienza) e i linguaggi, per restituirci la straordinaria – assurda e meravigliosa – complessità di un essere umano alle prese (come tutti) con paure e fragilità, passioni furibonde e desideri di riscatto. In un immaginario paesino del Nord Italia, Grazia, donna tutta d’un pezzo, moglie del sindaco e preside dell’unica scuola superiore del paese, è temuta da tutti: studenti, colleghi, genitori. Con fermezza e austerità, Grazia guida non solo il suo istituto ma in qualche modo l’intero paese, regolato dai suoi princìpi: rigore, perbenismo e soprattutto repressione sessuale.

Un “vero stato di grazia” per Margó Volo che interpreta undici personaggi dimostrando tutta la sua immensa ecletticità dando voce e forma ad ognuno di loro:

“Dopo essere andata in scena e aver rivisto alcuni brani, mi sono riguardata e guardato il rapporto tra un personaggio e l’altro e mi sono detta, Margó, puoi essere molto più folle. Ogni personaggio può essere più forte, più preciso, andare oltre sé stesso, mandando anche me in quell’oltre… In queste due nuove date, voglio mettere da parte la tecnica ed essere più tutto: la follia attoriale è questa. Cambiando un personaggio, inevitabilmente si scatena una reazione a catena in tutti gli altri e questa è la vera magia. Io posso provare fin che vuoi, ma in scena lo spazio fra me, i personaggi e il pubblico, diventa uno spazio di co-creazione. Un percorso emozionale condiviso totalmente con chi è in sala, che diventa parte dello spettacolo”.

Aggiunge l’attrice: “Ho sempre sognato di lavorare con Tobia e per un allineamento di costellazioni è arrivata l’occasione giusta per farlo. A Grazia la situazione esplode letteralmente in mano, disintegrando la corazza che si era costruita nel tempo. Mi sono innamorata subito della sua libertà di pensiero e della sua capacità di trasformazione, che è anche la mia. Un vero viaggio caleidoscopico insieme a undici personaggi, così diversi tra loro, che mi hanno costretta a cercare dentro di me. Ci sono aspetti di Grazia rigida e Grazia svelata, in particolar modo della seconda, che mi appartengono. È cucita addosso a me, ma la stoffa è di Tobia. Prendo in prestito le parole di Grazia, un monito e un augurio per tutti noi: Il corpo è il più grande strumento di libertà che ci sia stato dato. Le regole le fate voi. Ascoltate i vostri desideri. Siatene padroni, rivendicateli”.

Proprio come in un film di mutanti, dopo quell’incidente, qualcosa in lei cambia radicalmente: inizia a sentire uno strano prurito, una strana voglia di essere sé stessa e liberare la sua sessualità, che – dopo i primi esilaranti segnali – finisce per pervaderla totalmente, mandarla in tilt e dar vita a una nuova Grazia: una donna libera. A qualcuno tutta questa libertà non piace, qualcuno è infastidito e teme che la nuova Grazia possa portare la gente del paese sulla cattiva strada.

In breve tempo, all’interno della scuola, alcuni docenti e genitori si coalizzano in un una sorta di partito anti-Grazia; in breve, la donna diventa il capro espiatorio della comunità. Contro di lei si muove una vera e propria crociata. A quanto pare la cittadinanza intera preferiva una despota cinica e repressiva a una variopinta e stravagante (ma autentica) donna libera.

Tobia Rossi come un abile sarto, disegna e realizza su un testo che colpisce per la sua schiettezza, per la semplicità e la forza di parole che mai tradiscono la loro missione: quella di arrivare dritte, senza inutili giri a chiunque avrà il privilegio di ascoltarle.

Dichiara l’autore: “È nata con lei, per lei e su di lei. Contenuto e tema, pensati proprio per Margó. Questo tema, legato alla libertà personale e sessuale, al di là di qualunque tabù, mi ha convinto subito. Ho cercato, come è mia abitudine, il linguaggio più adatto che rispetto con tutti i personaggi: parole incandescenti, precise, forti e un ritmo per ognuno, calzante ed incalzante. Un tema esposto (libertà, tabù e imbarazzi) e uno nascosto (l’educazione e tutto quello che ci ruota attorno): Grazia viene giudicata per la sua rigidità e poi per la sua spregiudicatezza, rivelando le debolezze e i limiti altrui e del nostro tempo”.

E ancora: “In questo monologo vedo quella storia compiersi, arricchita da quello che Margó e tutto il gruppo creativo ci mette. Sono stupito e meravigliato, dalla magia e dalla forza che ha generato, consapevole che un’idea raggiunga il suo compimento solo quando si realizza”.

Strane splendide amate odiate creature

Tutte quante

Dentro di me

Ballano sotto la pioggia

E io so

Adesso so

Con loro so

Che sono in buona compagnia.

Trailer: https://www.youtube.com/watch?v=NfE5bapJ6sg

I biglietti sono acquistabili su OOOH.EVENTS previa registrazione sul sito. Il costo è di € 15,00 + prevendita:

https://oooh.events/evento/in-stato-di-grazia-biglietti-2/

https://www.teatro.it/spettacoli/in-stato-di-grazia-margo-volo

Si ricorda che non sarà possibile accedere alla sala a spettacolo iniziato

L'articolo Margò Volo, In stato di Grazia proviene da Agenzia Stampa.

Al Teatro Cometa Off di Testaccio dicembre si apre con un progetto inedito: “Fantastico. La Terza Repubblica della Tv” che, dopo un’anteprima in Puglia, debutta ufficialmente a Roma per cinque serate dall’1 al 5 dicembre 2021.

Scritto dal giornalista Gennaro Pesante, diretto da Dario Tacconelli, vedrà in scena lo stesso Tacconelli con Daniele Coscarella e Adriano Russo (che eseguirà musiche dal vivo).

Il racconto, che si snoda tra foto, video d’epoca, gag e musiche, richiama alla memoria il periodo storico degli show del sabato sera, e degli attriti e gli scontri a viso aperto tra alcuni grandi personaggi dello spettacolo e la politica di quegli anni. Dalla battuta micidiale di Beppe Grillo sui Socialisti al Fantastico di Adriano Celentano, una stagione televisiva irripetibile e un periodo di grandi trasformazioni che metteranno le basi per quella che sarà l’Italia di trent’anni dopo.

Un viaggio indietro nel tempo, rielaborando i fatti di ieri per capire meglio quelli di oggi.

“Fantastico” – prodotto dall’associazione culturale I Gatti di Vicolo Valdina e la compagnia Bottega degli Apocrifi – è l’adattamento teatrale del libro dello stesso autore “La Terza Repubblica della TV”.

L'articolo “Fantastico” e la sfida tra politica e televisione. Al teatro Cometa Off sono di scena gli anni Ottanta proviene da Agenzia Stampa.

L’associazione teatrale “L’Albero della neve” -dopo 4 anni- torna al Teatro Tordinona dal 18 al 19 dicembre prossimo con l’interessante ripresa -da non perdere!-  del

“DIARIO PERPLESSO DI UN INCERTO” di Fabio Salvati.

Lo spettacolo, già rappresentato nel maggio 2017, nel medesimo teatro, riportò allora un grande successo. Dopo due anni di forzata inattività il pubblico ha sollecitato, con grande partecipazione, la sua ripresa.

Regia Daniela Coppola, in scena Alessandro Bevilacqua e  Stefano della Rovere per le musiche dal vivo. Aiuto-regia Elena Salvati, luci e audio Andrea Catalini, trucco teatrale Sonia Gallo, grafica e photo by Veronica Matrisciano.

Tempi moderni. Un negozio di dischi e di strumenti musicali. Il titolare è prossimo alla chiusura di quell’esercizio che non risponde più ai tempi mutati. Tutto è cambiato –a cominciare dai negozi vicini- e lui non ha più intenzione di continuare: la crisi impietosa di questi ultimi anni e l’offerta  social hanno predisposto le persone a soddisfare le proprie esigenze musicali con altre modalità, sempre meno fisiche e più virtuali. Dunque svenderà tutto, a cominciare dai dischi e dalla musica che per lui sono stati il contrassegno dei diversi momenti della sua esperienza: tutto quello che è passato da lì è un pezzo della sua vita e tutto si porta inevitabilmente appresso una riflessione o una riconsiderazione di quanto ha vissuto. Il racconto viene contrappuntato da musica dal vivo che veste l’atmosfera su cui si poggia la narrazione.

L'articolo DIARIO PERPLESSO DI UN INCERTO al Teatro Tordinona 18 e 19 Dicembre proviene da Agenzia Stampa.

Dal 13 novembre sul palco arriva  “STORIA DI UNA BELLA E UNA BESTIA” liberamente ispirato alla favola di Jeanne-Marie Leprince de Beaumont e per gli innamorati un contest sui social a caccia delle storie romantiche 2.0

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“Le domande sono semplici; le risposte meno”. “Cosa preferisci: centomila euro subito o un milione fra dieci anni?”. Ecco “Il Test” che dà vita a questa esilarante e graffiante commedia che ha sbancato i botteghini spagnoli, da Barcellona a Madrid ed è arrivata in Italia con Roberto Ciufoli, Benedicta Boccoli, Simone Colombari, Sarah Biacchi, con la regia dello stesso Ciufoli. Tutto lo spettacolo ruota intorno alle quattro S: soldi, sentimenti, sesso, successo. Un crescendo comico e drammatico, che porta alla luce il non detto, le aspirazioni, le colpe e le speranze dei quattro protagonisti.

Il pubblico spagnolo ha fatto la fila per quattro stagioni teatrali per goderselo, e da ottobre 2021 all’aprile 2022 anche il pubblico italiano avrà di chè divertirsi nei teatri tornati finalmente a popolarsi. Lo spettacolo – che aveva iniziato il suo percorso con una prima parte di tournée di grande successo nel 2019 – è prodotto da Pipa e La Bilancia Produzioni, ha le scenografia di Andrea Ceriani, il disegno luci di Francesco Bàrbera e i costumi di Sandra Cardini.

Tante le città che vedranno in scena “Il Test”: Milano, Modena, Ostia, Napoli, Aosta, Bologna, Roma e molte altre.

Sinossi

Hèctor e Paula, una coppia con qualche problema economico, devono affrontare la scelta che gli propone il vecchio amico Toni, in attesa che li raggiunga per cena Berta, la giovane fidanzata psicologa di successo. Una decisione apparentemente semplice: accontentarsi di una piccola ma immediata fortuna o aspettare lunghi anni per decuplicarla? Il dilemma che inizia come un semplice e teorico test di personalità, in un clima di divertita amicizia, diventa sempre più causticamente feroce, e mette progressivamente a nudo i caratteri, i pensieri reconditi e i delicati segreti dei quattro commensali. Fra battute di spirito al vetriolo e sferzanti dialoghi, i protagonisti vengono spinti a prendere decisioni che nell’arco di una cena cambieranno radicalmente le loro vite, forse per sempre.

Note di regia

I test appassionano, la ricerca della giusta risposta per mostrare di essere intelligenti, acuti, pronti, à la page, ha mantenuto un fascino intramontabile. Cosa può mai nascondersi dietro l’innocuo “è meglio un uovo oggi o la gallina domani”? Rispondere “dipende dallo stato di salute della gallina” denota sagacia, cinismo o analisi pragmatica? Qualunque sia lo scopo di un test, il risultato finale sarà sempre una scoperta o la conferma di un comportamento che addirittura può sconvolgere chi viene “testato”.  È il nostro caso. I protagonisti della nostra storia vengono letteralmente travolti dagli esiti di quello che all’apparenza è solo un inoffensivo test comportamentale: preferisci la voracità del morso qui e ora o la pazienza dell’attesa di un futuro piatto più sostanzioso?

Roberto Ciufoli

La Tournée

Milano – Teatro Martinitt 1 – 17 ottobre

Modena – Teatro Michelangelo 19 – 22 ottobre

Ostia – Teatro Manfredi 26 ottobre – 7 novembre

Corinaldo – Teatro Goldoni 11 novembre

Porto S. Giorgio – Teatro Comunale 13 novembre

Matelica – Teatro Piermario 14 novembre

Castrovillari – Teatro Sybaris 27 novembre

Guidonia – Teatro Imperiale 15 e 16 gennaio

Catania – Teatro Metropolitan 22 e 23 gennaio.

Napoli -Teatro Totò 27 gennaio – 6 febbraio

Aosta – Teatro Splendor 8 e 9 febbraio

Bologna – Teatro Dehon 4-6 marzo

Soresina – Teatro Sociale 12 marzo

Gallarate – Teatro Condominio 13 marzo

Roma – Teatro Vittoria 29 marzo – 2 aprile

Monza – Teatro Villoresi 23 e 24 aprile

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Dal 13 novembre sul palco arriva 

“STORIA DI UNA BELLA E UNA BESTIA”

liberamente ispirato alla favola di Jeanne-Marie Leprince de Beaumont

E per gli innamorati un contest sui social a caccia delle storie romantiche 2.0

Dal 13 novembre 2021 al 6 gennaio 2022

Cappella Orsini Lab – Roma

Ci sono storie che fanno ancora sognare, amori impossibili che invece regalano il più bel finale. Accade spesso nelle fiabe, ma per fortuna qualche volta anche la vita reale riesce a sorprenderci. Allora perché non prendere spunto da una delle favole più belle di tutti i tempi? Nella suggestiva cornice della Cappella Orsini di Roma, prende vita “Storia di una bella e una bestia”, performance in prosa scritta e diretta da Alessio Chiodini, aiuto regia Mary Ferrara, liberamente ispirata alla favola originale nata dalla penna di Jeanne – Marie Leprince de Beaumont e prodotta da Produzioni Spettacoli Teatrali. Il debutto nella suggestiva e magica Cappella Orsini Lab, dal 13 novembre 2021 al 6 gennaio 2022,  nella quale lo spettatore si ritroverà a vivere una vera e propria ESPERIENZA TEATRALE grazie al racconto figurato a stretto contatto con il pubblico. Ambientata all’interno di un castello senza tempo, si svolgeranno le vicende che vedono protagonisti una Bestia (Alessio Chiodini), Belle (Ilaria Mariotti/Valentina Corti) e un Narratore che riserverà delle sorprese (Federico Campaiola /Fabrizio Scuderi). Un cast di giovanissimi attori, resi noti dalle loro interpretazioni sia teatrali che in fiction di successo, da “Un posto al sole” a “Un Medico in famiglia” e tante altre, per una favola che fa incontrare le solitudini, le diversità e insegna ad amarle, dove l’amore è il perno sul quale far ruotare le vite dei protagonisti. Non ci può essere amore senza tenerezza. Il sacrificio diventa conoscenza di sé e alla fine del viaggio, per quanto breve, sembrerà di aver soggiornato in un castello in grado di operare vere magie. Ma le magie più belle sono quelle che facciamo anche nella vita quotidiana, dagli incontri casuali a quelli sui social, legami che prendono forma e si consolidano fino a trasformarsi in rapporti speciali. Ed ecco che parallelamente allo spettacolo il cast ha deciso di lanciare un contest “Storia di una bella e una bestia. A caccia delle storie romantiche 2.0”. Con quale dichiarazione siete finalmente capitolati dopo il corteggiamento? Le 5 storie più originali e le dichiarazioni più belle, corredate di 1 foto della coppia di innamorati,  potranno essere inviate all’indirizzo di posta stanzedorsini@gmail.com.  Quelle ritenute più speciali saranno invitate gratuitamente a teatro durante la programmazione per una promessa d’amore insieme ai protagonisti della fiaba. 

STORIA DI UNA BELLA E UNA BESTIA

Dal 13 novembre nei giorni

Sabato: ore 16.00 

Domenica: ore 21.00 

Date Spettacoli (1 Cast):

NOVEMBRE – 13,14,20,21 

Date Spettacoli (2 Cast):

NOVEMBRE –27,28 

DICEMBRE – 4,5,11,12,18,19 

GENNAIO – 6 

Biglietti: 15 euro 

*E’ obbligatoria la prenotazione. Presentarsi al botteghino muniti di GREEN PASS o TAMPONE MOLECOLARE effettuato entro le 48 ore. 

Cappella Orsini Lab

Via di Grotta Pinta 21, Roma 

Informazioni e prenotazioni

345 046 1304

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Fonte Viva il Teatro

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Fonte Viva il Teatro

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Fonte Viva il Teatro

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Fonte Viva il Teatro

L'articolo “Dante per tutti”: la Divina Commedia e le leggende medievali in scena al Teatro Flavio proviene da Agenzia Stampa.

Ripartono nella Capitale gli appuntamenti di Dante per tutti, la rassegna di letture dantesche che dal 2015 incanta il pubblico romano. Giovedì 4 novembre, alle ore 21.00, verrà inaugurata la nuova stagione al Teatro Flavio con la lettura e il commento del Canto I dell’Inferno, il canto d’apertura del grande poema. Gli incontri si protrarranno nei prossimi mesi sino a maggio 2022.

Ogni spettacolo prevede, oltre alla lettura e al commento del Canto, anche l’esposizione di una leggenda medievale che si allinea alle tematiche affrontate nei versi danteschi. Il Canto I dell’Inferno verrà infatti introdotto da una delle più celebri visioni dell’aldilà del Medioevo: la storia del cavaliere irlandese Tantalo, originaria del XII secolo ma letta nella sua versione trecentesca in volgare italiano.

La grande novità di questa edizione sarà la scenografia, la quale sarà curata dagli allievi della Scuola di Scenografia dell’Accademia delle Belle Arti di Napoli, sotto il coordinamento del maestro e professore Gennaro Vallifuoco. Uno studio attento delle leggende e dei Canti che verranno messi in scena, ha permesso ai giovani scenografi di ideare delle ambientazioni incantevoli e immersive, capaci di fare addentrare lo spettatore in un universo medievale originale e dal sapore favolistico.

Cos’è Dante per tutti 

Dante per tutti è una iniziativa ideata e curata da Luca Maria Spagnuolo, storico dell’arte e studioso del medioevo. In ogni incontro, caratterizzato da una narrazione coinvolgente e appassionante, viene proposta la lettura e il commento di un Canto dantesco, la cui tematica è correlata a un approfondimento sulla cultura medievale.

Vengono proposti testi databili tra il XIII e il XV secolo, letti e discussi nella loro versione originale in volgare italiano: frammenti di leggende di Santi, diavoli e miracoli e brani provenienti dal repertorio giullaresco medievale.

Tutti i testi provengono da manoscritti e incunaboli non editi o di difficile reperibilità, trascritti presso alcune delle più importanti biblioteche e istituti.

Seppur antichi, questi brani costituiscono un’innovativa risorsa: un patrimonio non più solo per specialisti e studiosi ma finalmente restituito al pubblico.

LUCA MARIA SPAGNUOLO – Note biografiche

Luca Maria Spagnuolo, classe 1986, dopo la laurea in storia dell’arte, inizia la propria carriera lavorando in delle gallerie d’arte prima a New York, poi a Berlino e successivamente a Roma. Il progetto “Dante per tutti” nasce nel 2015 presso un’associazione culturale romana e, ottenuto il patrocinio della Società Dante Alighieri, amplia la propria attività presso la Cripta della Chiesa di Santa Lucia del Gonfalone e in occasione di varie manifestazioni nella Capitale (come “Letture d’Estate” e “Lungo il Tevere… Roma”) e in altre città italiane. Ha preso parte a numerosi convegni come “Il Borgo dei Filosofi” a Lapio (AV) e ha curato alcuni eventi del calendario culturale della città di Avellino.

I prossimi eventi

Giovedì 18 novembre, ore 21.00 Inferno Canto V: Paolo e Francesca e la leggende del monaco tentato dal diavolo.

Giovedì 2 dicembre, ore 21.00 Inferno Canto X: Farinata degli Uberti e la leggenda di Santa Giuliana che incatena il diavolo.

Biglietti disponibili e acquistabili al seguente link:

https://www.2tickets.it/SelectTitolo.aspx?idt=1952707&set=T&car=&ide=1599

o presso il botteghino. In quest’ultimo caso, si consiglia la prenotazione telefonica al numero 06 70497905 oppure 328 1720922.

L’ingresso al singolo spettacolo è di € 10. Effettuando in anticipo la prenotazione per l’intera stagione – la quale consta di dodici date – si otterrà uno sconto: dodici spettacoli al prezzo di dieci.

Oltre agli spettacoli serali, sono previsti due matineé – rivolti soprattutto alle scuole – l’1 dicembre e il 14 dicembre, alle ore 10.30. Verranno letti e commentati rispettivamente il Canto I e il V dell’Inferno.

Si ricorda, inoltre, che l’accesso al Teatro Flavio è contingentato e regolamentato come da vigenti disposizioni governative in materia di Covid19. Sarà consentito l’ingresso solo ai muniti di Green Pass e mascherina.

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Vieni, c’è una casa nel parco: il teatro nel Parco dei Pini, a Bologna. La nuova stagione di Teatri di Vita è un invito a ritrovare la casa fuori di casa, a ritrovare la socialità in un luogo pubblico dove sentirsi a proprio agio, a ritrovare l’avventura individuale e collettiva della cultura e del confronto. Dopo la lunga distanza con lockdown e chiusura e i due ricchi mesi di festival estivo, ritorna con fiducia la nuova stagione, ed è… Fuori, casa: 19 appuntamenti da ottobre 2021 ad aprile 2022 con il teatro e la danza, spettacoli italiani e internazionali, nel “salotto” dove ritrovarsi a condividere emozioni e pensieri, parole e visioni.

Gli spettacoli in stagione offrono un panorama originale: 10 appuntamenti con il teatro italiano e 3 con la scena internazionale, senza dimenticare l’invito alla leggerezza e al riso con 6 serate di stand-up comedy. Con l’impegno produttivo, l’offerta formativa dei corsi di teatro e le altre attività di promozione della cultura teatrale, Teatri di Vita conferma il suo pluridecennale ruolo di Centro di produzione di teatro di innovazione nell’ambito della sperimentazione di Bologna, identità che tuttora il Ministero della Cultura non riconosce nell’erogazione del FUS.

La stagione “Fuori, casa” si apre con il Teatro Kismet e con Il bacio della vedova di Israel Horowitz, testo sulla violenza contro le donne diretto da Teresa Ludovico (29-31 ottobre); a seguire, la Piccola Compagnia della Magnolia con 1983 Butterfly, la vera storia della vicenda portata al cinema da David Cronenberg (26-28 novembre); la compagnia Akròama che si confronta con le emozionanti atmosfere de Il marinaio di Fernando Pessoa (17-19 dicembre); Lucia Calamaro con una nuova, emozionante incursione nei meandri esistenziali della vita e della morte in Darwin inconsolabile (29-30 gennaio); Linguaggicreativi di Milano con l’edizione teatrale de La Nebbiosa di Pier Paolo Pasolini, di cui ricorre quest’anno il centenario della nascita (11-13 marzo); Tindaro Granata con la riflessione su genitorialità e omogenitorialità nel pluripremiato Geppetto e Geppetto (8-10 aprile); CapoTrave con Piccola patria, graffiante sguardo sull’Italia contemporanea (23-24 aprile); e infine i due vincitori del Premio Scenario 2021, ovvero Usine Baug con Topi, dedicato alla memoria del G8 di Genova (24-25 marzo), e Mattia Cason con Le Etiopiche, viaggio attraverso le epoche e i confini (26-27 marzo).

Particolarmente significativa è la nuova produzione di Teatri di Vita, evǝ, testo di Jo Clifford messo in scena da Andrea Adriatico per riflettere sui generi e sul superamento dei confini (11-13 febbraio). Il debutto dello spettacolo sarà in novembre a Bari, per proseguire la tournée, tra l’altro, a Cagliari e Berlino.

Sono tre i grandi appuntamenti internazionali della stagione, tutti in prima nazionale, con il teatro, la danza e la musica: lo spettacolo (In)correct della compagnia rumena Reactor, che racconta l’adolescenza e il confronto con l’età adulta (14-16 gennaio); Q/A del coreografo marocchino Khalid Benghrib, che fonde la danza contemporanea con i rituali mistici dei sufi della sua terra (3-4 dicembre); e il concerto-cabaret One Penny Opera dell’originalissimo gruppo musicale inglese The Tiger Lillies che arriva per la prima volta in Italia (25-26 febbraio).

E infine, dopo il grande successo al festival estivo, torna una volta al mese a Teatri di Vita la stand-up comedy del giovedì, con alcuni degli artisti più popolari e alcune scoperte: Matteo Fallica (4 novembre), Annagaia Marchioro (9 dicembre), Lorenzo Balducci (20 gennaio), Saverio Raimondo (17 febbraio), Velia Lalli (17 marzo), Claudio Morici (14 aprile).

Ogni domenica di spettacolo, il teatro apre al pubblico per il brunch dalle 12 e per il tè in omaggio durante il pomeriggio.

Insomma, fuori casa c’è una casa in cui ritrovarsi e condividere un applauso, una risata, un pensiero, tante emozioni.

La stagione “Fuori, casa” è realizzata da Teatri di Vita in convenzione con il Comune di Bologna e con il contributo della Regione Emilia Romagna e del Minestero della Cultura.

L’abbonamento ai 19 appuntamenti è di 99 euro, ed è disponibile un abbonamento specifico per la stand-up a 39 euro.

A Teatri di Vita, via Emilia Ponente 485, Bologna, tel. 333.4666333, website: www.teatridivita.it

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Fonte Viva il Teatro

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Associazione Ariadne – una delle realtà teatrali maggiormente impegnate in attività formative, divulgative e di ricerca – sta svolgendo “Teatro Letterario”, l’interessante progetto che comprende, in varie località, una corposa serie di laboratori, workshop, masterclass teatral-letterari e poi spettacoli, letture drammatizzate ed anche performance multimediali, che si avvalgono del contributo della Regione Lazio.

Una sezione di Teatro Letterario è dedicata ai più piccoli (5+) per i quali sono in programma week-end teatral-letterari sulla letteratura per l’infanzia.

L’appuntamento è sabato 23 e domenica 24 ottobre a Roma, presso i giardini di via Gasperina, 254, con la rappresentazione letteral-teatrale e multimediale “GrimmRock/I Musicisti di Brema” tratta dalla famosa favola dei fratelli Grimm “I musicanti di Brema”. La regia è di Valeria Freiberg.

Il teatro al centro delle periferie. “Il grande architetto Renzo Piano disse una volta che ‘La periferia è la città del futuro’ non possiamo che condividere questo punto di vista – osserva Valeria Freiberg -. Quest’anno particolare, fatto di chiusure, riaperture e incertezze di varia natura, abbiamo capito che è davvero importante il lavoro di divulgazione e di promozione della cultura e dello spettacolo dal vivo sul nostro territorio. In particolare, ci sembrava indispensabile coinvolgere soprattutto bambini e ragazzi dei piccoli centri”.

La rassegna ‘Teatro Letterario’ ideata dalla regista Valeria Freiberg e dall’Associazione Ariadne e realizzata con il contributo della Regione Lazio non è solo un insieme di spettacoli teatrali, ma un gesto culturale capace di coinvolgere le comunità che, talvolta per motivi, se vogliamo geografici o sociali, si sono trovate distaccate. La periferia si trasforma così in un luogo eccentrico, non soltanto in quanto fuori dal centro, ma soprattutto come luogo non condizionato, aperto, sperimentale che infonde presso i cittadini una visione più completa dei processi culturali in corso in questi ultimi anni.

“GrimmRock/I Musicisti di Brema” è una pièce multimediale, ideata come un’articolata azione scenica, che coniuga teatro di prosa, poesia, musica, balletti, immagini digitali e gioco. La regia è di Valeria Freiberg, in scena un giovane attore Andrea Stefani. Si vuole coinvolgere i bambini in un gioco teatrale dandogli la possibilità di esprimere loro stessi. Una favola contemporanea adatta a tutta la famiglia.

Protagonisti il giovane Trovatore e i suoi amici; un asino, un cane, un gatto e un gallo che giungono a Brema per allestire uno spettacolo musicale. Nella fiaba originale gli animali venivano trattati male dai loro padroni, in questa nuova edizione trovano un loro riscatto. Sottolineano dalla Compagnia: “Nella nostra favola i quattro animali sono finalmente liberi, vivono senza padroni e si riuniscono in una banda musicale. Inoltre hanno dei nuovi e coraggiosi amici: una Principessa che si innamorerà perdutamente del giovane Trovatore, un investigatore privato che vorrà ostacolare il loro amore e un Re buffo, ma tenero e alla moda”. Sono presenti sulla scena virtuale anche dei briganti. Lungo la via gli artisti affronteranno così molte avventure e le strade di Brema saranno un palcoscenico perfetto dove esibirsi per far divertire i bambini.

Spiega la regista Valeria Freiberg: “Lo spettacolo è un’esperienza che racchiude in sé la possibilità di una percezione nuova, qualitativamente trasfigurata della materia-teatro e la costruzione di un mondo indipendente di suoni. Romantico e audace nella sua libera rivisitazione della trama della fiaba dei fratelli Grimm, la pièce è un vero e proprio cross-over, un connubio creativo fra teatro, suoni e immagini. Si tratta di un’esperienza elettronica, dato che trae la propria identità proprio dallo scambio continuo di linguaggi, forme e metodi in una dimensione sperimentale”.

Lo spettacolo ha diverse morali, insegna ai bambini l’importanza del lavoro di squadra, a non arrendersi di fronte alle difficoltà e rendere le proprie diversità un punto di forza. “GrimmRock/I Musicisti di Brema” – conclude la regista – con linguaggio moderno, indica ai piccoli spettatori la strada verso il coraggio, l’altruismo e la fedeltà, ma è anche un monito al rispetto degli animali”.

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AL TEATRO MANZONI DI ROMA

DAL 26 OTTOBRE AL 14 NOVEMBRE 2021

PAOLA QUATTRINI – PAOLA BARALE in “SLOT”, SCRITTO E DIRETTO DA LUCA DE BEI

Lo spettro del gioco d’azzardo, con il suo fascino ipnotico, le emozioni forti e quella speranza di un guadagno facile legato ad un possibile cambiamento di vita, nasconde invece una patologia, un fenomeno compulsivo che si trasforma in una vera drammaticità con ripercussioni anche sulla famiglia e sulla comunità. Al Teatro Manzoni di Roma questa delicata tematica è al centro di “Slot” , il nuovo spettacolo con Paola Quattrini, Paola Barale e Mauro Conte, scritto e diretto da Luca De Bei e in scena da 26 ottobre al 14 novembre.

Sulla scena i tre personaggi si incrociano e talvolta si scontrano, perché ognuno in fondo è la vittima dell’altro ed è conseguentemente anche il carnefice. Trovare un equilibrio sembra un percorso arduo e complicato per i protagonisti, desiderosi però di riuscire a riconquistare la vera essenza della vita. Uno spettacolo frizzante, con dialoghi serrati e dal ritmo decisamente vivace, impreziosito da numerosi colpi di scena, capace di esplorare l’animo umano in profondità andando a sfiorare le intimità di una famiglia alla deriva e “ostaggio” di quel male oscuro che regala false illusioni per poi attirare in una sorta di trappola, come un tunnel senza via d’uscita.  I rapporti spesso si complicano, ma è proprio questo il bello: a volte una relazione che sembra impossibile si può modificare in qualcosa di speciale, in grado di restituire la speranza di un cambiamento … quello vero.

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Torna il prestigioso Premio Eccellenze della Danza e lo fa a Noto, nel suggestivo Teatro Comunale Tina Di Lorenzo che farà da cornice per la seconda volta ad una serata di gala che si preannuncia come l’evento più importante dell’anno per la danza in Italia. Nello splendido festival in programma dal 10 al 12 dicembre prodotto da Vincenzo Macario con la direzione artistica di Antonio Desiderio. Tra le stelleannunciate la star mondiale Julio Bocca, etoile internazionale che ha incantato il pubblico nei più prestigiosi teatri del mondo dalla Scala fino al Bolshoi passando per l’Opera e l’American Ballet.

“Siamo davvero orgogliosi di annunciare il Premio alla Carriera per Julio Bocca, la sua carriera internazionale ha pochi eguali e da tanto volevamo portarlo in Sicilia. La sua presenza conferma come il Premio Eccellenze della Danza sia una realtà non soltanto italiana, ma ormai un appuntamento internazionale molto per quanto riguarda la danza. Nelle prossime settimane annunceremo altri grandissimi nomi tra gli ospiti, questa edizione della ripartenza sarà indimenticabile”, le parole del direttore artistico Antonio Desiderio.

Julio Bocca ha accolto con grande gioia il riconoscimento alla carriera: “Quando sono statocontattato per comunicarmi che l’organizzazione volevaassegnarmi il Premio Eccellenze della Danza, sonorimasto davvero molto sorpreso anche tanto felice! È stata una vera carezza per il mio cuore! Venire in Sicilia x ricevere questo Premio sarà veramente un piacere. Conservo un bellissimo ricordo della Sicilia quandosono venuto a ballare li (un po’ di anni fa!!), sarà per me davvero un piacere tornare! Voglio veramente ringraziare per questa onoreficienzadatami, per me un grande onore, il 12 Dicembre al Teatro Comunale Tina Di Lorenzo a Noto.”

Vincenzo Macario con la sua Macario Eventi ha deciso insieme alla direzione artistica di rendere ancor più completo il Premio Eccellenze della Danza che diventa una vera e propria vetrina per giovani talenti che il 10 e 11 dicembre si esibiranno in una “vetrina coreografica” per le giovani promesse. Quest’anno il Premio si avvarrà di una commissione di critici d’eccezione tutta al femminile composta dalle giornaliste nonchè direttori delle più importanti testate di settore: Francesca Bernabini di DanzaEffeBi, Sara Zuccari durdel Giornale della Danza e Raffaella Tramontano di Campadidanza.

Il Premio Eccellenze della Danza, ha come obiettivo principalela diffusione dell’’arte coreutica ad unpubblico quanto più vasto possibile e far conoscere i personaggi della storia della danza ai giovani tersicorei che studiano questa bellissima arte. Non è solo una assegnazione di premi, ma anche uno spettacolo di danza che vede esibirsi sul palcoscenico i grandi danzatori ospiti.

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Fonte Viva il Teatro

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Fonte Viva il Teatro

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Fonte Viva il Teatro

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La celebre commedia di Edorado Erba, messa in scena per la prima volta in lingua napoletana, affronta un tema quanto mai attuale: la crisi dei teatri sempre più sacrificati per fare spazio a lucrosi mega-supermercati.

Tra esilaranti scambi comici e momenti di profonda riflessione, una storia di amicizia, rivincita e conflitti sociali che è un inno d’amore al teatro.

In una notte infinita e sospesa, due muratori sono al lavoro per chiudere con un muro il palcoscenico di un teatro in disuso: l’area è stata ceduta al supermercato confinante che deve ampliare il magazzino.

È un abuso, bisogna lavorare in fretta, e i due si impegnano con tutte le loro forze per
finire prima che venga il giorno. Ma il teatro è un luogo magico, e profanarlo significa scatenare presenze nascoste, irrazionali, capaci di scavare voragini di emozioni nel cuore dei due ignari manovali.

E così i due muratori sono protagonisti dell’incontro con una enigmatica e sensuale
signorina Giulia che scompiglierà il loro destino e quello del teatro.

Una commedia che alterna momenti comici a momenti poetici, una storia di amicizia, rivincita e conflitti sociali, un inno d’amore al teatro.

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La Tovaglia di Trilussa è uno spettacolo teatrale interpretato da Ariele Vincenti che racconta di come suo nonno Remo, custode dello Zoo di Roma, sia diventato amico del poeta durante le lunghe passeggiate tra le gabbie degli animali.

Una sera Trilussa, ormai settantenne, lo invita per la prima volta a cena in osteria. Tra quintini di vino e sfilatini burro e alici, si entra nella Roma “di una volta” in cui la comicità spontanea, i sani valori popolari e la schiettezza nei rapporti erano il fondamento della vita quotidiana.

La cena segue un percorso di narrazione a doppio binario in cui la poetica pungente ed emozionante di Trilussa, viaggia di pari passo con la sua vita avventurosa: dagli inizi nei caffè concerto, alle lunghe tournée in giro per l’Italia, in Europa e in Sud America.

La sua disincantata ironia, gli amori incostanti, il vino come suo migliore amico, lo sperpero del denaro oltre ad un innato senso di libertà che segnerà il suo rapporto col potere, fanno di Trilussa un poeta con un vissuto unico.

Nonostante scriva in dialetto, il riconoscimento e la stima di tanti intellettuali dell’epoca come Pirandello e De Filippo testimoniano quanto l’arte trilussiana sia entrata di diritto nella storia della letteratura. Le sue poesie più famose, le macchiette, i sonetti, le favole malinconiche sono parte fondante di questo racconto teatrale che vuole restituire a noi, e a Trilussa, il giusto ricordo umano, il doveroso onore artistico, la giocosa e scanzonata maschera del poeta che è stato.

“E’ uno spettacolo popolare, emozionante e divertente in cui – spiega Vincenti –attraverso le parole e aneddoti pubblici e privati del “Poeta di Roma”, racconto una romanità in via d’estinzione. All’apice del suo successo, tutte le donne diRoma lo corteggiavano e file di curiosi gravitavano giorno e notte sotto la sua casa. In vecchiaia purtroppo ebbe problemi economici, ma non rinunciò alleamate cene in osteria. La cosa che mi ha colpito è che quando arrivava il conto,Trilussa scriveva due versi sulla tovaglia di carta mezza unta, la strappava, ladava all’oste e la cena era pagata. Durante le ricerche mi sono reso conto della grande attualità dei suoi scritti che toccano, con metafore sarcastiche, quegli aspetti sociali della politica e del potere che nella Storia sempre si ripetono uguali a sé stessi.”

L'articolo LA TOVAGLIA DI TRILUSSA di e con Ariele Vincenti in scena al Teatro Vittoria proviene da Agenzia Stampa.

Mercoledì 13 ottobre, al Teatro Civico di Alghero, debutta Without Color, trilogia sull’abitare ideata da GRUPPO e-MOTION, con il contributo del Ministero dei Beni delle Attività Culturali e del Turismo, della Regione Abruzzo, del Comune dell’Aquila e Operazione RESTART. La compagnia di danza abruzzese dà vita a una performance introspettiva e contemporanea sulla bellezza della diversità, in residenza presso lo spazio Torretta del Teatro Si ‘e Boi di Selargius e in scena nei teatri della Sardegna il 14 ottobre al Teatro Civico di Ozieri, il 15 alle Caserme Mura di Macomer e il 16 al Teatro Tonio Dei di Lanusei.

Without Color racconta l’universalità delle espressioni emozionali e l’efficacia del linguaggio del corpo. Quattro performer appartenenti a culture diverse si confrontano sulla scena, scoprono le loro differenze e manifestano il proprio stupore attraverso i meccanismi dell’improvvisazione. La partitura gestuale degli interpreti si muove alla ricerca di espressioni vitali, movimenti naturali e dialoghi che costruiscono una narrazione tra il reale, il grottesco e il trascendentale, riscoprendo gli spazi nascosti della mente.

«Si tratta di un progetto pensato e concepito in tanti anni – afferma la regista Francesca La Cava – e nasce dal desiderio di lavorare con dei danzatori di diverse etnie, considerando il mio grande amore per l’Africa. Lo spettacolo è inserito in una Trilogia sull’abitare, inteso anche come dimorare nel proprio corpo. È un approfondimento sul nostro essere e stare nel mondo che comincia proprio dall’epidermide: abitare la propria fisicità significa conoscere e approfondire quello che siamo. Non vuole essere un percorso guidato, non è un lavoro contro un luogo comune o sul razzismo, non ne voglio parlare perché per me è un fatto superato. Vorrei mettere a confronto tutti gli universali, ciò che appartiene a tutti gli esseri umani, i tratti comuni che caratterizzano qualsiasi etnia per arrivare a una contaminazione».

L’esistenza degli universali culturali è spiegabile, secondo molti antropologi, con le costanti fisiologiche che caratterizzano la specie umana: l’esistenza di due sessi, la debolezza fisica dei bambini o il bisogno di cibo. Le differenze fra i corpi vengono rappresentate attraverso la spontaneità dei danzatori che raccontano la loro storia dalla spensieratezza dell’infanzia fino alle consapevolezze dell’età adulta, ironizzando su alcuni stereotipi del pensiero occidentale. «Osservando il corpo – prosegue la regista – scoprono di avere qualcosa in comune. Nella foto di scena tutti i performer sono seduti, mostrano il palmo della mano e la pianta dei piedi ed è possibile notare come queste parti del corpo siano uguali per tutti: la pianta del piede ha lo stesso colore, così come il palmo della mano e i denti. Quello è uno degli universali che abbiamo scoperto lavorando in scena».

La creazione si sviluppa alternando momenti di profonda drammaticità a momenti di ironia e la grande fisicità dei danzatori viene esaltata dalle coreografie, dall’uso della voce e dal suono del corpo, partitura essenziale della performance. La regia e le coreografie sono di Francesca La Cava e la collaborazione artistica è affidata agli interpreti Timothé Ballo, Sellou Blagone, Stefania Bucci e Antonio Taurino. La musica originale di Flavio Pescosolido parte da suoni tradizionali per evolversi in una chiave totalmente elettronica, una “non musica”, un qualcosa che non può essere descritto e che inizia dalla contrazione del respiro, atto di nascita della vita stessa. L’aiuto alla drammaturgia è affidato ad Anouscka Brodacz, e Stefania Bucci è assistente alla coreografia. Le scene e costumi sono di Elisabetta Falqui, il disegno luci di Michele Innocenzi e le foto di Paolo Porto.

GENESI DELLO SPETTACOLO

Without color si concretizza dopo l’esperienza di insegnamento della regista Francesca La Cava all’Accademia Nazionale di Danza a Donko Seko e al Conservatorio di Bamako (in Mali). L’idea e la necessità artistica di lavorare con performer appartenenti a culture diverse si sono fortificate nel corso del tempo e nonostante gli impedimenti legati alla pandemia, nel 2020 si sviluppa un lavoro che approfondisce lo studio del corpo e i meccanismi dell’improvvisazione. La Trilogia sull’abitare inizia con il primo capitolo intitolato Four Generation, un’esplorazione ideale del femminile attraverso quattro artiste che interpretano altrettante generazioni ed età della vita. L’intera performance intende raccontare la normalità dei contrasti, considerando il corpo come una barriera mobile controllata dalle affinità. L’attività laboratoriale diventa dunque uno studio sulle differenze che nutrono l’anima e che divengono rilevanti opportunità di conoscenza.

LA COMPAGNIA

GRUPPO e-MOTION è una compagnia di danza contemporanea con sede a L’Aquila, unica realtà di produzione della danza in Abruzzo finanziata dal Ministero dei Beni delle Attività Culturali. La Compagnia è sostenuta dalla Regione Abruzzo e dal Comune dell’Aquila. La ricerca del gesto e quella personale sono alla base degli spettacoli del GRUPPO e-MOTION, le cui performance sono viaggi poetici e introspettivi all’interno dell’essere umano e della società contemporanea.

INFO E PRENOTAZIONI

13 ottobre | ore 21:00 | Teatro Civico (debutto) – Alghero
info e prenotazioni: 3494127271 – iousaidaniela@tiscali.it

14 ottobre | ore 21:00 | Teatro Civico – Ozieri

prevendite online: www.vivaticket.it

per informazioni: 349.3614263 – riccardo.lutzu@tiscali.it

15 ottobre  | ore 21:00 | Caserme Mura – Macomer

info e prenotazioni:  3715961368

16 ottobre | ore 21:00 | Teatro Tonio Dei – Lanusei

info e prenotazioni: 3388727641 – annarosapistis@yahoo.it

info@gruppoemotion.net | www.gruppoemotion.net

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All’interno della programmazione di Città delle 100 Scale Festival, IN_totheborder andrà in scena al Teatro Don Bosco di Potenza, il 6 e 7 ottobre alle ore 9:30 con due matinée dedicate alle scuole e il 10 ottobre alle ore 17:30, con una replica aperta al pubblico. Il Festival internazionale di danza e arti performative nei paesaggi urbani ospiterà il debutto dello spettacolo ideato e realizzato dalla Compagnia Teatrale Petra con la co-produzione dell’Associazione Basilicata 1799 – Città delle 100 Scale Festival. Un viaggio esperienziale nella fantasia che coinvolge adulti e bambini inserito nel Festival dei 100 scalini, sezione dedicata al teatro ragazzi, in collaborazione con la rete delle Scuole Medie Superiori di I e II grado della città di Potenza.

Una soffitta, un garage, una cantina, un luogo un po’ buio, polveroso e pieno di oggetti diventa un ring di pugilato, una montagna da scalare, una spiaggia assolata, una stazione ferroviaria o un aeroporto e tanto altro. La protagonista inizia a esplorare un nuovo mondo e attraverso i meccanismi dell’immaginazione entra in contatto con la dimensione spaziale e gli elementi che la circondano.

«Abbiamo individuato nel sentimento della paura il principio di ogni cosa, il punto di partenza – afferma la regista Antonella Iallorenzi. Abbiamo avuto modo di sperimentare come davanti a un limite, davanti al nuovo, davanti anche all’ignoto la paura sia centrale, per dare poi vita a un dinamismo fatto di passi in avanti e passi indietro, una dualità di intenti: da un lato la spinta in avanti, la voglia di conoscere, di superare un certo blocco e dall’altra il timore, la forza opposta alla spinta che ti riporta indietro verso ciò che ci appare rassicurante. Lì, nello spazio che si crea tra un passo che avanza verso la curiosità e un passo che retrocede verso la sicurezza di ciò che ci è noto, si sviluppa il nostro lavoro, la nostra analisi».

IN_totheborder fonda le sue basi metodologiche su un processo di co-creazione, generando momenti di ricerca e lavoro nei quali cooperano diversi soggetti. Nella fase iniziale del processo i bambini, tradizionalmente audience di riferimento, ricoprono il ruolo di protagonisti e soggetti attivi nella ideazione della performance, attraverso uno spazio digitale collaborativo, fatto di proposte e idee collettive e condivise. Le limitazioni imposte dalla pandemia sono diventate un’importante opportunità di indagine e gli incontri on-line hanno sostituito workshop di approfondimento e momenti di accompagnamento alle prove.

È nato così un focus group di assistenti alla regia: Alma, Salvatore, Giovanni, Jacopo, Luciana, Niccolò e tanti altri bambini e bambine dai 6 anni in su, si sono interrogati sulle questioni fondamentali, ma anche su quelle pratiche, fornendo spunti determinanti per la genesi dello spettacolo. La visione delle prove attraverso video dedicati e una narrazione guidata hanno permesso un’esplorazione ideale della soffitta e molti dei suggerimenti sono diventati oggetto del lavoro in sala.

La performance rivela il mondo dell’immaginazione attraverso un linguaggio di teatro-danza e video animazione, in un’esperienza immersiva che rinuncia alla comunicazione verbale e dà risalto alla sperimentazione gestuale e video. La regia è di Antonella Iallorenzi, la bambina è interpretata dalla performer e coreografa Mariagrazia Nacci e le musiche originali sono di Mario Pepe e Marco Ielpo. L’ideazione e la cura della scena è affidata all’associazione La luna al guinzaglio e a Stefania Sagarese; video animazione Beatrice Mazzone e light designer Angelo Piccinni.

GENESI DEL PROGETTO

La compagnia teatrale Petra lavora da anni sulla tematica del superamento del limite attivando processi di co-creazione collettivi e condivisi. Workshop, laboratori di teatro sociale, rassegne di promozione del teatro in carcere TEATRO oltre i LIMITI, nella Casa Circondariale di Potenza, sono alcuni dei risultati proposti, che raccontano la demarcazione quale strumento per osservare e oltrepassare la conoscenza. Fra le molteplici iniziative dedicate a bambini/e e ragazzi c’è anche Limits, un progetto di ricerca e produzione artistica destinato a tre diverse fasi di crescita che corrispondono a tre differenti spettacoli (0-6 anni, dai 6 anni, dagli 11 anni). IN_totheborder è la prima performance della trilogia, il cui scopo è quello di esplorare il tema del limite in chiave performativa: limite inteso come non-luogo, come ideale confine di mutazione. Lo spettacolo trae ispirazione da diversi testi di autrici e autori che attraverso linguaggi e forme differenti incontrano in parte o interamente le tematiche affrontate, il silent book Ombra di Suzy Lee, La collezione di Joey di Candace Fleming e illustrazioni di Gérard DuBois, La vita privata degli oggetti sovietici. 25 storie da un altro mondo di Piero Piretto, Antropologia della performance e Dal rito al teatro di Victor Turner.

LA COMPAGNIA

Compagnia Teatrale Petra nasce nel dicembre 2011 a Satriano di Lucania (Pz). Antonella Iallorenzi (direttrice artistica, attrice e formatrice teatrale) e Angelo Piccinni (direttore tecnico), cuore pulsante della compagnia, decidono, forti della lunga esperienza in ambito teatrale maturata nel corso degli anni in Italia e all’estero, di dare vita ad un progetto tutto loro che pur conservando un profilo di respiro nazionale si radica profondamente nel territorio lucano. La compagnia ha infatti scelto di avere le basi in un paese di provincia di 2.400 abitanti, in Basilicata, e nel suo teatro avvia progetti in espansione in ambito nazionale e internazionale, facendo interagire la propria visione artistica con le diverse comunità di riferimento. Diversi i settori di intervento: formazione per bambini/ragazzi, nelle scuole e in luoghi non deputati al teatro, produzione di spettacoli tout public, teatro sociale con rassegne di promozione del teatro in carcere, residenze artistiche e cooperazione internazionale. Petra è uno dei soggetti attivatori del processo di co-creazione di Matera Capitale Europea della Cultura 2019, inserita nel programma ufficiale con il progetto La Poetica della Vergogna co-prodotto da #reteteatro41 e Fondazione Matera-Basilicata 2019 e la produzione originale Humana vergogna, diretta da Silvia Gribaudi e Matteo Maffesanti.

Per info e prenotazioni:

info@compagniateatralepetra.com | +39 3287245860 | www.compagniateatralepetra.com

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La compagnia Emit Flesti presenta Jacques e il suo padrone, pièce teatrale di Milan Kundera, in scena il 5 ottobre 2021 al Teatro Comunale di Pergine – Pergine Valsugana (TN) e il 7 ottobre al Teatro Sanbàpolis di Trento. Lo spettacolo è realizzato con il sostegno dell’Università di Trento – CeASUm, il Centro Servizi Culturali Santa Chiara, ITAS Assicurazioni e con il contributo della Provincia Autonoma di Trento e Fondazione Caritro.

Jacques e il suo padrone, unico testo teatrale di Kundera, è un viaggio dalle molteplici sfumature che attraversa con sfrenata leggerezza amori, avventure, tradimenti e delusioni in un divertissement che racchiude tutto il significato dell’opera. Scritta dopo l’invasione russa della Cecoslovacchia, la commedia è un omaggio a Denis Diderot e diventa per l’autore un vero e proprio “divertimento in tempo di peste”, un modo tutto letterario per esorcizzare i tempi cupi dell’esistenza.

Il buio di un’invasione armata cede il posto alle tenebre dell’incertezza, in un presente pandemico colmo di speranza che può essere alleggerito dalla pienezza dell’arte. Il testo si adatta dunque perfettamente alle dinamiche odierne e diventa un gioco scenico ben articolato in cui sei attori interpretano diciotto personaggi, una prova di incastri che richiama alla memoria la Compagnia della Contessa de I giganti della montagna di Luigi Pirandello.

«Ecco che nell’esilio forzato di Kundera e nel suo vedere le proprie opere all’indice per mano dei russi invasori risuona la situazione attuale – afferma la regista Silvia Marchetti – la situazione di un teatro (luogo fisico e maestranze che lo abitano) che in questi mesi si è sentito a volte dimenticato e non sempre riconosciuto nel suo valore culturale e sociale, prima ancora che artistico; nei carri armati che atterrivano la popolazione cecoslovacca ritroviamo il nostro attuale sgomento legato alla pandemia; e i sei attori sul palco che danno vita a un divertentissimo tourbillon incarnando, da soli, ben diciotto personaggi ci riportano alla nostra voglia (di tutti noi) di vivere, di ridere, di superare le difficoltà, di cercare sempre nuove risorse per rinascere ancora più forti».

Nel progetto di messinscena resta l’ombra della perdita delle sicurezze economiche e di vita, della minaccia di deriva sociale acuita dal distanziamento fisico e sociale, del torpore culturale e intellettuale che da tempo colpisce la nostra quotidianità e avvolge la nostra epoca. Il teatro, inteso come luogo di incontro e conoscenza, restituisce una leggerezza a volte dimenticata, sottolineando l’importanza della creazione di una collettività consapevole, informata e propositiva.

La regia di Silvia Marchetti traduce il buio letterario descritto dall’autore in un’ambientazione altrettanto oscura, colorata dagli attori sulla scena, dalle storie dei personaggi e dal bisogno estremo di consapevoli spensieratezze. Sul palco gli attori della compagnia: Max Meraner, Alessio Dalla Costa, Chiara Visca, Giulio Federico Janni, Marta Marchi e Alessandra Frabetti. Simone Panza è assistente alla regia, la consulenza scientifica è affidata a Massimo Rizzante e Andrea Gagliotta cura la direzione tecnica; i costumi sono di Simona Randazzo, set and light design di PLASMA.

LA COMPAGNIA

Emit Flesti è un luogo di formazione e produzione artistica. Propone corsi collettivi e individuali di formazione teatrale, lettura interpretata, dizione, comunicazione consapevole e teatroterapia. Nasce nel 1996 come compagnia universitaria; nel 2001 diventa associazione culturale, attiva nella produzione teatrale e nell’organizzazione di eventi artistici. Tra le prime produzioni Rosencrantz e Guildestern sono morti (2004) di Tom Stoppard, Le Serve di Jean Genet (2005), Woyzeck Ballad, tratto da G. Büchner, Scene da un matrimonio (2008) di I. Bergman. A partire dallo stesso anno, Emit Flesti si radica ulteriormente nel territorio iniziando a collaborare con enti locali e altre compagnie artistiche.

Oltre alle molteplici produzioni prosegue l’impegno nella formazione: corsi di teatro di livello avanzato per giovani e adulti, per coinvolgere persone che abbiano la volontà e l’intenzione di affinare la tecnica e l’esperienza; continua l’esperienza del Reading Lab, gruppo di lettori semiprofessionisti e continuano i workshop intensivi di alta formazione con insegnanti da tutta Italia. Novità è il percorso della Bottega dell’Attore, un corso intensivo della durata di due anni, per avvicinare gli allievi al mondo del professionismo teatrale.

Info e prenotazioni: 329 5858241 – 349 7515507 | info@emitflesti.it | https://www.emitflesti.it/

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Fonte Viva il Teatro

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Fonte Viva il Teatro

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Fonte Viva il Teatro

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Fonte Viva il Teatro

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Dopo oltre un anno di chiusura a causa della pandemia il Teatro Ambra Jovinelli riapre le porte.

Dal 6 al 9 ottobre si inizia con un evento speciale: Ferzan Ozpetek, regista amatissimo del nostro cinema, si racconta in Ferzaneide – Sono ia!, un viaggio sentimentale attraverso la narrazione dei suoi ricordi, delle suggestioni e delle figure umane che hanno ispirato molti dei suoi film.

Parte dell’incasso delle serate sarà devoluto ad Emergency per ricordare con l’occasione l’impegno straordinario e impareggiabile del suo fondatore Gino Strada.

Note di regia 

Ferzaneide è un viaggio sentimentale attraverso il racconto dei miei ricordi, delle suggestioni e delle figure umane che hanno
ispirato molti dei miei film. Vorrei parlare alle persone che hanno incontrato il mio cinema, ai molti che hanno letto le pagine dei miei tre romanzi, agli altri ancora che hanno ascoltato l’opera lirica delle mie dame straziate d’amore, Aida Traviata Butterfly. Oltre un anno fa ho trasferito dal cinema al teatro le Mine Vaganti a me sempre care. E proprio su Mine Vaganti il sipario all’improvviso è calato dolorosamente.

Adesso riapriamo con le adeguate attenzioni il sipario su quella bizzarra commedia della quotidianità così da riaccendere i riflettori sulla professionalità e il bisogno di lavoro di tanti nostri collaboratori. In un periodo di sconcerto e sospensione, come è stato l’anno trascorso, continuo a pensare ai tanti operatori e protagonisti del panorama teatrale, del palcoscenico in generale ma pure del comparto musicale, che vivono più di altri se possibile la sorte avversa dei tempi, il disagio delle loro famiglie, la condizione critica della precarietà materiale di un lavoro a cui si sono sempre prestati con passione ed entusiasmo.

Anche per questo insieme al produttore Marco Balsamo ho pensato di impegnarmi in prima persona per lanciare un segnale di ripresa di un settore che ha bisogno di sostegno, solidarietà e soprattutto di fiducia. Così come ho pensato alla necessità di sostegno e solidarietà verso Emergency del compianto Gino Strada. Nei prossimi mesi spero di portare questo spettacolo, Ferzaneide, che al momento sarà per alcuni giorni all’Ambra Jovinelli di Roma, in date sparse qua e là in Italia, in teatri grandi così come in altri meno conosciuti.

Questa volta sul palco ci sarò io, io solo, ad incontrare il pubblico con il racconto della mia carriera artistica e del mio sentimento per la vita, la mia e quella degli altri. Nell’amore, nell’amicizia, nello stupore, in tutti quei gesti e luoghi illuminati dalla passione.

Negli anni ho sposato molte cause all’insegna del coraggio. Coraggio. Forse in questa parola è racchiuso il senso di quello che dirò sera dopo sera. Il coraggio di inseguire i propri sogni. Il coraggio di sfidare i pregiudizi. Il coraggio di essere felici. E sperare di tornare, finalmente, ad esserlo di nuovo. A teatro, al cinema, ai concerti, ai musei. Ovunque.

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Ha le parvenze di un thriller “LE REGOLE DEL GIOCO”, il nuovo spettacolo prodotto dalla Compagnia Linea di Confine di Roma, in scena al Teatro Petrolini dal 5 al 10 ottobre 2021.

La storia di un uomo e una donna che un tempo si sono amati e che ora accantonano ogni parvenza di umanità e si affrontano in una resa dei conti illusoria e definitiva. Una tematica particolarmente attuale e drammatica, raccontata con uno sguardo privo di preconcetti, che mette in risalto la metamorfosi di un amore quando si trasforma per uno dei due in disinteresse e poi, per entrambi, in rancore, disprezzo, odio viscerale.

La crudeltà e l’inganno fanno da sfondo a tutta la vicenda, costringendo chi assiste a sospendere e rivedere continuamente il giudizio sull’apparente natura dei personaggi. I due protagonisti, interpretati con emozionante intensità da Marco Aceti e Sara Colelli, magistralmente diretti da Roberto Belli, regista ancora una volta implacabile nel raccontare le virtù e le miserie dell’animo e della psiche umana, trascinano lo spettatore nei meandri di una vicenda serrata e claustrofobica che disturba e fa riflettere.

NOTE DI REGIA

Con questo spettacolo festeggio i miei (primi) 30 anni di attività teatrale ed i miei 16 anni da regista. E mai prima d’ora avevo percepito così evidente il fenomeno, sempre presente in teatro, della “catarsi”, sia in senso aristotelico, ovvero la sublimazione da parte dello spettatore di un evento drammatico in un sentimento di pietà e di terrore insieme, sia in senso psicanalitico, laddove il riaffiorare nella mente del trauma o del conflitto permette al paziente di liberarsene.

“Le regole del gioco” è uno specchio in cui riflettiamo i nostri incubi, la parte peggiore di noi, per uscirne alla fine in qualche modo purificati. Per arrivare a questo risultato è stato necessario un lavoro davvero lungo e faticoso, che ci ha obbligati a fare i conti con i nostri conflitti interiori e con le nostre sovrastrutture che istintivamente ci rifiutavamo di affrontare e demolire.

Il risultato è uno spettacolo senza compiacimenti, politicamente scorretto come sempre deve essere il Teatro quando racconta le virtù e le miserie del genere umano. Per questo voglio ringraziare con tutta la forza di cui sono capace tutti coloro che si sono prestati a mettere a nudo la loro anima senza artifizi né maschere e, assieme a me, hanno costruito questo meraviglioso affresco
di ordinaria follia.

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Fonte Viva il Teatro

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LO SPETTACOLO
Henrik Ibsen scrive “Casa di Bambola” nel 1879, ma le questioni che affronta nel suo spettacolo sono attualissime: dentro a un matrimonio che appare perfetto si scoprono, battuta dopo battuta, problemi profondi non risolti, come l’accettazione dei ruoli dei coniugi imposti dalla società, il significato conferito alla convivenza e alla maternità o il sovrapporsi dell’amore ideale con quello reale. E così, nello scenario idilliaco delle feste di Natale, vissute in famiglia dopo un lungo periodo di difficoltà economiche e di salute, si svelano tutti i piccoli e grandi segreti di casa Helmer, in un’atmosfera che a ogni atto diviene sempre meno festosa e più cupa: è inevitabile essere trascinati nel vortice degli eventi e del finale, ed è più che legittimo domandarsi se la conclusione scritta da Ibsen sia da lodare o da condannare.

LA VICENDA
Sin dalle prime battute del dramma, l’impressione che si ha della protagonista femminile, Nora, è quella di una donna che si comporta come una bambina capricciosa che gioca, si diverte tutto il giorno e si arrabbia per futili motivi, come quando il marito Torvald le proibisce di mangiare dolci. Nora è ricattata da Krogstad a causa di un prestito e di una firma falsa, e ogni sforzo di Nora è volto a risolvere la questione senza coinvolgere suo marito: a tutto sarebbe disposta, persino al suicidio, piuttosto di far pesare su Torvald il disonore di un processo penale. Sotto sotto, però, forse la protagonista desidera che il marito scopra i sacrifici segreti da lei affrontati per salvare la famiglia dalla rovina, e continua a chiamare il momento della fatidica rivelazione dei fatti (e le sue conseguenze) “la cosa meravigliosa”.
Malgrado gli sforzi per tenere tutto nascosto, un’intricata concatenazione di eventi, un’amica d’infanzia che viene a conoscenza dei fatti e la morte di un amico di famiglia inducono Nora a gettare la maschera. La reazione di suo marito, però, non è all’altezza delle aspettative: quando Torvald scopre il fatto, infatti, viene assalito dall’ansia e dal tormento di perdere la propria reputazione e, invece di comprendere che i gesti sconsiderati della moglie erano stati compiuti a fin di bene nel momento del bisogno, dichiara di volerla allontanare dalla cura dei suoi figli, in quanto indegna e pericoloso esempio di deviazione.

Il rischio del processo penale viene scansato da un colpo di scena, e tutto potrebbe finire nel migliore dei modi: Torvald, appena appresa la felice notizia, prorompe esclamando “sono salvo!”, e perdona all’istante sua moglie. Per Nora, però, la vita non può ritornare ad essere quella di prima: è troppo tardi. Tutte le sue illusioni sono state tradite e le sue certezze infrante.

In un discorso inesorabile e durissimo, nel finale Nora dichiara di capire che suo marito non era in realtà quella nobile creatura che lei credeva che fosse e che il suo ruolo in quel matrimonio, durato otto anni, è stato quello di una semplice e bella marionetta costretta a vivere in una “casa di bambola”.

IL RUOLO DELLA DONNA IN PRIMO PIANO
A quasi 150 anni dal debutto di “Casa di Bambola”, è ancora sorprendente come molte donne possano facilmente comprendere le difficoltà affrontate dalla protagonista: Nora, dopo otto anni di matrimonio, si domanda se il rapporto con suo marito sia fondato sul vero amore o su un’illusione, se sia veramente adatta a essere una buona madre e se sia disposta a continuare a vivere nella “casa di bambola” della sua quotidianità. Come chiameremmo, oggi, la sua relazione con Torvald? Forse “violenza domestica”, forse “rapporto disfunzionale” o addirittura “patologico”; ma di certo, quando ci sono di mezzo dei bambini, ogni decisione si fa più difficile. Nora tuttavia non si tira indietro, e decide di voler cambiare vita per trovare la propria strada, anche a costo di abbandonare i figli, e senza accettare compromessi: dal marito non vuole nulla, né denaro, né notizie, né promesse di un futuro insieme. Non accetta nemmeno di aspettare una notte prima di decidere, e abbandona casa e famiglia su due piedi.
Non a caso, il dramma di Ibsen fece molto scalpore, e suscitò nel pubblico reazioni forti e opposte: chissà se gli spettatori del 2021 sono pronti a scandalizzarsi allo stesso modo…

UNO SPETTACOLO PER FESTEGGIARE QUINDICI ANNI DI TEATRO
«Casa di Bambola è per noi una grande sfida» dicono Miriam Ghezzi e Nicola Armanni, rispettivamente la regista e il direttore della compagnia. «Una grande struttura drammaturgica, sentimenti che vanno sulle montagne russe, personaggi così assurdi da risultare perfettamente credibili… e, non ultimo, una profonda riflessione sul ruolo della donna, sull’educazione gender, sul senso dei legami affettivi e familiari.»
Non è il primo testo di letteratura teatrale che La Gilda delle Arti – Teatro Bergamo mette in scena: dall’Avaro di Moliere, a “Molto rumore per nulla di Shakespeare”, da “Il Servitore di due padroni”, “La famiglia dell’antiquario” e “La Locandiera” di Goldoni, tuttavia, il passo è lungo: non più le atmosfere giocose della commedia, ma i toni duri del dramma di fine Ottocento; non più i personaggi stilizzati della Commedia dell’Arte o i monologhi lirici del teatro vittoriano, ma i temi duri e pesanti dei copioni che segnano l’avvento dell’arte contemporanea.

«Mettere in scena Ibsen significa avere il privilegio di lavorare su un pilastro della letteratura teatrale, come amiamo fare con gran parte dei copioni che hanno segnato la nostra produzione; ma vuol dire anche dare un segno forte di discontinuità: abbandoniamo i personaggi mascherati le macchiette di Molière per scavare nel mondo interiore delle paure e delle illusioni e abbandoniamo le riduzioni di un’ora e mezza per assaporare il gusto di un’opera completa.
Ripeto: potevamo celebrare in un nodo migliore il nostro quindicesimo anniversario?

LE DATE
Lo spettacolo andrà in scena alle ore 21.00 al “Teatro Gavazzeni” di Seriate in via Marconi 40 nei giorni di
Venerdì 1 ottobre
Sabato 2 ottobre
Domenica 3 ottobre

NORME COVID
La prenotazione ad ogni evento è obbligatoria: i dati della prenotazione verranno conservati a norma di legge per 14 giorni. E’ obbligatorio l’utilizzo della mascherina e del distanziamento: l’assembramento non è ammesso.
Green pass obbligatorio. Per informazioni e prenotazioni: info@lagildadellearti.it – 3460911169

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Da ottobre ha avvio la terza edizione di “TEATRinSCUOLA” la cui direzione artistica è affidata a Pino Strabioli, attore, autore, conduttore televisivo, regista teatrale che da sempre si divide fra piccolo schermo e teatro.

Il progetto prevede “laboratori di formazione dello spettatore”, rivolti ai giovani delle scuole secondarie di primo e secondo grado, agli insegnanti ed alle loro famiglie ed intende utilizzare il Teatro quale forma artistica di perfetta sintesi per affrontare e approfondire tematiche di interesse sociale e culturale.

L’originalità di “TEATRinSCUOLA” – con la produzione di Alt Academy – è proprio quella di voler far conoscere il teatro, di educare “alla visione”. Sono consolidati, negli istituti scolastici, i laboratori teatrali, che portano i giovani in palcoscenico.

L’obiettivo di questa iniziativa – apprezzata, tanto è vero che sono stati più di 10 mila gli studenti coinvolti – è di portare i giovani in platea.

Il progetto si divide in cinque sezioni (Classica – Assurda – Sociale – Comica – English Theatre) e prevede la rappresentazione di spettacoli, anticipati da laboratori preparatori gratuiti per le scuole. I laboratori hanno lo scopo di illustrare ai ragazzi le tematiche dello spettacolo a cui assisteranno e sono svolti in maniera completamente interattiva per mettere ogni studente nelle condizioni di essere elemento essenziale e di partecipare allo spettacolo in modo consapevole.

In programma tra novembre e dicembre “Pensaci Giacomino” di Luigi Pirandello (Teatro Off Off di Roma), “La lezione” di Eugène Ionesco (Teatro De Servi di Roma), “Panic – giovani paure” di Michele Cosentini (Teatro Vittoria di Roma, Teatro Giuseppetti di Tivoli e Teatro Nestor di Frosinone), “Sempre fiori mai un fioraio!” di Paolo Poli e Pino Strabioli (Teatro Niccolini di Firenze, Teatro Franco Parenti di Milano, Teatro Off Off e Sala Umberto di Roma, Teatro Mancinelli di Orvieto), “Abolite gli armadi, gli amanti non esistono più!” di Maurizio Costanzo (Teatro Off Off di Roma), “Shakespeareshake” di Sveva Tedeschi (Teatro Off Off di Roma).

Finalità di “TEATRinSCUOLA”: contribuire alla formazione del pubblico; creare programmi artistici di supporto alle attività scolastiche istituzionali; raggiungere le periferie e le zone disagiate con la cultura del bello; puntare al superamento dei confini, attraverso la sezione “English Theatre”, abituando quindi gli spettatori alla visione di un testo totalmente in lingua inglese; utilizzare linguaggi creativi nuovi.

I laboratori dello spettatore consentono pure di affrontare temi di attualità come discriminazione, razzismo, bullismo, identità di genere, violenza sulle donne, disabilità; spronando i giovani all’accettazione delle diversità, all’integrazione e al rispetto.

Da sottolineare anche le opportunità lavorative che si offrono ai giovani professionisti del settore dello spettacolo, impegnati nelle rappresentazioni, con progetti nuovi e vicini al mondo della scuola.

Ha osservato Strabioli: “Sono sempre stato affascinato dalla memoria, dall’esigenza di tenere vivo il grande passato e di mantenere in vita le grandi personalità della cultura e della storia dello spettacolo, ma allo stesso tempo ho sempre pensato di dover mettere al servizio delle nuove generazioni di attori e spettatori le grandi esperienze che ho maturato stando a strettissimo contatto con i grandi personaggi della letteratura, della musica e del teatro, per fornire delle solide basi da cui partire per innovare e sconvolgere, con logica e delicatezza, il mondo della scena e delle tecniche spettacolari”.

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Dopo oltre un anno di chiusura a causa della pandemia il Teatro Ambra Jovinelli riapre le porte, proponendo un programma pieno di sorprese, attento alla drammaturgia contemporanea e alla commedia brillante e ospitando grandi nomi del teatro e del cinema. 

Si parte con un evento speciale: il 6 ottobre Ferzan Ozpetek, regista internazionale amatissimo del nostro cinema, che si racconta in Ferzaneide – Sono ia!, un viaggio sentimentale attraverso la narrazione dei suoi ricordi, delle suggestioni e delle figure umane che hanno ispirato molti dei suoi film. 

Parte dell’incasso delle serate sarà devoluto ad Emergency per ricordare con l’occasione l’impegno straordinario e impareggiabile del suo fondatore Gino Strada.

Il 19 ottobre Emilio Solfrizzi porta in scena “Roger”, spassosa commedia interamente ambientata su un campo da tennis scritta e diretta da Umberto Marino, cronaca di un’immaginaria e tragicomica partita tra un generico numero due e l’inarrivabile numero uno del tennis di tutti i tempi.

Dal 26 ottobre un’intensa e magnetica Valeria Solarino affronta il monologo, scritto e diretto da Luana Rondinelli, “Gerico Innocenza Rosa” che racconta con grazia ed ironia una storia come tante di transizione, con il passaggio da Vincenzo a Innocenza Rosa, segnato da incomprensioni, pregiudizi, persecuzioni, rabbia e infine maturazione.

Dal 16 novembre Laura Morante sarà interprete di “Io Sarah, io Tosca”, spettacolo da lei scritto e diretto da Daniele Costantini che narra la vita della celebre attrice Sarah Bernhard nei giorni precedenti il debutto de “La Tosca” di Victorien Sardou, in un flusso continuo di recitazione, azione e musica avvincente, emozionante e divertente.

Il 30 novembre Maria Amelia Monti e Marina Massironi porteranno in scena “Il Marito Invisibile” di Edoardo Erba, un’esilarante commedia sulla scomparsa della nostra vita di relazione. Le due protagoniste ci accompagnano con la loro personalissima comicità in un viaggio che dà i brividi per quanto è scottante e attuale.

Dal 17 al 19 novembre ospiterà un altro evento speciale con il grande ritorno dell’amatissima Drusilla Foer che si esibirà nel suo celebre recital “Eleganzissima” in una nuova versione aggiornata, uno spettacolo tanto ricco di humour quanto commovente: con la direzione artistica di Franco Godi, Madame Foer racconta episodi della sua vita avventurosa e canta le canzoni ad essi collegate, accompagnata da Loris Di Leo al pianoforte e Nico Gori al sax e clarinetto.

Dopo il successo straordinario di critica e di pubblico registrato nella stagione 2019/2020, il Teatro Ambra Jovinelli è lieto di tornare ad ospitare dal 26 dicembre al 2 gennaio “Mine Vaganti”, la prima regia teatrale firmata da Ferzan Ozpetek, adattamento di uno dei suoi capolavori cinematografici che vedrà in scena un cast stellare.

Dal 4 al 9 gennaio Arturo Cirillo dirige e interpreta “Orgoglio e Pregiudizio”, prima riduzione teatrale italiana del capolavoro di Jane Austen firmata da Antonio Piccolo, in una messinscena che ha convinto pubblico e critica per l’efficacia dell’adattamento, la puntualità degli interpreti e le belle suggestioni di scene e costumi.

Dopo il successo di “Le prénom” e “Le regole per vivere”, dall’11 al 23 gennaio Alessia Giuliani e Alberto Giusta portano in scena per la regia di Antonio Zavatteri “Alla stessa ora, il prossimo anno”, una commedia d’amore capace di fare ridere sino alle lacrime, scritta da Bernard Slade, brillante autore canadese.

Dal 25 al 30 gennaio, a grande richiesta, Isa Danieli e Giuliana De Sio, due grandi signore del teatro, tornano a interpretare, dirette da Pierpaolo Sepe, Rosaria e Addolorata, le due sorelle protagoniste dello spettacolo Le Signorine di Gianni Clementi: un testo confezionato per una grande prova d’attrici che ne esaltino l’incalzante comicità.

Dall’8 al 13 febbraio Il Teatro Ambra Jovinelli ospiterà uno degli eventi teatrali più attesi della stagione: Elio Germano e Teho Teardo portano in scena, tra parola e musica, “Paradiso XXXIII”, cimentandosi nell’impresa di condurci in un viaggio attraverso il trentatreesimo canto del Paradiso di Dante Alighieri, condividendo con il sommo poeta la condizione dell’essere umano che prova a descrivere l’immenso, l’indicibile, prova a raccontare l’irraccontabile. Questo scarto rispetto alla “somma meraviglia” sarà messo in scena creando un’esperienza unica, quasi fisica per lo spettatore al cospetto dell’immensità anche grazie alle immagini e agli effetti speciali firmati da Simone Ferrari e Lulu Helbæk, artisti di fama internazionale. 

Dal 17 al 27 febbraio Ambra Angiolini e Arianna Scommegna dirette da Serena Sinigaglia sono le protagoniste de “Il nodo”, scritto della talentuosa drammaturga statunitense Johnna Adams: un racconto intenso e commovente che affronta temi e problemi legati al mondo della scuola nei suoi risvolti più complessi.

Dall’1 al 13 marzo Stefano Accorsi sarà il protagonista di “Storia di 1”, il nuovo spettacolo scritto da Lucia Calamaro e Daniele Finzi Pasca. La regia dello spettacolo sarà affidata all’artista di fama mondiale Daniele Finzi Pasca che da anni si muove contemporaneamente in tre mondi: quello della regia teatrale, delle arti della scena e della clowneria.

Dal 15 al 27 marzo Alessio Boni veste i panni dell’epico personaggio di Cervantes “Don Chisciotte” accompagnato da un peculiare Sancho Panza: l’attrice turca musa di Ferzan Ozpetek, Serra Yılmaz. Lo spettacolo, adattato da Francesco Niccolini e liberamente ispirato all’opera dello scrittore spagnolo, è diretto da Roberto Aldorasi, Marcello Prayer e dallo stesso Boni che è anche autore della drammaturgia insieme a Roberto Aldorasi, Marcello Prayer e Francesco Niccolini. “Don Chisciotte” è un’opera immensa che celebra gli eroi incompresi, coloro che nel corso dei secoli hanno osato avvalersi del sogno e dell’immaginazione ponendosi controcorrente rispetto alle convenzioni sociali e per questo sono stati etichettati come pazzi.

Dal 29 marzo al 10 aprile Sergio Rubini porta in scena, accompagnato dalle musiche eseguite dal vivo da Musica da Ripostiglio, “Ristrutturazione”, scritto dallo stesso Rubini insieme a Carla Cavalluzzi, il racconto esilarante, in forma confidenziale, della ristrutturazione di un appartamento, un viavai di architetti e ingegneri, allarmisti e idraulici, operai e condòmini. Una pletora di personaggi competenti e incapaci, leali e truffaldini, scansafatiche ed operosi fino all’esaltazione che si avvicendano nella vita dello sfortunato padrone di casa stravolgendola senza pietà.

Dal 21 al 24 aprile Lodo Guenzi debutta in “Uno spettacolo divertentissimo che non finisce assolutamente con un suicidio”, di Nicola Borghesi e Lodo Guenzi, per la regia di Nicola Borghesi: un tentativo di messa in scena che parte dalla stand up e si perde in una storia vera. In più storie, vere. L’attore è davanti al pubblico, deve fare il suo show, tocca a lui, è chiamato a portare a termine qualcosa da cui vorrebbe istintivamente fuggire, che è quello che di solito fa, che ha sempre fatto. Una riflessione sul perché si continui a stare sulla scena oggi.

Il 29 e 30 aprile il teatro ospiterà Giovanni Vernia, comico e showman completo, che spazia con disinvoltura dal racconto alla parodia, dal canto al ballo, creando un rapporto col pubblico unico e coinvolgente.

Il 6 e il 7 maggio arriva sul palco dell’Ambra Jiovinelli il Pojana, il celebre personaggio/imprenditore inventato da Andrea Pennacchi e portato alle luci della ribalta a Propaganda Live, nell’irresistibile spettacolo “Pojana e i suoi fratelli”.

Infine dal 13 al 15 maggio un altro grande ritorno: Geppi Cucciari, comica eclettica e vivacissima, porta in scena “Perfetta” scritto e diretto da Mattia Torre, autore televisivo e cinematografico di grande successo e drammaturgo tra i più amati in Italia prematuramente scomparso. Perfetta racconta con leggerezza e umorismo un mese di vita di una donna attraverso le quattro fasi del ciclo femminile. 

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Fonte Viva il Teatro

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Dal 10 al 12 settembre 2021, presso il parco Talon di Bologna, si svolgerà PEREGRINI – A riveder le stelle, un viaggio esperienziale nella commedia dantesca incentrato sul XXXIII canto del Paradiso, a cura della compagnia Theandric con la collaborazione organizzativa dell’Associazione Il Giardino Segreto – Arte e Natura.

Come Dante, l’esperienza performativa intende calare i partecipanti nelle vesti di Peregrini. Il fulcro dell’evento è la camminata meditativa che si snoda seguendo un tracciato definito nel Parco Talon di Bologna, con l’impiego di una tecnica di meditazione che Dante stesso descrive nella sua opera: “Così la mente mia, tutta sospesa, – mirava fissa, immobile e attenta, – e sempre di mirar faceasi accesa”.

La mente tutta sospesa è la ricerca del distacco dai pensieri, la non identificazione con essi, il lasciarli fluire. Lo sguardo fisso per trovare l’immobilità del corpo e la concentrazione sono gli altri elementi che completano la descrizione della tecnica meditativa utilizzata. Così ciascuno vive il viaggio alla ricerca di sé stesso, dando vita e corpo alla Commedia, in un dialogo costante con essa.

Alla fine del viaggio il poeta ritrova sé stesso. La ricerca di sé è ricerca della propria umanità. Il mirar, la vista alla quale Dante allude, è percezione altra, è conoscenza e consapevolezza insieme. Un’esperienza di piacere e godimento, dove non esiste distinzione tra fisico, mentale, psicologico e spirituale; la meditazione non può essere detta ma solo esperita, dagli stadi più semplici all’illuminazione, fino al sentirsi tutt’uno con “l’amor che move il sole e le altre stelle”.

La camminata lenta dei Peregrini modifica la relazione con sé stessi, con l’ambiente, con l’altro, in una moltiplicazione di sguardi, un caleidoscopio di vissuti che si specchiano e si rispecchiano, riconnettendo vita sociale e arte. Ridefinisce le coordinate dello spazio e del tempo mettendo al centro la relazione, quel quid, non oggettivabile, non riconducibile a un bene durevole, cioè un prodotto che possa avere altra vita, entrare in una rete commerciale, oltre il qui e ora dell’accadimento.

Protagonisti della performance sono gli artisti della compagnia Theandric ma soprattutto i partecipanti, “praticanti” o alla prima esperienza, che non sono officianti ma neppure spettatori. Svolgono un ruolo intermedio di partecipanti attivi, consapevoli, che alimentano l’energia della scena vivente, insieme ai professionisti dello spettacolo dal vivo.

PEREGRINI – A riveder le stelle è un esperimento di arte pubblica e condivisa, senza barriere di accesso, con conseguenze dal punto di vista della salute psicofisica dell’individuo, della coesione sociale, della consapevolezza ecologica nel rapporto tra persona e ambiente.

GENESI DEL PROGETTO

PEREGRINI – A riveder le stelle è un evento multidisciplinare nato da un progetto sperimentale sul paesaggio del 2018, dal titolo “PEREGRINI camminate meditative e arte”, che mette a sistema la riscoperta del tessuto urbano con i suoi paesaggi, l’integrazione del tessuto sociale e il coinvolgimento diretto del pubblico nella creazione artistica.

Ideato e curato da Maria Virginia Siriu, regista e direttrice artistica di Theandric Teatro, il progetto si è sviluppato con la stretta collaborazione di Tiziano Cerulli, attore, psicologo, istruttore di mindfulness ad approccio immaginale e di Ilaria Montis, istruttrice di mindfulness, archeologa e guida turistica. Un team con competenze specifiche e complementari che ha reso possibile un work in progress, a cui si sono uniti attori, musicisti, performer.

In questi tre anni ogni tappa ha avuto una caratterizzazione, parole e canti, musica, danze, physical theatre, arti visive. A volte legata a un evento esterno: lo sbarco degli Hibakusha nel loro tour mondiale per la pace e la messa al bando delle armi nucleari, il solstizio d’estate, la giornata internazionale per abolire la violenza sulle donne.

PEREGRINI – A riveder le stelle rappresenta uno stadio maturo del percorso iniziato nel 2018 – ad oggi si sono svolte circa 46 appuntamenti -, portando a compimento le potenzialità del progetto e sviluppando la drammaturgia del viaggio esperienziale nella Divina Commedia.

INFORMAZIONI UTILI AL PUBBLICO

➢ Costo del biglietto: 10 euro.
➢ Per partecipare è necessario prenotare chiamando al numero 340 534 8270 (oppure scrivendo su WhatsApp).

➢ Il punto di ritrovo da cui partirà la performance è l’incrocio tra Via Panoramica e Via de’ Santi antistante il Parco Talon di Bologna (anche detto Parco della Chiusa).

➢ Tutti i partecipanti sono invitati a portare:

• Zainetto e acqua;
• Abbigliamento comodo e scarpe da ginnastica;
• Una stuoia, telo o tappetino per sedersi a terra facilmente trasportabile per l’intero percorso.

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Fonte Viva il Teatro

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Fonte Viva il Teatro

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Grande successo per la IX edizione del Premio Capri Danza International che si è tenuta venerdì scorso, come consuetudine, a Capri nella suggestiva Certosa di San Giacomo. Tutto organizzato magistralmente sotto la scrupolosa direzione artistica del primo ballerino del Teatro San Carlo di Napoli Luigi Ferrone, con il patrocinio e il sostegno della Regione Campania e del Comune di Capri. Ha presentato l’evento la conduttrice e showgirl televisiva volto Rai  Veronica Maya, che ha accompagnato il pubblico caprese in una splendida serata tersicorea, dedicata a una delle più grandi ballerine di tutti i tempi, Carla Fracci.

In apertura le parole del sindaco di Capri Marino Lembo che, insieme al direttore artistico Luigi Ferrone, ha ricordato l’importanza di questo prestigioso evento, oramai un’istituzione sull’isola caprese che accoglie da anni i più importanti ballerini del panorama mondiale. Come avvenuto già nella precedente edizione anche quest’ anno la kermesse ha subito delle modifiche a causa della pandemia. È stato annullato il premio alla critica, al giornalismo e alla fotografia. Non sono mancati però i premi, firmati dall’artista amalfitano Airone, ai coreografi e ai ballerini  che si sono esibiti nel corso della serata.

Il ruolo di padrino di questa IX edizione è stato affidato al celebre ballerino partenopeo Enzo Paolo Turchi, uno dei partner storici della mitica Raffaella Carrà e icona della televisione degli anni ’70, il quale  ha ricordato con emozione gli insegnamenti della grande showgirl italiana che ha ricevuto un premio alla carriera. Ha ricevuto un altro riconoscimento per il suo straordinario contributo alla danza il coreografo internazionale Kristian Cellini, di recente ammirato anche al Teatro del Silenzio di Lajatico e nei prossimi giorni impegnato allo Sferistereo di Macerata, che ha incantato il pubblico con una sua creazione sulle musiche di Chopin interpretata da Sara Borrelli e Salvatore Esposito. Quest’ultimo ha ricevuto il premio Silvio Oddi ovvero il premio alla giovane promessa della danza.

Il premio al merito è stato consegnato al ballerino Nicola Del Freo, ballerino e solista del Teatro della Scala di Milano, accompagnato dalla prima ballerina Virna Toppi con un pas de deux dal titolo Amore e Psiche per la coreografia di Gianluca Schiavoni. Premio al merito anche al ballerino Michal Krcmar etoile del Finnish National Ballet di Helsinki che portato in scena l’assolo Les Bourgeois di Ben Van Cauwenbergh e ai due danzatori primi ballerini della Scala di Milano Martina Arduino e Marco Agostino che hanno eseguito un pas de deux  tratto dal balletto Sylvia di Manuel Legris sulle musiche di Leo Delibes. Emozionante il pas de trois dal titolo Preludes firmato dal coreografo Massimo Moricone che è stato eseguito da Alessandro Macario, Anbeta Toromani e dal il famoso ballerino televisivo Amilcar Moret Gonzalez, anche quest’ultimo premiato per il merito. A Federica e Maria Pia Mauro, direttrici della scuola di danza caprese “L’isola della danza”  è stato consegnato il premio alla divulgazione della danza sul territorio, mentre il premio al Talento quest’anno è stato assegnato al danzatore Lorenzo Stingone che ha portato in scena una sua creazione intitolata Capriccio.

Ha partecipato al gala anche la danzatrice Luisa  Ieluzzi del Teatro San Carlo di Napoli e la Crown Ballet Company   diretta dal Maestro Luigi Ferrone con la partecipazione di Luisa Ieluzzi, Valeria Iacomino, Claudia Bevivino, Luisa Vallozzi, Sara Gison, Sara Borrelli, Irene De Rosa, Tommaso Palladino, Danilo Notaro, Flavio De Vargas, Pietro Valente, Giuseppe Aquila e Danilo Di Leo. La celebre compagnia ha omaggiato il grande compositore argentino Astor Piazzolla, per il centenario della sua nascita. Presente tra gli ospiti in platea anche l’artist manager Antonio Desiderio, che ormai è un amico della prestigiosa manifestazione in cui è stato premiato nel 2018 per il suo grande lavoro nel settore coreutico.

Nonostante le difficoltà legate all’emergenza sanitaria in corso, sia l’amministrazione comunale di Capri che il direttore artistico Luigi Ferrone, sono riusciti a portare in scena uno straordinario spettacolo, carico di arte, talento ed emozioni. Ora inizia la preparazione per la prossima edizione in cui si festeggeranno i dieci anni del Premio.

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Fonte Viva il Teatro

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