Dopo quasi un anno dall’uscita su tutti gli store musicali di FOSCHIA, singolo scritto in collaborazione con ESTER e prodotto da JCX, MARINO torna con il suo  EP, IMBRUNIRE LENTO, che contiene altre tre canzoni, le quali si legano al tema naturalistico-malinconico del singolo, cercando però di dare diverse chiavi di lettura nel rapporto con il “tu” espresso, che mescola le figure dell’amata, della natura e del futuro in una sola persona. Questo EP è solo il punto di partenza personale per una ricerca stilistico-musicale che possa inserirsi nel solco dell’indie-pop italiano, ma con una consapevolezza autoriale capace di imprimere immagini non vacue nell’immaginario dell’ascoltatore. Questa ricerca sta andando avanti da un paio di anni su due linee parallele, che spesso trovano dei punti di intersezione: la prima come cantante solista con il nome d’arte di “Marino”, coadiuvato dai producer e cantanti JCX e dagestan, la seconda come bassista nella band PKR.

CENNI BIOGRAFICI SULL’ARTISTA
Marino Pergher, in arte Marino, nasce a Rovereto (TN) il 22/01/2001. Nutre la sua passione per la musica sin da bambino e sin dalle scuole elementari inizia a suonare la chitarra classica, virando poi sull’elettrica e infine sul basso. Dopo alcuni tentativi di formare una band in età adolescenziale, inizia a collaborare con degli amici in studi “casalinghi”, dove nasce la sua prima canzone, Flowing flowers. Nel 2022 esce  su tutti gli store musicali di FOSCHIA, singolo scritto in collaborazione con ESTER e prodotto da JCX, e che entra a far parte della compilation VERY INDIES 2022, prodotta da MusicBroker.It, distributore musicale DIY, per sostenere la musica indie, fondato da Antonio Meccariello. Nel novembre 2022 esce l’ EP, IMBRUNIRE LENTO,. Questo EP è solo il punto di partenza personale per una ricerca stilistico-musicale che possa inserirsi nel solco dell’indie-pop italiano, Questa ricerca sta andando avanti da un paio di anni su due linee parallele, che spesso trovano dei punti di intersezione: la prima come cantante solista con il nome d’arte di “Marino”, coadiuvato dai producer e cantanti JCX e dagestan, la seconda come bassista nella band PKR. Con i PKR ha iniziato a esibirsi live,. Ha calcato molti palchi trentini e veneti nel 2022, e la volontà è quella di continuare su questa strada, pur mantenendo attivo il progetto solista, più personale.

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“Chiama” è il nuovo singolo di JUICY&RYZZO distribuito da Believe Italia attraverso l’etichetta del Dj e produttore discografico Simone Rossi e la Leon Management Studio.

Ecco una dichiarazione degli artisti sul brano:

“Chiama” è un pezzo nato in modo molto divertente e spontaneo. Siamo tornati a casa da un normale giretto nel nostro paese di campagna (Dorno), eravamo in cantina a casa di Juicy, in realtà molto stanchi e addormentati dalla lunga giornata, ma le ultime forze per mettere un beat le avevamo ancora. Scorrendo tra i vari beat salvati su Yt, ci siamo imbattuti in questo, e juicy trovò subito una melodia di quello che è poi diventato il ritornello con quel “e tu dimmi che…”. Quella melodia ci piaceva talmente tanto che siamo subito entrati nel nostro solito mood, dove, non solo iniziamo a scrivere, ma analizziamo ogni singolo particolare Del beat in modo da poter costruirci sopra il miglior pezzo possibile, dal testo alle sue melodie. Il pezzo non lo abbiamo concluso la sera stessa, ma eravamo talmente gasati al punto di chiamare e svegliare un nostro caro amico per farglielo subito sentire, e nonostante la sua sonnolenza impazzí già dal primo ascolto, definendolo come il nostro pezzo migliore fino a quel momento. Il pezzo è poi stato chiuso ed elaborato con molta calma nei mesi successivi per renderlo il più perfetto possibile per i nostri gusti… tanto che la prima bozza di questo pezzo, risale a 7 mesi fa circa. 

Siamo convinti che ogni cosa abbia il suo tempo, per questo confidiamo nel percorso; questo è un pezzo che ha molto valore per noi soprattutto per il lavoro e la passione che ci sta dietro, ma sicuramente non lo definiremmo come nostro pezzo migliore, stiamo sperimentando in continuazioni vari nuovi generi e avremo modo di far sentire tutto. È J&R.”

Il brano ha raggiunto la Top 10 della classifica nazionale iTunes e una buona popolarità a livello cittadino.

Può sancire l’inizio di un nuovo percorso per i due artisti?

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On air Giungla Virtuale, il nuovo singolo del cantautore Max Contigo.  Il nuovo inedito è il sesto brano ufficiale del cantautore barese, che richiama le belle melodie degli anni 70-80, dalle sonorità funky-pop con un assaggio di rock puro. Scritto integralmente dall’artista è stato prodotto negli studi del producer BBJ, con la collaborazione del chitarrista Nunzio Fazio che ha curato la parte finale con un grande assolo di chitarra.

Ad ispirare Contigo, il mondo odierno che viaggia su itinerari digitali, mettendo a dura prova “l’essere umani”.
«La gente – spiega l’artista – vive costantemente sui social, facendone spesso un uso sbagliato: tende a giudicare l’operato altrui, ma quasi mai fa autocritica. Attraverso un’immensa e fitta “Giungla Virtuale”, sono aumentate sempre più le distanze tra gli individui, senza quasi più rapportarsi fisicamente con il prossimo». «Come i primati ci insegnano ad esprimere i loro sentimenti con i gesti – spiega ancora Contigo – guardandosi dritto negli occhi, anche noi dovremmo provare a riconoscerci, anche solo toccandoci il viso, riprovando emozioni ormai andate, cercando di scendere per un attimo da questa era digitale, per fare ritorno agli albori di un’era ormai andata».

Il brano è stato distribuito dall’etichetta discografica e primo e unico distributore DIY del Sud Italia per artisti indipendenti MusicBroker.It, fondato da Antonio Meccariello.
L’inedito sarà presentato dall’artista, il giorno 11 febbraio 2023, al Monkey Beat Studio come finalista per le importanti vetrine musicali per emergenti “Sanremo Discovery 2023” e “Television Song Contest 2023“.

CENNI BIOGRAFICI DELL’ARTISTA

MAX CONTIGO è un cantautore eclettico creato da un concetto profondo: espressione di fratellanza tra popoli e culture diverse unite da un unico fine: la musica!
Dietro il nome Max Contigo, c’è Massimo Monno, nato a Bari nel 1975 dove vive con la sua famiglia, colonna portante del progetto Contigo. Si definisce un “sognatore dai piedi di piombo”: nella sua anima qualsiasi sogno non deve restare una chimera ma deve essere inseguito, perseverato, raggiunto, senza distruggere quanto di buono è stato fatto per ottenerlo.
Non ha un genere musicale ben definito ma una forte ed unica identità musicale: varia dal pop, funky, dance hall e reggaeton.
Scrive testi musicali da molti anni ma, durante il lockdown pandemico, è esplosa in lui la voglia di esprimere il suo pensiero con la voce, entrando nella mente e nel cuore di chi ascolta la sua musica, trasportando sempre quella positività benefica che ognuno di noi ha bisogno.
Esordisce come cantautore  il 9 Luglio 2019 con il brano Paradiso Panamà un brano dallo stile caraibico che racconta le origini del raggeton con il quale entra a far parte della Compilation Very Indies 2021 che raccoglie tutto il meglio dell’indie italiano e promossa da MusicBroker.It Seguono i brani “Tsunami”, “Rosa Nera” “ Voglio star con te”, “1k Fahrenheit” e “Giungla Virtuale“.

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Dopo svariati singoli usciti dal 2020 in poi, la cantautrice toscana arriva a pubblicare il sesto suo personale singolo inedito intitolato “Ballano Anime”. Un brano con una cifra stilistica diversa dai precedenti: questa volta è una ballad dal ritmo  sofisticato, dal clima dolce e avvolgente, dove ancora stupisce il sound internazionale. Non a caso dietro la produzione del brano ci sono personaggi di rilievo come Ugo Bongianni, produttore e arrangiatore che ha collaborato con grandi nomi come Mina, Celentano e Tiziano Ferro e Colin Leonard che ha masterizzato il brano nello studio Sing Mastering di Atlanta.

«Ballano anime parla di emozioni – afferma Giorgia – che danzano sulla nostra pelle ed emanano un’energia talmente profonda da arrivare fino ai nostri cuori. Queste sono le anime, le anime che ballano. Ti senti felice, invincibile, ma fragile allo stesso momento. Emani una luce dall’interno, capace di illuminare il mondo che ti circonda. Il brano parla di questo…perché quando non sei più solo ma diventi parte di qualcosa di più grande è come una danza e Ballano Anime».

Il video di “Ballano Anime” vuole esaltare la bellezza della storia italiana ed è stato diretto a Roma dal regista Claudio Zagarini con la coreografia di Valeria Ungaro. «Dalla scalinata di Piazza di Spagna, al Pantheon, fino a Piazza del Popolo, volevo portare l’ascoltatore in un viaggio Romano a ritmo di musica dove la danza brilla nella notte – continua Giorgia –  La grande capitale è deserta, illuminata dalle bellezze romane e Anime che ballano. Queste arrivano sulla Terra sotto forma di luce e nella notte viaggiano silenziosamente attraverso le piccole vie romane per poi danzare insieme nei luoghi più romantici della città; dal walzer per le transizioni dolci fino al pop per i momenti piccanti».

Giorgia Giacometti, cantante e cantautrice pistoiese, classe ’96, e manager finanziaria con master in Finanza Internazionale; coltiva da sempre la passione per la musica pop con cui si alterna all’attività lavorativa. Vive parte della sua vita a Miami dove studia musica, canto e si laurea in business internazionale. A Miami scrive le sue prime canzoni in lingua italiana, inglese, e spagnola e produce i suoi primi singoli: il debutto “All’Amore”nella primavera del 2020 a cui segue “Scandal”, pubblicato a novembre dello stesso anno. Entrambi i singoli sono prodotti nel prestigioso studio House of Hits, in collaborazione con Vinny Venditto e Vincent de Leon. Giorgia Giacometti vola poi a Singapore per abbracciare un sound unico e speziato presentato con il singolo “Bandiere Bianche”, pubblicato a marzo 2021, prodotto e registrato con Zendyll Records, in collaborazione con RIIDEM e Claire Chew. La sua ricerca continua e sempre con il team di Singapore nasce il suo nuovo singolo “Scossa”, un brano dalla tessitura pop e clima reggaeton dove primeggia il lato più dolce e sensibile. Il 27 maggio 2022 esce “Bianco Rosso Nera”, realizzata a fianco del produttore e arrangiatore Ugo Bongianni, in collaborazione con Dave Kutch del rinomato studio newyorkese The Mastering Palace. Sempre con Ugo Bongianni nasce il brano intitolato “Ballano Anime”, masterizzato da Colin Leonard nello studio Sing Matering di Atlanta, in uscita il 7 ottobre 2022.

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Fuori sui digital stores dall’29 luglio 2022, per Lunatika Records/ZdB, F.A.B.I., singolo della cantautrice veronese Elvira Caobelli, con il testo della poetessa romana Giuditta Maselli.

F.A.B.I. è il quarto singolo del lungo viaggio chiamato F.A.B.I.O., un progetto fortemente voluto dalla label manager Giulia Massarelli, suggestionato dalla silloge di cinque poesie scritte da Giuditta Maselli e reso possibile grazie al lavoro di Andrea Pettinelli di ZdB.

F.A.B.I.O. è un complesso di cinque lettere, di cinque poesie, di cinque donne sparse per l’Italia che intessono le note di una propria piccola, intima storia.

L’artista Elvira Caobelli in merito al brano F.A.B.I. dichiara:

«Inizio col dire che quando Giulia Massarelli mi ha contattata per questo progetto sono rimasta davvero entusiasta.

Entrare in contatto con nuove colleghe sparse per l’Italia unite da uno stesso scopo è prezioso.

Era la prima volta che musicavo un testo non mio. La prima volta che ho letto la poesia di Giuditta Maselli ho pensato “E adesso? Come faccio a rendere giustizia ad un testo così intimo e sincero?”.

La composizione melodica di quello che poi è diventato il ritornello è arrivata di getto, mentre è stata un’idea di Giuditta quella di inserire il recitato, la ringrazio tanto per questo.

Spero di avere la possibilità di partecipare ad altri progetti di Lunatika in futuro».

BIOGRAFIA

Nata a Verona nel 1992, canta da quando si accorge di poterlo fare. Dopo gli studi di canto e le prime esperienze live, a 20 anni inizia l’esperienza con Maryposh (band  veronese) durata 3 anni e, nel frattempo, inizia ad insegnare canto. Dopo un periodo a Leeds, durante il quale registra 3 brani in inglese prodotti da Luca Fagagnini, inizia la scrittura di brani in italiano grazie al supporto di Veronica Marchi.
A novembre 2020 esce il suo primo disco “Come una palla di cannone”.
Nel 2021 è tra i finalisti di Musicultura con la canzone Grazie a Dio ne Sono Fuori.

Credits

Artist: Elvira Caobelli

Autrici: Giuditta Maselli/Elvira Caobelli

Music: Elvira Caobelli

Mastering: ZdB

Label: Lunatika/ZdB

Distribuzione: Believe

Artworks: Giuditta Maselli

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È NuElle il vincitore del mese di Maggio del contest Very Indies, lanciato da MusicBroker.It, primo distributore musicale “Do It Yourself” del Sud Italia, fondato da Antonio Meccariello.
One Portion of Affection, singolo di esordio di NuElle, è una potente ballad piano e voce, carica di venature Soul, con cui l’artista esprime il profondo desiderio di avere qualcuno da amare. NuElle racconta la paura di non riuscire a trovare quel qualcuno prima che sia troppo tardi e che la propria giovinezza e le proprie energie appassiscano, proprio come un fiore. Proprio per questo si serve dell’immagine della rosa, simbolo di amore e di una bellezza effimera.

Il singolo è stato apprezzato dalla redazione di Very Indies per la sua potenza espressiva pur nella semplicità di un arrangiamento così essenziale che conta solo l’utilizzo del pianoforte e della voce, in aggiunta al fatto che, trattandosi di un brano completamente autoprodotto, rispecchia fortemente lo spirito della community.

Cenni biografici dell’artista

NuElle, nato a Caserta nel 1995, è un cantautore campano cresciuto in una famiglia di musicisti. Il suo primo approccio alla musica è stato attraverso il pianoforte che inizia a studiare in tenera età, ma solo durante gli anni del liceo scopre quello che ritiene essere il suo vero strumento: la voce. Inizia così a coltivare questa passione, accompagnandosi col suo pianoforte e a sviluppare, parallelamente in maniera naturale, un gusto particolare per un tipo di musicalità e di canto legati a una tradizione afroamericana, partendo da Blues, Soul e R&B, passando per il Pop Rock degli anni 70 e 80, fino ad arrivare al Pop più moderno e a tutte le sue varianti.

Nel corso degli anni matura una serie di esperienze tra musica e spettacolo, esibendosi su palchi della campania e in locali, sia in gruppo che in formazione solista, accompagnandosi con la sua tastiera e lavorando in un’agenzia per eventi pubblici e privati in qualità di cantante e intrattenitore. Ha partecipato alle prime fasi di concorsi e talent quali Tour Music Fest, All Together Now e X Factor.

Scrive suoi brani da diversi anni, ma solo di recente ha finalmente deciso di produrli tramite il suo primo progetto artistico. I suoi brani nascono tutti da un’impellente esigenza comunicativa, e i testi spaziano da tematiche legate al bisogno di libertà e di essere se stessi, alla ricerca della propria identità, alle proprie incertezze e alla paura del domani, fino ad arrivare al profondo desiderio di sentirsi amati e alla celebrazione dell’amore stesso. Musicalmente le sue canzoni attingono ai generi R&B, Soul e Pop, e sebbene questo mondo musicale abbia comunemente un’estrazione perlopiù anglofona, la sua ambizione e quella di riuscire a conciliare proprio quelle sonorità con la bellezza della lingua italiana.

Contest Very Indies
Ogni giorno sono tantissimi gli artisti che investono tempo, energie e passione affinché la loro musica venga notata, ma la maggior parte purtroppo si ritrova a fronteggiare una serie di difficoltà.
MusicBroker.It è una piattaforma indipendente che lavora con l’obiettivo di rendere giustizia ai nuovi artisti che si producono autonomamente.
Ha indetto da tempo il contest Very Indies, un progetto che abbraccia la filosofia Punk sostenitrice della libertà artistica al di là di qualsiasi tentativo di contenimento da parte del “grande business” che investe sulla musica solo per denaro e per cavalcare i trend del momento. A marzo 2022 è stata pubblicata anche l’omonima compilation Very Indies 2021 contenente 33 brani dei migliori artisti selezionati tra quelli che lo scorso anno hanno partecipato al contest discografico.

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Il creepy rock torna nel videoclip del nuovo singolo “Concimami” di Pepp1, disponibile da mercoledì 6 luglio.

È disponibile il videoclip di “Concimami”, l’ultimo singolo di Pepp1, uscito 24 giugno per Hukapan Records, label di Elio e le Storie Tese.

Dopo il primo singolo “Latte Fai Da Te”, il “creepy rock” di Pepp1 torna a farsi sentire con “Concimami“.
“Concimami” trasporta in una dimensione di leggerezza in cui la donna, protagonista del brano, sogna “un mondo tutto rosa al profumo di lavanda”. Il racconto è quello di una disputa d’amore che non vede ragione di continuare perchè il cantautore non riesce a resistere alla donna e a fare a meno di lei.

“Un cantautore di stampo creepy rock (Pepp1) è impegnato in una turbolenta sessi1 (pron. sessiuàn) di prove con il suo complesso. Durante una pausa il suddetto artista viene sequestrato da un losco femminiello e condotto in un luogo non identificato. Si susseguiranno momenti di sana inquietudine e picchi di puro amore.”

Pepp1

https://www.instagram.com/pepp1_lagrutta/

Link al videoclip: https://www.youtube.com/watch?v=szmm00MSvjY

CREDITI
Prodotto da Ipnose Studio
Regia: Roberto Delvoi
Fotografia: Nikka Righetti
Macchinista: Alessandro Plebani
Gaffer: Santiago Grampa
Colore: Aldo Bassetto
Make-up: Alexandra Beldea
Foto: Erica Mela Magagnato

BIO
Giuseppe La Grutta in arte Pepp1 (pron. Peppuàn) nasce in quel di Palermo nel 1996.
Inizia a scrivere e a produrre canzoni in italiano durante gli anni del liceo, incidendo a 18 anni il disco “Schizzi d’autore” con il Duo Surreale. In questo periodo si appassiona al concetto di “sana competizi1” (pron. competiziuàn) e vince più concorsi presentando alcuni dei brani composti insieme ad Alessio Arena per l’LP sovracitato.
Dal 2016 vive a Milano, dove si diploma in Basso Jazz presso il Conservatorio G. Verdi con il massimo dei voti dopo un percorso accademico di cinque anni. Nel capoluogo lombardo lavora come bassista con più formazioni jazz e rock, alternando small band ad organici orchestrali.

Scrive canzoni che definisce di genere creepy rock: gli argomenti trattati spaziano infatti da vicende di voyeurismo appassionato al desiderio di morire per indigesti1 (pron. indigestiuàn) di cibo spazzatura, passando per love stories culminate su un binario ferroviario. I riferimenti musicali sono i maestri del rock britannico (The Beatles, The Rolling Stones and The Who), Paul Weller, una manciata di gruppi progressive e Franco Gatti dei Ricchi e Poveri. A livello ideologico costruisce gran parte della propria estetica sulla scelta di sostituire il 1 (uàn) alla desinenza italiana -one. Tale volontà è riaffermata con prepotenza sia nello scritto che nel quotidiano. Da qui la decisi1 incontrovertibile di scrivere questa presentazi1 nel modo finora proposto.

Poco prima della pandemia prende parte a più puntate del programma televisivo “Fantastico” condotto da Lorenzo Campagnari e si esibisce regolarmente presso il locale Ghe Pensi Mi come ospite dello stesso format.
Insieme alla sua band partecipa con il brano “Nathalie” all’edizione 2019 del concorso Fondazione Estro Musicale indetto dallo studio Il Cortile di Milano risultando tra i 15 vincitori su oltre 1200 proposte. A marzo 2021 è nella resident band di “Quelli di Casa Sanremo”, format condotto da Lorenzo Campagnari e Daniela Collu presso il Palafiori di Sanremo nella settimana della famosa kermesse. Nel 2021 registra le sue “canzoni d’amore e di leggero risentimento” presso lo studio Panino di Elio e le Storie Tese. Tutti i brani incisi sono in uscita per Hukapan, l’etichetta del complesso milanese.
A marzo 2022 rilascia il suo primo singolo “Latte Fai Da Te”, una rapsodia progressive con protagonisti tre animali assetati d’amore. Il videoclip realizzato da Roberto Delvoi per il brano ne eleva i lati più creepy.

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Influencer da milioni di visualizzazioni e imprenditore digitale già famosissimo, Max Felicitas è il re di Tik Tok; i suoi video sono sempre divertenti e lui ha all’attivo ben 40 milioni di visualizzazioni ogni settimana!

La sua spontaneità piace tanto e non solo perché è un bel ragazzo, ma anche perché è diretto e spontaneo, senza filtri, o trucchi.

Felicitas ha 30 anni, è originario Friulano, e anche nella sua regione è una vera star, che piace a grandi e piccoli, perché il suo linguaggio è comprensibile da tutti.

Quando gli si chiede perché ha scelto Tik Tok, risponde che la ragione è la velocità di questa piattaforma, che propone contenuti ironici e di grande attrazione per tutti.

Tik Tok è trasversale, le persone si rilassano, guardando i video e si divertono.

Felicitas non usa filtri, né registi, o tecnici luci, è naturale e piace perché è sempre spontaneo. Naturalezza e spontaneità restano le sue filosofie di vita, in tutti i settori della sua vita.

A breve usciranno diversi video con personaggi noti del mondo dello spettacolo e influencer vip.

La gente capisce se il personaggio è finto o vero.

E la fama di questo tik toker è testimoniata dai numeri dei fans e dai suoi guadagni, cifre importanti, che si aggiungono agli ingaggi come testimonial di diversi brand.

L'articolo Il Re di Tik Tok si chiama Max Felicitas proviene da Agenzia Stampa.

Chi dice “a me non è mai successo” mente. Notti insonni, perse nella mancanza e nella nostalgia della pelle di qualcuno. Lettere immaginarie che non consegneremo mai, a cui speriamo che qualcuno dia voce con le parole giuste.

Con “I want you back” i Popular Chic raccontano queste notti solitarie, con la speranza che quel qualcuno torni a condividere l’estate del cuore.

Le strofe rap di Daniele, autore del testo, si alternano al pop melodico della voce calda e potente di Marika; lo strumentale a firma Rebbel è ispirato a Taylor Swift. La ciliegina sulla torta è il tocco urban, che rende questo brano adatto alle playlist estive.

“I want you back” è pubblicato e distribuito da Smilax Publishing.

Ascolta “I want you back” su Spotify

Ascolta “I want you back” su Youtube

Il duo genovese Popular Chic è composto dalla cantante e rapper Marika Mastronardi e dal rapper e autore Daniele La Vittoria.

Crescono entrambi in famiglie di musicisti: Marika, grazie alla zia cantante, già a 12 anni si esibisce nei locali come piano bar, mentre Daniele esordisce su un palco a soli 5 anni durante un live del gruppo dei suoi genitori in cui suo papà è chitarrista e sua mamma cantante.

Crescendo, entrambi continuano a dedicarsi alla musica seppur in generi diversi: Marika studia canto focalizzandosi sul blues, mentre Daniele si avvicina alla danza hiphop e al rap.

Nel 2011 Daniele, dopo anni di animazione turistica in giro per l’italia, decide di mettere in piedi un progetto serio per fare musica inedita. Pubblica allora un annuncio su un giornale locale ed è così che conosce Marika, che nel frattempo è diventata insegnante di canto.

Il duo sceglie il nome Popular Chic per rappresentare sia il contrasto tra i quartieri popolari e quelli lussuosi, sia la fusione tra la musica da strada (il rap) e la musica melodica leggera.

Da allora i Popular Chic hanno pubblicato due album (“Sempre sulla strada”, 2019, pop/rnb edito da Whattamusic e “Liberi di sognare”, 2020, pop, edito da Top Records) e oltre dieci singoli tra il 2016 e il 2022 che spaziano tra il pop, il reggaeton, il latin e l’rnb.

Hanno ottenuto in questi anni una buona visibilità grazie a un’intervista su Radio Rai1 (2013); a livello locale invece, nel 2016 li abbiamo visti in un servizio su Rai3 per TGR Liguria e in un articolo sul Secolo XIX, entrambi relativi al singolo “Genova è mare”. Nel 2018 La Repubblica e il Secolo XIX hanno dedicato ai Popular Chic un articolo riguardante il loro live al Teatro Gilberto Govi di Genova, realizzato come evento di beneficenza per le scuole.

Oggi, parallelamente al percorso musicale come duo, Marika insegna canto, mentre Daniele organizza laboratori rap in alcune scuole primarie e secondarie di Genova, insegnando ai più giovani come scrivere una canzone rap e portandoli poi ad incidere in studio.

Per seguire i Popular Chic sui social: Facebook, Instagram, Spotify, Youtube.

A cura di Francesca Saglia – Music-Alive 2022

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Ancona, 23/05/2022

Dopo qualche mese di silenzio, torna l’autore Vincenzo Rossi, conosciuto anche come Viross, con un nuovo singolo dal titolo “Mio figlio ha gli occhi a mandorla”

Questa volta, invece del consueto sapore nostalgico e malinconico dei suoi brani, caratteristica alla quale ci ha abituato, la canzone risulta allegra e solare a testimoniare la gioia e la bellezza degli occhi, dello sguardo di un bimbo, di un figlio adottivo arrivato dall’altra parte del mondo.

Giunto ormai al settimo  singolo su Spotify dopo un discreto successo di ascolti ottenuto da “Vorrei parole” , ”Prati gialli, tronchi d’albero rossi” e “Mi riporteresti indietro? Pubblicati dal  2020 ad oggi, Viross ci regala questa nuova canzone, la cui dolcezza disarmante non rinuncia  comunque a darci degli spunti di riflessione, soprattutto in questo periodo.

Vincenzo è autore, compositore e produttore dei suoi brani. Realizza in autonomia i video e distribuisce in modo indipendente la sua musica.

Vincenzo sogna, un giorno, di poter diventare autore per altri artisti o di collaborare con etichette discografiche o editori in questo senso.

Mio figlio ha gli occhi a mandorla, stupendi occhi neri, grandi, per guardare il mondo, capirlo un po’ di più…

Inizia così questa canzone, ispirata al mondo dell’adozione internazionale e della genitorialità vuole essere un tributo alla bellezza e alla gioia della famiglia.

Qui il link pre-save del brano: https://distrokid.com/hyperfollow/viross/ mio-figlio-ha-gli-occhi-a-mandorla

BIOGRAFIA

Vincenzo Rossi in arte Viross, autore, classe 1963, cresciuto con i cantautori e le radio libere, chitarrista autodidatta che si ostina ancora oggi nei ritagli di tempo (in verità piuttosto rari) a scrivere canzoni.

Giunto ormai al settimo singolo su Spotify, un intero Lp ( una volta si chiamavano così) su Soundcloud , un brano inserito in una compilation ( quando ancora si vendevano i cd) senza intenzione di smettere, anzi con la dichiarata voglia di continuare a svuotare il cassetto ancora pieno di musica e spolverare le tante emozioni nascoste nel suo cuore.

LINK UTILI

E’ possibile seguire Viross sui suoi profili musicali e social seguendo questo unico link:

https://linktr.ee/viross

CONTATTI

E’ possibile scrivere via mail direttamente a viross4u@gmail.com

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È uscito il 19 Aprile 2022 in tutti gli stores digitali “PRAYER IN THE BATTLEFIELD” l’EP di esordio di CRISTIANO COPPA, insegnante di religione e autore di brani christian metal. Come anteprima sono disponibili i singoli ‘Don’t Fear The Storm’ e ‘In The Heart Of Time’ – di cui sotto trovate i videoclip realizzati da Jimmie Santoni.

Don’t Fear The Storm: 

In The Heart Of Time:

Nel brano omonimo, “PRAYER IN THE BATTLEFIELD” alla traccia nr.7 dell’EP, il crepitio di un fuoco nella notte fa da sottofondo a una melodia medioevale sulla quale si staglia una voce femminile che canta, come un menestrello, di sogni infranti, di anime che vogliono essere liberate e di un campo di battaglia dal quale si innalza una preghiera: quando la corruzione e l’ingiustizia minacciano le sorti dell’umanità e ogni speranza sembra perduta, si accende nei cuori la scintilla divina che dona nuova forza per la lotta spirituale.

Le sette tracce dell’EP sono state registrate e mixate da Sauro Mori, masterizzate da Federico Ascari e si avvalgono del contributo vocale di Nadia Girolamini. La copertina è opera di Pietro Nicusanti, Giuseppe Asciolla e Giacomo Bussaglia, studenti di ACCA Academy (Jesi).

Link AppleMusic

Biografia

Cristiano Coppa è un insegnante di religione, musicista, compositore e cantante italiano di Jesi nelle Marche. Da molti anni la sua vita ruota attorno a due poli: la fede in Gesù Cristo e la musica metal. Dal 2001 al 2011 ha suonato il basso nella metal band fabrianese Death Riders (progetto nato tra i banchi di scuola) con la quale ha pubblicato l’album ‘Through Centuries of Dust‘ per la Lost Sound Records. Nel 2016, per un’ispirazione nata durante la Giornata mondiale della gioventù di Cracovia, ha avviato con alcuni amici il gruppo christian rock “The Branches” di Jesi. Successivamente si è concentrato sul canto e sulla scrittura di brani propri per un progetto nell’ambito del christian metal. “Prayer In The Battlefield” è il suo EP di esordio disponibile dal 19 aprile 2022 in tutti gli stores digitali.

ISRC: QZHN32257362 Etichetta: Autoprodotto

Licenza / Distribuzione: Distrokid Produttore artistico e autore: Cristiano Coppa

INSTAGRAM https://www.instagram.com/cristianocoppa/

YOUTUBE https://www.youtube.com/channel/UCyCbNtb-ZujxyPoaaF-To8Q

FACEBOOK https://www.facebook.com/christianmetal

SEASIDE MUSIC

Emergenti In Adozione – seasidemusic.it

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“Mi piove nella birra”, il brano di Andrea Strange 2° sul podio del Premio Fabrizio De André e tra i finalisti dell’1MNEXT 2022, è disponibile in radio e su tutte le piattaforme digitali dall’1 Aprile.

Il brano racconta la storia di un uomo che osserva il mondo e resta straziato, sconsolato e rassegnato da ciò che vede. Prova ad urlargli contro la sua rabbia e le sue condanne, ma nessuno sembra sentire la sua voce coperta dal rumore del temporale che si avvicina. Ci beve su per consolarsi e non pensare, ma l’orrendo spettacolo a cui assiste lo rende attonito ed inerme, tanto da rimanere immobile sotto la pioggia ormai fitta che finisce per annacquare la sua birra. Ed è proprio questa realizzazione gustativa che gli fa decidere di posare il bicchiere ormai pieno d’acqua, andarsene e distogliere lo sguardo.

«“Mi piove nella birra” è una canzone nata quasi per caso che, ispirata inizialmente da una battuta, prende poi una vena più drammatica. Questa dualità al limite dell’ossimoro è qualcosa di ricorrente nelle mie canzoni.» – Spiega Andrea Strange – «Mi piace e mi dispiace pensare che, alcune volte, ci sia un po’ di quest’uomo dentro tutti noi. Sicuramente ce n’è un po’ in me, soprattutto in questo tragico periodo storico in cui mi viene naturale pensare che quest’uomo stia guardando ad Est.»

Il brano, classificatosi secondo alla XX edizione del Premio Fabrizio De André e tra i finalisti dell’1MNEXT 2022, è stato definito “Un potenziale inno generazionale alt-rock” (Pietro d’Ottavio, Repubblica). 

Un brano che arriva a cavallo tra la Pandemia e l’inizio della guerra in Ucraina, tra case vissute in lockdown e spesso diventate troppo strette per convivere, e quelle case ai confini dell’Europa, dalle quali si è costretti a fuggire. Si tratta di eventi che stanno modificando radicalmente gli atteggiamenti e le abitudini delle persone in tutto il mondo e che hanno inevitabilmente influenzato la scrittura del cantautore romano dalla forte urgenza espressiva. La musica torna ad essere veicolo di messaggi socialmente impegnati, un grido liberatorio ma, allo stesso tempo, introverso. Un talento autorale, quello di Andrea, che trova nella realtà del periodo storico che ci circonda, lo spunto per raccontarci il suo stato d’animo rispetto alle complesse interazioni quotidiane che, a partire dal nostro piccolo, si espandono al mondo intero vittima di un equilibrio fragile e vulnerabile.

Guacamole Press – Promo Radio/Stampa

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E’ già disponibile su tutte le piattaforme di streaming e download online “Perdono”, il nuovo singolo del giovane talento del rap italiano Kero.

“Perdono”, prodotto dal producer riminese KD-ONE, segue l’ottimo riscontro del precedente singolo “Desolé” che conta più di 30mila visualizzazioni organiche su YouTube.

Nonostante la giovane età, Kero vanta già più di 15 mila follower affiatati su Instagram ed i suoi video raggiungono migliaia di visualizzazioni YouTube senza usufruire di alcun tipo di promozione ed i suoi testi parlano di situazioni difficili vissute nel quotidiano. 

Da chi lo critica sostenendo che sia troppo piccolo per i racconti di cui parla Kero si difende affermando: “Dato che siamo in Italia mi sembra chiaro che le prime cose che si pensano di fare siano odiare e giudicare. Non sto qua a farvi leggere i miei poemi. Ho 15 anni e farò parlare la musica, non mi conoscete ancora.”

Mentre lavora a tanta musica, Kero è online con “Perdono” su tutte le piattaforme di streaming e download, con il videoclip ufficiale disponibile sul suo canale YouTube.

Segui Kero su:

Instagram: https://www.instagram.com/kero20148/ 

YouTube: https://www.youtube.com/channel/UCUPr9iWQsx96ZLZ0YIy2yNg 

Spotify :  https://open.spotify.com/artist/0BY7xhioKfbWBEEViq4ds6?si=78asRG6FRyeFA5cWJBAbCw 

Instagram KD-ONE (produttore): https://www.instagram.com/keidiuan 

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Si intitola “”Hallelujah il nuovo singolo di Joe Romano, dal 4 marzo in tutte le radio e digital store per Ondesonore Records in collaborazione con Collettivo Funk e Clockbeats.

Dopo l”ottima accoglienza ricevuta da “Mona Lisa”, brano che vanta il featuring con Saturnino e Riccardo Onori, il giovane cantautore torna con un brano emozionale e coinvolgente, che si muove sui territori del pop più raffinato estendendosi fino a quelli del gospel. 

«Sono generi in cui mi sento particolarmente a casa» – racconta Joe – «Questo brano nasce tra le mura di camera mia, mentre scrivevo 365 canzoni in 365 giorni, una specie di follia! Parla della voglia di ringraziare se stessi e godere dei traguardi raggiunti, che siano piccoli o grandi. Come titolo ho scelto ”Hallelujah“, perché è un inno che possiamo urlare tutti per festeggiare gli obiettivi raggiunti e dire grazie, una parola che oggi si usa veramente poco ma è così ricca da riempire un oceano». 

E aggiunge: «È un viaggio, un percorso per inflazionare una parola di cui dovremmo abusare per essere un po’ meno soli e un po’ più felici. È importante essere consapevoli di intraprendere una strada in cui credere, a prescindere dai deserti e dagli scenari che si stanno lasciando dietro le spalle». 

CHI È JOE ROMANO 

Joe Romano ha 30 anni ed è un cantautore della provincia di Napoli. Dopo una lunga gavetta live nei club, prima come frontman dei The Motel (ex UP3SIDE) poi come solista, ha iniziato a partecipare a contest di importanza nazionale. Nel 2012 è stato tra le Wild Card di Arisa a X Factor, in seguito ha conquistato il secondo posto a Deejay On Stage ed è stato finalista sia del Fiat Music a CasaSanremo che di Una Canzone Per Me di Lodovica Comello. Nel 2021 vince il Byc Sunset Music Contest.

Ha poi pubblicato un Ep autoprodotto dal titolo “Alla Ricerca della Fama-Cità”. L’iniziativa di scrivere 365 canzoni in 365 giorni lo porta ad essere l’artista scelto da Musica Italiana su Clubhouse, per incidere il singolo “Mona Lisa” insieme a Saturnino e Riccardo Onori. 

ASCOLTA HALLELUJAH: www.bfan.link/hallelujah-3
INSTAGRAM: www.instagram.com/joe_romanomusic

CREDITI HALLELUJAH
Testo e Musiche: Biagio Romano, Sebastiano Esposito, Salvatore Lampitelli
Prod e arrangiamento: Sebastiano Esposito
Mix & Mastering: Giuseppe Polito
Backing Vocals: Joe Romano, Sabba, Dan Road, Angelo D’Oria, Silvestro Genovese, Fabrizio Falco
Piano & Hammond: Nikko Ielasi
Thanks to Whizy Boost per la registrazione delle Vocals Track
Etichetta Discografica: Ondesonore Records distribuita da Believe Digital

Edizioni Musicali: Ondesonore Records di Francesco Altobelli – Collettivo Funk di Marcello Sutera – Clockbeats

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“Sembra una storia vera, e un’autostrada sembra una balera
Ti diranno sempre che non sei nessuno, ma tu sorridi con la faccia seria, poi
Chi cerca il lieto fine, è in una strada che è piena di mine
Parli male allora parli e male dici, ma per parlar devi saper mentire”

Questo è il ritornello di Morale è l’ultima pubblicazione del giovanissimo e talentuoso cantautore lucano Kaloxs, fuori dal 25 novembre 2021 per l’etichetta indipendente Epicentro Dischi.
In questo brano l’artista diciassettenne racconta i limiti e le costrizioni che tutti noi ci auto imponiamo spaventati e intimoriti dalle opinioni altrui.
Ci racconta che in fine è importante che ognuno di noi trovi la propria personale morale all’interno di una storia, evitando di essere influenzati negativamente dall’estero.

Mattia Calogero in arte Kaloxs è un giovanissimo cantautore lucano classe 2004.
A soli 8 anni incomincia a suonare la chitarra e a scrivere  le sue primissime canzoni.
L’esordio musicale avviene nel febbraio 2021 con la pubblicazione del suo primo singolo “Costole” e a distanza di qualche mese pubblicherà il suo secondo brano “Dicono”.
Nell’estate 2021 partecipa a vari concorsi musicali suonando i suoi inediti dal vivo accompagnato dalla Kaloxs band.
A novembre dello stesso anno firma per l’etichetta discografica indipendente Epicentro Dischi con cui pubblica il suo ultimo singolo “Morale“.

https://www.instagram.com/mattiakaloxs/
https://open.spotify.com/artist/50A5Zuva0s41d68bc5hkSQ
https://www.youtube.com/channel/UCrw1dLCL6Ww1wpx6eh13f1Q

Epicentro Dischi
https://m.facebook.com/Epicentro-Dischi
https://epicentro-dischi.webnode.it

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S’intitola “Vuoti Amari” il nuovo singolo e videoclip del cantautore italo francese Geoffrey De Vai, disponibile in tutti gli store digitali e piattaforme streaming. Si tratta del secondo brano, dopo “Nasconderai”, ad anticipare il nuovo album “Respira il mio Respiro” previsto per il 10 dicembre 2021 su etichetta Vrec / Audioglobe. Il disco, disponibile anche in formato CD, conterrà 10 brani inediti con ospiti Massimo Luca, Roberto Dell’Era (Afterhours) ed Esa El Presidente.

«“Vuoti Amari: una chiara e forte dichiarazione di intenti, gridata a pieni polmoni. Rappresenta il momento in cui si dice basta, quello della presa di coscienza della strada che si vuole finalmente percorrere lontano, quanto più possibile, dall’altro. Il ritmo incalzante della canzone, caratterizzato in particolare da un “martellante” ostinato suonato al pianoforte, da’ corpo all’idea della determinazione di procedere spediti lungo la propria strada, verso una direzione completamente nuova, senza più voltarsi indietro, memori di quanto facesse male la vicinanza dell’altro» così De Vai racconta la nuova canzone.

Il singolo, come l’intero album, è stato prodotto da Paolo Agosta: registrato e mixato presso il Bunker Studio di Milano e masterizzato all’Ithil Studio di Imperia. La regia e la produzione del videoclip sono a cura di Luca Del Sole di Albaprojekt.

Geoffrey De Vai (Starry Eyes, Bluecaos, Rossomargot) è un cantautore italo francese con all’attivo un primo album solista nel 2014 intitolato “Delicante” (Top Records). Attivo tra Sanremo e Milano, dopo varie collaborazioni entra nel progetto Raging Times, iniziativa internazionale tra artisti italiani e polacchi ideata da Albaprojekt di Luca Del Sole. Con loro  interpreta il singolo “I Wish You”, “Where” e “Grida il mio nome” con ampia rilevanza internazionale. Durante la pandemia ultima la scrittura e registrazione del suo secondo album “Respira il mio respiro” di prossima uscita con la label veronese Vrec.

L'articolo Geoffrey De Vai: il nuovo singolo e video è “Vuoti Amari”. Anticipa “Respira il mio Respiro” il secondo album solista. Domani apre a Le Vibrazioni a Milano. proviene da Agenzia Stampa.

E’ disponibile nei digital stores, su tutti i servizi streaming e nelle sezione “Musica” delle Storie di tutti i Social Netwoks la nuova canzone di Stefania Altomsre dal titolo “T.S.G.”.

“E’ una grande emozione per me, perchè questa è la mia più antica canzone del futuro, ed il futuro è qui ed ora! “ scrive Stefania sui suoi Social

Il nuovo singolo dal sapore Britpop, rappresenta un brano-simbolo del repertorio autoriale di Stefania Altomare ed è un ritorno al Rock Acustico e al semi-analogico dopo le recenti sperimentazioni con l’elettronica e il digital-audio.

Il titolo riporta una citazione di Oscar Wilde : “T.S.G.” fa infatti riferimento alla favola  “Il gigante Egoista” (“The Selfish Giant”) come metafora del non-amore.

Il disco, prodotto e arrangiato da Stefania Altomare, è stato presentato in anteperima il 21 Novembre su Radio San Marino e sarà in onda nel format “I racconti della Sera” di Marco Criscuolo su varie emittenti dal 22 al 27 novembre e su Radio Wueste Wuelle nel programma “La Valigia Di Cartone”  il 28 Novembre.

“T. S. G. è la mia più antica canzone del futuro  nel senso che è stata tenuta a lungo da parte, salvo poi portarla con me in poche ma memorabili occasioni nella sua versione live chitarra e voce racconta Stefania ai microfoni di Radio San Marino

Ho sempre avuto il desiderio di “confezionare” per così dire quindi di registrare e produrre in modo professionale questo brano, e se dovessi avvicinarlo a delle cover che ho sempre tenuto in scaletta potrei avvicinarlo a “Kiss the rain” di Billy Myers, “Truly, madly, deeply” dei “Savage Garden” o a qualcosa degli Oasis…quindi di stampo assolutamente British!

Così come british è anche la citazione di una short story di Oscar Wilde che cito come metaforicamente: ” The selfish giant” (Il gigante egoista)  era infatti un gigante che non conosceva l’amore e per questo non riusciva ad amare.

Ogni volta che volgiamo la testa altrove, ogni volta che voltiamo le spalle all’amore, all’accoglienza, alla condivisione, noi siamo il gigante egoista. “

Stefania Altomare, cantautrice, polistrumentista e producer, è una delle figure del contemporaneo panorama musicale Indipendente con all’ attivo tre singoli in italiano ed un vasto repertorio di brani originali e cover internazionali di recente pubblicazione.

Due volte finalista nazionale dell’ I-Tim Tour Estate (2001 e 2003), già finalista nazionale di Sanremo Rock & Trend (2002 ) e finalista regionale nella città dei Beatles per il contest britannico “Open Mic UK”, nell’epoca del Myspace la sua musica approda su i-tunes nella Compilation Live MI Vol.1 dello staff del Roxy Bar di Red Ronnie (2010).

Stefania Altomare ha debuttato in TV su Italia 1 nel Gennaio 2001 in “Popstar” con Daniele Bossari , “Bande Sonore” con Vanessa Incontrada nel 2001 e “Cosa succede in città” presso gli studi di “Help!” e “Roxy Bar” di Red Ronnie (2004) su Canal Jimmy di Sky .

Ha tenuto concerti in Svizzera, Grecia, Gran Bretagna, ha calcato i palchi delle più prestigiose manifestazioni per Band Emergenti.

Ha collaborato con Giò Di Tonno nel 2005 ed ha aperto i concerti di Edoardo Bennato, Enrico Ruggeri , Niccolò Fabi, Almamegretta.

Ascolta o Scarica  “T.S.G.” , il nuovo singolo di Stefania Altomare: https://bit.ly/tsgstefaltomare

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L'articolo “SE TI CHIEDI” il secondo singolo di MADS in radio e in digitale dal 19 Novembre. proviene da Agenzia Stampa.

Un progetto che si caratterizza per sound fresco, nuovo ma allo stesso tempo meditativo e persuasivo, come un mantra che percorre l’anima e il corpo. Si presenta così Rituals disco d’esordio di Blinding Sphere trio composto da Pietro Rosato al sax tenore, soprano, synth e tin whistle, Alessandro Lunedì alla chitarra elettrica e pedal-bass e Giovanni Facecchia alla batteria. Un Album in cui ogni musicista porta con sé un background musicale diverso incentrato su una solida componente afro-occidentale e sull’improvvisazione in tutte le sue forme. L’aspetto sonoro non si rispecchia nei canonici vincoli ma al contrario trascende la visione puramente stilistica e idiomatica di genere con l’obiettivo di raggiungere nuove vette sonore. In questo modo il jazz e la tradizione afroamericana si fondono in un linguaggio moderno spesso vicino al rock e ad un suono che da un lato non tradisce i suoi natali, dall’altro esplora nuovi territori che vanno al di là delle semplici etichette legate ad un genere ben definitivo. Rituals infatti rappresenta un punto di rottura con gli schemi tradizionali dove spesso le sonorità pure ed acustiche si fondono con un linguaggio contemporaneo, sperimentale senza alcun punto di riferimento. Suoni acustici ed elettrici si collegano dando vita a qualcosa di nuovo che rompe le barriere e va ben al di là di qualsiasi definizione o etichetta.

Blinding Sphere brano che apre il disco è senza dubbio il pezzo che sintetizza al meglio l’anima del trio: il sassofono sinuoso caratterizzato da una melodia ben definita si sposa perfettamente con il tappeto ritmico della batteria per poi lasciare spazio ad una chitarra minimale che piano piano si accende fino ad un’esplosione che culmina in un finale denso di energia. Anything but friends è un brano che contrappone momenti di grande potenza ritmica ed estro solistico ad altri in cui fuoriesce un grande senso melodico con la chitarra spesso in evidenza. Fluss è composto da diversi frammenti dove l’elettronica diventa fondamentale insieme al sax che passa da una linea melodica nitida, cristallina a momenti di improvvisazione pura. Paris days è forse una delle composizioni più lineari di questo lavoro dove il sax prima e la chitarra dopo disegnano una linea melodica sinuosa, diretta per poi sfociare in un solo incandescente che sul finale scende di intensità verso una chiusura aggraziata. Squiggles è anch’esso un pezzo intenso che alterna momenti di grande melodia ad altri decisamente più dinamici, mentre Portrait for Uncle è forse il brano più sperimentale del disco che da un lato appare con un suono dai tratti ancestrali, quasi tribali per poi sfociare in un finale dove si percepisce tutta la potenza del rock.

Ascolta il disco su Spotify
https://open.spotify.com/album/513NeHAyxw01tEXK7ah0ud?si=d66c8fde5aaf4eb1

Track-list
Blinding Sphere
Anything but friends
Fluss
Paris days
Squiggles
Portrait for Uncle

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Altra produzione targata 1901studio, “That Girl” si presenta come un singolo
catchy e poliedrico allo stesso tempo.

All’interno del brano si possono chiaramente sentire varie influenze musicali, dall’hip hop con sfumature d’elettronica ad un pop rock molto dinamico e fresco. Questa struttura musicale è stata resa possibile anche grazie alla versatilità dell’artista, in grado di adattarsi a varie situazioni sonore senza difficoltà.

Nella canzone, la debuttante Alessia Elli ha voluto affrontare una tematica impegnativa: quella del rapporto tossico, ovvero quel genere di situazioni generate da dipendenze affettive, che hanno risvolti complessi e difficilmente gestibili. Un argomento non semplice da affrontare, ma che lei assieme al produttore FJD hanno saputo egregiamente orchestrare, dando al brano un’impronta assolutamente non banale.

Potete seguire e supportare l’artista sui suoi canali social ed ascoltare / acquistare il singolo su tutte le piattaforme streaming e digital store.

L'articolo Esce oggi “That Girl”, il primo singolo della cantautrice Alessia Elli proviene da Agenzia Stampa.

Esce oggi il videoclip ufficiale della title track di quest’ultimo, omonimo progetto di Young Corrado, nome d’arte di Massimo Battistin.

L’ep è disponibile su tutte le piattaforme digitali per OSG Entertainment e distribuito da Believe. Young Corrado vuole mostrare l’attitudine che ha caratterizzato la propria carriera nel corso degli ultimi anni.

Nelle storiche ed imponenti sale del Palazzo Minucci-De Carlo, situato nel comune di Vittorio Veneto in provincia di Treviso, prendono vita le meravigliose scene girate da Omar Breda.

All’interno del palazzo, Young Corrado vive gli affetti personali che furono di Giacomo Camillo De Carlo, il primo 007 italiano, che abitò nella residenza cinquecentesca voluta dal diplomatico della Santa Sede Minuccio Minucci conservando per sé tantissimi tesori e grandiosi misteri.

Nell’assoluto rispetto della storia, nel video si può ammirare la bellezza di un patrimonio eterogeneo e unico nel suo genere. Fra le rime pungenti di Young Corrado, la cinepresa si muove mettendo in mostra argenterie e gioielli, opere d’arte e arazzi, disposti in modo originale da De Carlo, con un risultato finale che nel contesto del video attribuisce autorevolezza.

Il concept rispecchia una fase determinante della profonda trasformazione che Young Corrado racconta nel proprio Ep. Le 6 tracce, scritte durante la pandemia, sono il concentrato di un momento storico complesso: La musica diventa nuova fonte di energia per contrastare la pressione sociale e le insicurezze. Con il brano Trip, che apre il progetto, l’artista interiorizza il proprio contrasto emotivo e si impone dei nuovi obiettivi per superarlo e migliorare il proprio futuro.

Un progetto completo e maturo da due diversi punti di vista: quello personale, che ha riportato l’artista a una nuova fiducia in se stesso di fare del proprio meglio per superare le situazioni difficili, ma anche quello musicale, che ha permesso a Young Corrado di confrontarsi con le diverse sfaccettature del fare artistico.

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Manuel torna con un singolo che sancisce ufficialmente l’inizio di un percorso su un binario diverso, mantenendo le proprie radici e la fedeltà alla tradizione dei liricisti e della vecchia scuola, ma con una veste artistica del tutto nuova.

Già su tutte le piattaforme digitali dallo scorso 13 luglio 2021 per Deposito Zero Studios/Wondermark/The Orchard, esce il 20 luglio 2021 su YouTube lo speciale videoclip de Il Palombaro, il nuovo singolo e il primo a nome Manuel del promettente rapper romano classe 1998.

Sulla produzione è affiancato da Mack, formazione che vede protagonisti il pianista mantovano Federico Squassabia e il batterista forlivese Marco Frattini, coadiuvati dal producer di Deposito Zero Studios Mattia “Matta” Dallara.

Il Palombaro è priorio Manuel, in un viaggio solitario nelle profondità della sua musica, là dove tutto è oscurità.

Con questo brano, Manuel è pronto a risalire in superficie e a riemergere dai meandri oscuri, per la prima volta.

Il brano è accompagnato da un videoclip ufficiale girato presso i Deposito Zero Studios.

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“Ostaggi” (prodotto da Mad Records), primo singolo di Titta, attrice e cantautrice fiorentina, vincitrice del Premio Mogol per il Miglior Testo al Tour Music Fest, è in radio dal 25 giugno. 

“Ostaggi è un’emozione vissuta più e più volte che alla fine ho sentito la necessità di fissare su carta.” – Racconta Titta – “Anzi, Ostaggi è tutte le emozioni che non mi permettevo di provare.”

Il testo del brano, premiato dal Maestro Mogol al Tour Music Fest e diventato il manifesto delle emozioni dell’artista, è nato come uno sfogo per tirar fuori tutte quelle sensazioni che si provano e che, a volte, vengono soffocate attraverso il cibo.

In un brano della durata di 3:32 minuti, Titta racconta moltissimo di sé lasciando intravedere una luce che l’artista ha effettivamente trovato, la luce del cambiamento. 

“Auguro a tutte le persone che si sono sentite, si sentono o si sentiranno così di avere il coraggio di prendere in mano la propria vita e impegnarsi a cambiarla” – Spiega Titta – “Auguro a tutti coloro che ascolteranno Ostaggi riconoscendosi nel testo, di poter scegliere e imparare ad amarsi ogni giorno un po’ di più, perché odiarsi non serve poi a molto. Ma, soprattutto, auguro loro di imparare ad accettarsi per come sono.” 

“Ostaggi” è anche questo: accettazione. Non si può pretendere di cambiare le cose combattendole. 

“Prima devono essere accolte, amate e ringraziate. Solo allora sarà possibile lasciarle andare. Questa canzone rappresenta, per me, l’aver trasformato le paure, la rabbia, la solitudine, l’inadeguatezza e tutti i miei mostri personali in qualcosa di bello per smettere di avere un sorriso di circostanza e sentirmi vera con la consapevolezza che essere se stessi, anche quando ci fa sentire piccoli e sbagliati, è comunque sempre la chiave.” 

CREDITS:

Production: MadRecords 

Lyrics: Letizia Tassi

Music: Silvia Gollini  

Arrangiato, mixato e masterizzato da Silvia Gollini e Marco Gollini (Mad Records) 

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DROGHE è il singolo d’esordio di Fabio Cosimo con TRB rec di Andrea Tognassi – Music Publishing.

Il brano dalle sonorità electro/pop descrive la fine di una relazione ed il senso di vuoto che, logorando nel quotidiano, porta a cercare soluzioni per lenire le ferite, lasciandosi andare all’autolesionismo.

DROGHE è una presa di coscienza ed allo stesso tempo un grido d’aiuto per uscire fuori dalla routine tossica.

Fabio Cosimo, classe ’92, si avvicina alla musica in tenera età, grazie alle influenze paterne. Nel tempo sviluppa un interesse per la musica elettronica, iniziando a sperimentare nelle prime produzioni Techno/Minimal e House.

Durante il periodo universitario inizia a produrre strumentali Hip Hop e Trap, che lo portano gradualmente alla scrittura dei suoi primi testi rap, sotto il nome d’arte Jastemma.

Nel 2021 si lega all’etichetta italiana TRB rec di Andrea Tognassi – Music Publishing con cui pubblica il suo primo singolo DROGHE come Fabio Cosimo, iniziando così il suo nuovo percorso nel panorama indie ed electro pop.

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DORALE IL NUOVO RAPPER DI OLD SKUUL RECORDS DALLE SONORITÀ INTIMISTE E MALINCONICHE PUBBLICA IL SUO SINGOLO D’ESORDIO

“RED SKY”

Il rapper DORALE fa il suo ingresso all’interno dell’etichetta OLD SKUUL Records e pubblica venerdì 18 giugno su tutti i digital store, il suo singolo d’esordio “Red Sky”.

Un artista dalle sonorità intimiste e malinconiche che attraverso le barre tormentate di questo brano, disegna a matita luci ed ombre di un amore focoso e dannato come un cielo rosso, destinato a tramontare e a cancellarsi.

“Red Sky è l’inizio di un progetto, il primo tassello di un mosaico che ritrae una storia d’amore, la mia.” – racconta DORALE – “Una fotografia istantanea nella quale molte persone si riconosceranno e sentiranno coinvolte. Secondo me, la musica deve aiutare a sognare ma allo stesso tempo ad aprire gli occhi, perché è uno dei mezzi di comunicazione più potenti che esistano ed io voglio usarlo nel modo più innocuo, innocente e bello possibile.” – conclude.

Uno pseudonimo, quello di DORALE, che si fonde con il suo progetto artistico, mediante la crasi tra il suo nome abbreviato (Ale) e “Dor”, un termine della lingua rumena che descrive il desiderio gioioso ed impaziente di rivedere al più presto le persone di cui sentiamo la mancanza. Attendere con trepidazione lo squillo del telefono, guardare continuamente l’orologio in attesa di un appuntamento, avere l’impressione che il tempo che ci separa dalla persona che amiamo non passi mai.

“Siamo felici di poter collaborare con DORALE in questo suo primo progetto artistico e ringraziamo Elebiz per aver prestato la sua splendida voce all’inciso.” – afferma Loris Negro, Label Manager di OLD SKUUL Records – “Red Sky è l’inizio di un percorso che toccherà la sensibilità di molti, perché parla del sentimento più universale e potente che esista, l’amore.”

Ascolta il singolo “Red Sky” qui: https://bit.ly/3wDRD1k

DORALE è un progetto artistico che nasce dall’esigenza di raccontare il significato dell’amore secondo l’artista. Ogni singolo sarà come l’episodio di una serie tv. Le liriche di DORALE si discostano dall’ostentazione di stili di vita oligarchici, approdando su esperienze comuni che accadono ogni giorno, in grado di suscitare coinvolgimento ed empatia. 

Link Ufficiali

Instagram: @dorale_official

Spotify: https://spoti.fi/3qa8K8n

Sito Web: https://oldskuul.it/dorale/

Ufficio Stampa & Comunicazione

Alessandra D’Alessandro

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Social:

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Social:

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Atmosfere latine si mescolano a un sound elettronico e un ambiente hip hop per questo singolo che invoglia a ballare e cantare

Non il classico reggaeton estivo per questa canzone influenzata più da sonorità cubane e colombiane, espressione di un clima tropicale che chiama la voglia di cantare e ballare in spiaggia. C’è un mix di ambienti sonori in questo brano, in cui la chitarra latina lascia spazio a un sound elettronico, mentre nelle strofe entra una variazione hip hop.   

«Il brano è stato totalmente autoprodotto, mixato e masterizzato nel mio home studio, ho impiegato tanto a trovare i suoni che mi soddisfacevano. Il tutto era partito con un semplicissimo arrangiamento reggaeton, ma non mi soddisfaceva, volevo qualcosa di diverso che avesse comunque una melodia latina e spagnoleggiante con suoni nuovi». Happy Wolf

Autoproduzione

Radio date: 11 giugno 2021

BIO

Alessandro Lupo, alias Happy Wolf, si rivolge con la sua produzione ad appassionati e musicisti, come quando già da bambino, sotto l’influenza del padre, componeva la sua musica con grande entusiasmo e soddisfazione per condividerla con gli amici. Il nome d’arte nasce dal suo cognome e dal suo carattere solare, sempre sorridente. Ha studiato presso il conservatorio Vincenzo Bellini di Caltanissetta (CL) per quattro anni per poi iniziare gli studi in Musica Elettronica trasferendosi al conservatorio V. Bellini di Catania. 

Contatti e social

Instagram: https://www.instagram.com/happywolfdj

TikTok: https://www.tiktok.com/@happywolfdj

Facebook: https://www.facebook.com/HappyWolfDj

Site: https://www.happywolf.org

Telegram: https://t.me/happywolfdj

Twitch: https://www.twitch.tv/happywolfdj

Youtube: https://www.youtube.com/c/HappyWolfDj

Spotify: https://open.spotify.com/artist/412Zh6SMD3t0Jth830Dt5v?si=cEZG_oFsQ72p91y3cj0X2g 

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Un brano dedicato alla donna dei propri sogni 

Un brano dedicato a tutte le coppie che si amano, scritto pensando a un’immaginaria “lei” non ancora incontrata. 

«Ho scritto questa canzone perché sogno che la vita possa farmi incontrare una persona con la quale avere un’affinità profonda. 
L’ho scritta pensando proprio a lei, la donna dei miei sogni!» Dony Palmy

Come in un sogno, appunto, il mood della canzone vuole essere rilassante, una sorta  di dolce pensiero che accompagna il suo autore in un mondo immaginato e personale, in cui vivere questo ideale incontro con la propria “lei”. 

Autoproduzione

Radio date: 5 giugno 2021

BIO

Dony Palmy è Donato Palmisano, 19enne pugliese di Martina Franca, nella provincia di Taranto.

La passione per il canto lo accompagna fin dall’età di tre anni e ne ha caratterizzato lo studio. Nella sua musica entrano tutte  le sue passioni: le moto, le auto e il volo libero, ma soprattutto la famiglia, il bene considerato più prezioso. 

Contatti e social

Instagram: https://instagram.com/donypalmy?utm_medium=copy_link

Facebook: https://www.facebook.com/PalmisanoDonatoreale/

Youtube: https://www.youtube.com/channel/UCQ20fTPCL-oL6svqWY6R1qQ

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Esce oggi venerdì 11 giugno 2021 il singolo di debutto di DORIAH (fuori per Freak&Chic e in distribuzione Artist First), autore e produttore siciliano di stanza a Bologna.  La canzone ha come pretesto una fantasmatica storia d’amore che si dispiega tra la coscienza di essere capace di tutte la disperazione che deriva da questa forma di libertà, metafora di un mondo stravagante e surreale.

“Maradona è il dio che aleggia in tutta la canzone, simulacro di una libertà a tutti i costi, sorretta da polpacci muscolosi e piedi fatati, una libertà che ha come facce della stessa medaglia notti magiche e autodistruzione.” (DORIAH)

DORIAH è il gesto apotropaico che faresti se un dio ti dicesse che il senso della vita è che la vita non ha senso. Nelle sue canzoni le categorie di ricco e povero, alto e basso, si fondono senza soluzione di continuità dando vita a scenari ambigui, in cui il gap tra le sopracitate categorie non viene colmato con l’ostentazione ma con il
paradosso. Alle collane d’oro dei trapper e ai testi socialmente impegnati dei
cantautori DORIAH preferisce il vuoto valoriale dei nostri giorni esplorandolo nella
sua incolmabilità. L’ambiguità, i confini mai netti dei testi di DORIAH sono
l’ineluttabile “patto col diavolo” in cui si ritrova l’ascoltatore.

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Da oggi è disponibile su tutte le piattaforme digitali “Quel che di vero c’è”, il nuovo singolo di Kevin Peci.

https://spoti.fi/3wfwKtf

Un brano dal sound internazionale che si unisce ad una scrittura pop introspettiva, questo è il mix che caratterizza il nuovo singolo dell’artista romano classe ’95; scritto nel periodo più singolare della nostra esistenza moderna, il lock-down, ripercorre quel senso di costrizione ed immobilità, con la volontà inarrestabile di tornare a vivere la nostra vita a pieno.

“Quel che di vero c’è” l’artista la racconta così: ”Una voglia irrefrenabile di tornare ad apprezzare a pieno la vita, in tutte le sue sfaccettature, senza più provare quell’immobilità indotta da qualcosa di più grande di noi.” – continua – “Ora è il momento di riprendere per mano la nostra vita, riapro finalemente il cassetto delle speranze e dei sogni, che per troppo tempo siamo stati costretti a mettere da parte”.

Percorso artistico, quello di Kevin Peci, che nasce dal talent show di canale 5 “Io Canto” per poi passare alla formazione del gruppo dei “Gimme Five”, dove in età giovanissima si fa conoscere dal grande pubblico, entrando nelle case degli italiani.

Un periodo importante per la sua crescita personale che lo porta, successivamente, a sperimentare generi musicali diversi fino ad arrivare a trovare una sua personale visione ben definita della musica, che fonda le sue radici sul pop internazionale, dove ritrova quella voglia di approcciare alla scrittura con una visione d’oltreoceano, ispirandosi ad artisti top del panorama musicale.

Il progetto è stato realizzato dallo stesso artista e prodotto e mixato da Walter Babbini presso il Purple Mix Studio di Guidonia.

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MrJoy commenta cosi’ il suo nuovo progetto: RespiraGirotondo e’ un inno alla vita, andare avanti senza aver paura degli imprevisti che ti si presentano quando meno te l’aspetti,ie affrontarli con un po’ di leggerezza. E’ un messaggio d’ amore, di positività e di fede. NAMASTE’

Andrea Robicci, in Arte: MrJoy, autore e cantautore milanese, nasce a Milano il 28 giugno 1970.  Anni nel mondo della musica e nell’intrattenimento musicale.
Andrea, sin da piccolo suona il pianoforte, frequenta la scuola di canto e solfeggio.
E’ animatore, dj, Produttore Discografico, Pr.
Si esibisce in numerose piazze italiane come: Tropea, Isola d’Elba, Forte dei Marmi e Viareggio insieme alla sua Band. Canta, non solo COVER ma, anche i suoi brani.
Vanta partecipazioni e collaborazioni con importanti musicisti italiani.
In passato, ha partecipato alle selezioni dell’accademia di Sanremo.
Il fortunato incontro con il Maestro Massimo Luca, chitarrista e produttore di Lucio Battisti, e anche di Annalisa Minetti, Gianluca Grignani, Fabrizio Moro e molti altri.
Realizza il singolo “Doppia faccia” che viene presentato al Palavobis di Milano.
Dopo un anno di esperienze in studio, nasce: “Ma dimmi come fai” distribuito da EMI music.
Partecipa al tour di Radio Italia, a cui segue un nuovo singolo dal titolo “Vivere” prodotto con Gabriele Fersini chitarrista di Laura Pausini, Biagio Antonacci, e Eros Ramazzotti.
Dopo il brano “Io che ho bisogno di te” Andrea, continua nel mondo musicale sia come produttore che come Cantautore.
Oggi, il suo percorso musicale e artistico, lo porta ad essere uno showman nei locali top d’ Italia, dove, con la sua Band e il suo dinner show, intrattiene il pubblico.
Nasce cosi’ Mr Joy, la maturazione e l’esperienza, lo portano a mettersi in gioco.
Un nuovo brano, diverso dai soliti pezzi, e nasce in un momento di meditazione.
Viene registrato in studio, con la partecipazione di alcuni Grandi musicisti del panorama musicale italiano

Titolo: “RespiraGirotondo”, un brano fresco, allegro, con un messaggio spirituale di
positività ( Etichetta G Records )
Attenzione!!! MrJoy sta per tornare ovunque, con il suo nuovo Show.
RespiraGirotondo – video youtube

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Arriva in radio e su tutte le piattaforme digitali “La stessa canzone”, il primo singolo di Francesco Sisch, nato durante il lockdown grazie ad alcune reminiscenze di scene passate vissute che hanno fatto emergere delle parole, delle frasi che a poco a poco hanno costruito quello che è diventato poi il testo della canzone.

Si tratta di un brano che vuole settare un nuovo standard sonoro all’interno dell’ambiente rock italiano. “Frasi legate a scene ormai presenti solo nel passato – dichiara lo stesso artista – intente ad accettare il tempo che passa e a farsi scivolare addosso gesti che è meglio lasciare andare, perché citando Eraclito ‘panta rei’, tutto scorre, pertanto ‘non saremo mai’ dice il testo. Un po’ malinconiche, ma al contempo energiche, le sonorità del pezzo sono influenzate da atmosfere rock pop con molte sfumature new wave, strizzando l’occhio all’onda dell’indie odierno senza scendere a compromessi sonori legati alla tendenza del mercato”.

Francesco Del Giudice, in arte Francesco Sisch, è un batterista, songwriter romano classe ‘86. Appassionato di musica rock, inizia sin da giovane a frequentare la scena musicale romana underground militando come batterista, chitarrista e cantante in varie band locali.

Inizia il suo percorso discografico insieme agli Armaduc&Others Animals incidendo l’EP “In a torquoise living room”; successivamente allo scioglimento del gruppo inizia a collaborare con i Living Image con i quali inciderà l’EP “Optional life” e incide nel 2019 il suo primo album “Afternoon sessions” in qualità di batterista per la band Punk-Rock GreyBlueAshes.

Attualmente milita come batterista nella band Papel con i quali stanno lavorando al loro primo EP. Parallelamente a questo progetto nel 2021 decide di iniziare il suo percorso solista portando alla luce i suoi brani e affacciarsi sulla scena musicale discografica come songwriter, cantante pubblicando il suo primo brano “La stessa canzone” prodotto da Paolo Motta e pubblicato da PM Productions.

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Dal 7 maggio è disponibile in rotazione radiofonica “AD UN METRO DI DISTANZA”, primo brano di MATTEO MAIONE pubblicato su tutte le piattaforme di streaming il 1° maggio.

Distanti, ma uniti dalla voglia di normalità e di vicinanza fisica ed emotiva: questo il senso di “AD UN METRO DI DISTANZA”, brano di debutto di MATTEO MAIONE che veicola un messaggio di fiducia e aspettativa per il domani. Musicalmente l’andamento iniziale è apparentemente cupo nella sua progressione funky, aprendosi poi in un ritornello pop/rock che è una riflessione coraggiosa e, soprattutto, una ricerca di speranza per un ritorno alla libertà.

Questa canzone è nata durante il primo lockdown, in un momento di solitudine, incredulità ma anche paura e impossibilità di fare previsioni sul futuro – spiega Matteo Maione a proposito del nuovo singolo – Ho scelto dunque questo brano come mio primo singolo per l’attualità del contenuto, per il coraggio di voler raccontare, a distanza di un anno, quello che abbiamo vissuto e che ancora stiamo vivendo.

Il videoclip ufficiale del brano è stato diretto e montato dallo stesso artista e vede l’alternarsi di immagini incentrate sul senso di solitudine degli esseri umani e di desolazione dei paesaggi urbani. Questo video si fa metafora del vuoto cosmico e dell’impotenza che ci accomuna e, al tempo stesso, ci divide profondamente.

Biografia

Matteo Maione nasce a Roma il 28/10/1971, e dopo aver vissuto tutta l’infanzia e l’adolescenza a Frosinone, torna nella sua città natale. La passione per la musica è cominciata fin da bambino attraverso lo studio del pianoforte; in seguito, Matteo capisce che quello strumento poteva dargli la possibilità di esprimere sensazioni ed emozioni profonde e sconosciute; da qui le prime improvvisazioni, composizioni, poi l’amore per il cinema e la ricerca di sonorità che potessero essere un connubio armonioso con le immagini.  Infine, negli ultimi anni emerge la necessità di raccontare le esperienze di una vita, trasformando l’esistenza stessa in una grande colonna sonora, in cui la musica fosse il cuore e le parole fossero il racconto lucido ma anche immaginario della memoria e di un presente senza tempo.

Il suo brano d’esordio, dal titolo “Ad un metro di distanza”, è disponibile in digitale dal 1° maggio e in radio dal 7 maggio.

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Da venerdì 28 maggio nelle radio, negli store e sulle piattaforme digitali “TESTA” il singolo di esordio di CHERIF (su etichetta Daco Crew) un brano al passo coi tempi e molto personale.

“Testa” è la storia di un ragazzo di strada pronto a fare di tutto per realizzare i suoi sogni, nel testo Cherif immagina se stesso proiettato nella vita che vorrebbe, cioè, nella sua testa la sua festa!

“Ho scelto questo brano come inizio della mia carriera artistica perché racconta quello che inseguono tutti i ragazzi come me che hanno voglia di farsi valere con la propria arte – dice Cherif –  ho degli obbiettivi importanti in testa e non ho voglia di risparmiarmi per tagliare il traguardo”

Qui il video: https://youtu.be/wTKuhmnv0HM

“Il video è l’espressione del testo – prosegue Cherif – ho voluto raffigurare il niente che accompagna l’inizio di qualsiasi artista che viene dalla strada. Ma, c’è un lieto fine, ovvero la realizzazione del proprio obiettivo e sono contento sia stato girato a Foggia, nella mia città con la regia di Antonio Bratti. Ci tenevo tanto. Nel girare mi sono divertito nonostante i miei continui ma ‘divertenti’ errori. Imparerò col tempo, nel mentre ci faremo due risate quando sbaglio.”

Cherif Romaniello 01/12/2002 in arte Cherif è un giovane artista 18enne, di origini ucraine e ivoriane, nato e cresciuto in Puglia, che attraverso la musica ed i suoi testi esorcizza il suo passato, però rimanendo sempre fedele alle sue origini. La sua musica è predominata da sonorità e temi street, collocandosi nella scena rap/trap italiana; per la sua giovane età il suo stile è ancora malleabile. Questo pregio gli permette di giocare con vari generi, rendendolo un artista camaleontico, pronto a superarsi per affermare il suo nome in tutta Italia e raggiungere le sue grandi ambizioni.

Ed ecco che il 28 maggio su etichetta DACO CREW arriva il primo singolo: “TESTA”.

https://www.facebook.com/MonCherif/

https://www.instagram.com/mon_cherif/

https://www.youtube.com/c/DACOCREW

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Il Gruppo

Cécile è un duo musicale toscano composto da Tommaso Mori e Stefano Sestani, classe ’97 e ’98.

Dal loro incontro scaturisce un’intensa e minuziosa sperimentazione sonora che, in totale autonomia, ha portato a veder ultimato nel 2021 il loro primo Ep, “La Fine della Festa” – in uscita a giugno – dal quale traspare l’influenza dei diversi generi che hanno formato i due musicisti: trip-hop, alternative rock, new wave, synth pop, che sono poi la cifra stilistica che segna la loro intera produzione.

L’eclettismo della band si concretizza in un sound originale e autentico che non intende sacrificare per questo il grande pubblico.

I testi, scritti in italiano, creano intime suggestioni tese a esaltare l’apparato sonoro che si incontra dietro le parole.

Il Singolo

“Secondo Notturno è una canzone d’amore. Un amore duplice. C’è l’amore umano concluso, vittima degli sbagli e consumato dagli anni, col suo lascito di dolore e dolcezza. E poi c’è l’altro amore, quello per la musica, al di sopra del tempo e degli spazi.”

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Malafortuna è il manifesto di Ivan Stray, qualcosa che descrive i disagi, le preoccupazioni, ma che sottolineano i valori, le cose realmente importanti della società.

Il brano nasce nel 2014 dopo un’esperienza a Londra, dove l’artista è andato per lasciarsi alle spalle un periodo sofferto. Tornato a casa Ivan si accorge che le problematiche esistenziali non sono mai realmente andate via , ma che piuttosto ha imparato ad accettarle, affrontarle e a conviverci.

Il brano racconta la disperazione di non riuscire a salvare una società ormai compromessa da quello che ognuno di noi ha visto, ha vissuto, esperienze tanto reali e quasi impossibili da trasmettere ad altri individui.

La collaborazione artistica con Marco Ulcigrai completa quello che la voce di Ivan Stray racconta, centrando in pieno la tristezza elettronica di cui sono scandite le sue parole, la bellezza di sopravvivere ai margini della società, raccontata e vissuta da una persona che è nata nella parte migliore di essa ma non per forza dalla parte giusta.

Biografia

Ivan Cogodi, in arte Ivan Stray nasce nel 1984 sul lago Maggiore.

Sin da giovane sperimenta con diverse band della sua zona fino a maturare la sua personale via di creazione musicale.

Innamorato di musica rock, cantautorato ed elettronica decide di miscelare i generi ottenendo il risultato che lo porta, con l’aiuto del suo amico musicista e produttore Marco Ulcigrai, alla realizzazione di Malafortuna.

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Da venerdì 21 maggio è disponibile in Radio e in tutti i Digital Stores “Il giorno di ieri”, il nuovo singolo della band Apnea che sancisce la collaborazione con l’etichetta Terzo Millennio. Il brano fa parte di un album di inediti che uscirà nel prossimo autunno.

Lontana dall’essere una canzone malinconica, “Il giorno di ieri” nasce dal desiderio di gridare ad alta voce ho bisogno di te come il giorno di ieri, ho bisogno di te, baciami adesso. 

Il videoclip, che ha anticipato l’uscita del singolo nei digital stores, racconta la storia di una coppia che dopo molti anni passati insieme si ritrova in una quotidianità fatta di silenzi che fanno rumore.

Nell’estremo tentativo di riconciliazione, i due protagonisti del video vengono catapultati in un teatro dove assistono all’esibizione di due ballerini. Nella leggerezza e nella bellezza dei movimenti dei due danzatori, la coppia ritrova l’essenza del loro rapporto originale e quello stesso amore che li aveva uniti e a cui decidono di non voler più rinunciare.  

BIOGRAFIA

Apnea è una band attiva da tre anni e formata da Alessandro Guarandelli (Voce), Francesco Antonelli (Basso), Luca Magrini (Chitarra), Andrea Molinari (Batteria / Cori) e Marco Molinari (Chitarra / Cori).

Nell’estate 2019 registrano un EP di 6 tracce, “Private confidenze”, che racchiude l’essenza primordiale della band, un mix di forti emozioni che passa da brani alternativi, come “Aria 8”, “Ossigeno”, fino a raffinate ballad come “Amara”, “E’ tutto vero“.

Estate 2020 pubblicano il videoclip del loro primo singolo ufficiale “Erotica Venere”.

Ad ottobre 2020 Rock Targato Italia li decreta vincitori della 32° edizione; a dicembre esce la Compilation “ROCK TARGATO ITALIA 1987/1992” che, insieme a brani di grandissimi artisti italiani come Vasco Rossi, Litfiba, Afterhours, contiene anche il loro secondo singolo “Poco prima di dormire”.

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Da venerdì 21 maggio è disponibile su YouTube il videoclip di “Uragano”, il nuovo singolo di Rosaspina.

Il giovane cantante milanese ci conduce, ancora una volta, in un viaggio introspettivo in cui il bene e il male combattono e si scontrano in un’eterna ricerca di equilibrio.

“Uragano” nasce dal bisogno dell’artista di raccontarsi senza filtri e dalla necessità di riuscire a discernere il bene dal male.

Il videoclip ritrae nella sua dicotomia il carattere di Rosaspina: un principe buono e addormentato si ritrova a lottare con il suo lato oscuro e ad affrontare i suoi demoni interiori.

L’incantesimo si spezza e Rosaspina, travolto da un uragano di emozioni, risale con forza dall’abisso in cui era precipitato per ritrovare se stesso.  

E ce voluto un incantesimo

 Si per spezzare il sortilegio

E in quel momento l’ho capito finalmente,

che quel che sono sempre stato è sempre solo un uragano

BIOGRAFIA

 Rosaspina è il nome d’arte di Raffaele Vigliotti. Nasce a Rho nel 1994 ma d’estate cresce nel “Giardino Dell’Eden” in provincia di Caserta. In questo posto incontaminato, scintillante e accogliente, il giovane muove i primi passi nel mondo dell’arte, cominciando a scrivere già all’età di 6 anni.

Rosaspina inizia a comporre musica perché sente subito la necessità di riempire il silenzio che lo circonda nelle sue giornate di solitudine, dove il ragazzo gode solo della compagnia di un nutrito gruppo di animali. Non solo gli animali ma anche le piante e in particolar modo il frutteto è fondamentale per la costruzione del suo Io: Rosaspina, per scrivere, prende spunto da quello che mangia, poiché alcuni sapori gli ricordano dei suoni, delle parole, delle frasi. “Ogni parola ha un sapore ben specifico”.

Nel periodo dell’adolescenza, il bisogno di scrivere si fa sempre più sentire in Rosaspina perché sente il bisogno di esternare le sue emozioni, le sue delusioni e le sue ferite interiori ed esteriori, provocategli da altri. Il giardino dell’Eden chiude per sempre sepolto da tonnellate di cemento e Rosaspina si chiude in sé stesso, cominciando a scrivere i suoi testi in inglese per non essere compreso.

Poi la svolta: con il passare del tempo Rosaspina decide di raccontare una parte della sua vita e le emozioni che l’hanno caratterizzata e, per sentirsi vicino a persone che ormai non fanno più parte della sua vita, abbandona l’inglese e si mette a nudo.

Ad ottobre 2020 pubblica “Sette coltelli”, primo singolo in italiano, a cui fa seguire nel febbraio 2021 il brano “Gemelli”.

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Piccoli ma significativi passi hanno segnato l’esordio di Andrea Ascanio, in arte Ascanio,  giovanissimo cantautore Indie, il cui dono è quello di saper usare una quantità smisurata di parole, rendendole melodiche con lo scopo di portare il “suo” messaggio al pubblico. Il 14 maggio uscirà il suo singolo “Riaccendo la tv”, nei principali circuiti digitali e in radio.

Il brano è stato scritto a quattro mani da Ascanio insieme a Rory Di Benedetto e pubblicato per l’etichetta DMB Management. La base musicale dal ritmo pop indie ci porta già in una situazione di buonumore e gioia di vivere, quella leggerezza tipica di un brano allegro ed orecchiabile. Un singolo che ci porta dentro la creatività di Ascanio, in quell’uso fantasioso delle parole legate alla ricerca di un perfezionamento nello stile che tende ad avvicinarsi ad una musicalità alternativa.

Ascanio nasce nel 2003 in provincia di Lecce e come  tutti i bambini della sua età si appassiona subito al calcio insieme ad un forte istinto per la musica. Ben presto capisce che il calcio non sarà il suo futuro, mentre rivolge tutte le sue energie verso il canto. Dopo pochi mesi di studi riesce a superare le selezioni del programma televisivo di Rai Uno “Ti Lascio una Canzone” condotto da Antonella Clerici. Ascanio esordisce sul palco della nota trasmissione quando ha solo 7 anni, facendo parte di un trio e duettando con vari cantanti. La sua determinazione e bravura lo porta a vincere  il “Premio della Critica” e alla fine del programma viene selezionato per una tournée che lo condurrà in America a cantare su palchi molto importanti nelle città di Chicago, Atlantic City, Connecticut e New York. Un’esperienza forte ed il cui ricordo indelebile porta Ascanio a credere ancora di più nel suo sogno. Tra il 2012 ed il 2013 si esibisce in altri programmi televisivi come “Se stasera sono qui” su LA7 presentato dalla comica siciliana Teresa Mannino, ed in altre emittenti,  e partecipa al “XX Concerto di Natale” al Vaticano.

Ascanio intanto prosegue gli studi e cresce rapportandosi in maniera più matura verso la musica, l’ascolto ed il suo pensiero artistico che indirizza verso la strada del cantautorato cominciando a scrivere i suoi primi pezzi. Nel 2019 avviene l’incontro con Rory Di Benedetto produttore, manager e editore che vanta  collaborazioni con numerosi artisti (Marco Mengoni, Zero Assoluto, Anna Tatangelo) e che lo guida verso una scrittura molto più contemporanea e “indie”.  Ascanio ha davvero raggiunto la maggiore età non solo anagraficamente, ma anche come artista: adesso nei suoi brani cerca di descrivere storie ed immagini della quotidianità che lo circonda con un linguaggio semplice ma ricco di metafore azzardate e giochi creativi di parole pronte a stupirci durante l’ascolto.

Contatti social
https://www.facebook.com/andrea.ascanio.988
https://www.instagram.com/sonoascanio/

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È disponibile su tutte le piattaforme digitali “Italiano” (Red Owl Records/Visory Records/Thaurus), il singolo d’esordio di GiAga.

Ascolta su Spotify.

Dopo aver trascorso quattro indimenticabili mesi in Colombia, terra di danze, colori e sorrisi ed aver approfondito la sua conoscenza della lingua spagnola, il talentuoso e brillante cantautore latin pop GiAga approda sulle piattaforme digitali con un brano intriso di sentimento, sensualità e passione.

Nato dalla penna dello stesso artista, “un ragazzo umile con un sogno nel cassetto”, in collaborazione con Made4Fame, il pezzo punta il focus sull’uomo italiano, dissociandosi dalla teoria che lo vuole seduttore e libertino ed abbracciando la tesi di un uomo sì affascinante, avvenente e disinvolto, ma al tempo stesso in grado di essere fedele; un uomo che quando ama lo fa in maniera totalizzante, rimanendo profondamente legato a quell’unica donna al mondo in grado di catturare dolcemente la sua anima.

«Questo pezzo – dichiara GiAga – rappresenta ciò che sono, un inguaribile romantico. Ho voluto rappresentare la mia idea di uomo italiano, un uomo che per quanto possa divertirsi e scherzare con tante donne, se ne ha una nel cuore, amerà sempre e soltanto lei, senza riserve».

Su raffinate e sensuali sonorità da dancehall si posa un testo che miscela magistralmente l’intensità della lingua italiana all’elegante sapore esotico e suadente di quella castellana, evidenziando la versatilità di Giaga e la sua capacità di esprimere emozioni e sentimenti all’interno di una cornice musicale vivace ed insolita, che impreziosisce il brano di freschezza e classe, invitando l’ascoltatore ad immaginare la vita come una danza che intreccia amore e passione.

Ad accompagnare il brano, il videoclip ufficiale, diretto da The Dino Stories e girato nella splendida Villa Renoir di Cerro Maggiore (MI)

Guarda il video.

“Italiano” fa da apripista al debut album di GiAga, in uscita nei prossimi mesi.

Biografia.
GiAga, pseudonimo di Gianluca Longo, è un cantautore urban-latin catanese classe 1994. Appassionato di musica e di sonorità reggae, reggaeton e dancehall, dopo il Diploma si stabilisce a Milano, dove inizia a studiare spagnolo, ma capisce presto che, il solo studio della lingua e la frequentazione di gruppi di amici iberici non è sufficiente per immergersi completamente nel mood e nella cultura tanto amati. Grazie al potere di unione dei social, GiAga conosce dei ragazzi portoricani e parte per la Colombia, trascorrendovi un’indimenticabile full immersion che abbraccia non soltanto la lingua spagnola, ma anche le meraviglia di quei luoghi, dalla costa all’entroterra, fino alla suggestiva Medellin. Ed è proprio nella Città dell’Eterna Primavera che GiAga scopre un mondo costellato di balli, sorrisi e colori; un piccolo universo parallelo che, nonostante le difficoltà della vita, sa trovare spazio e tempo per gioia e gratitudine. Rientrato in patria, decide di mettersi in gioco e sempre attraverso i social viene notato dall’Agenzia Made4Fame, che rimane colpita dal suo talento e dalla sua versatilità. Da quel momento prende il via la sua carriera sotto il nome di GiAga, pseudonimo che Gianluca sceglie in onore della zia Agata, prematuramente scomparsa a causa di cancro, unendo le iniziali dei due nomi propri. Nel 2021 l’artista firma il suo primo contratto discografico con Red Owl Records, sublabel di Visory Records/Thaurus ed in sinergia con la Made4Frame, nel Maggio dello stesso anno pubblica “Italiano”, brano dalle sonorità latin-pop che racconta, in un meraviglioso connubio tra la sua madrelingua e quella castigliana, la teoria secondo cui, per quanto un uomo italiano possa divertirsi e scherzare con tante donne, se prova dei sentimenti veri e cristallini, resterà sempre legato ad una sola persona. Versatile, determinato e sognatore, GiAga è l’emblema del latin pop italiano.

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Dal 14 maggio è disponibile in rotazione radiofonica e su tutte le piattaforme di streaming “HOPE” (BIT Records), brano di debutto di Arianna d’Angelo, in arte Ariannah.

Ispirata dalle sonorità indie/folk americane, “HOPE”, primo singolo di ARIANNAH, nasce dal bisogno di combattere per non perdere l’unica cosa che, soprattutto oggi, riesce a farci sopravvivere: la speranza. Nella canzone questo sentimento assume una sorta di personificazione a cui il protagonista rivolge le sue domande e rivela i suoi sentimenti.
«Ho racchiuso in “Hope” tutto quello che provo e sono felice che quello che ne sia uscito non sia solo una canzone autobiografica – spiega la cantautrice a proposito del suo primo inedito – Credo che ognuno di noi, visto il periodo che stiamo vivendo, possa porsi e trovare le proprie risposte nel testo. L’importante è lasciarsi guidare dai sentimenti ogni tanto».

Biografia
Ariannah, pseudonimo di Arianna D’Angelo, è una cantautrice abruzzese anno ’96. Avvia il suo percorso musicale come chitarrista, dopo qualche anno compone i primi inediti e pubblica live acustici su YouTube che riscuotono successo in breve tempo. Apre i concerti di artisti nazionali come Arisa e Rossana Casale. Ariannah riesce ad emozionare con la sua sensibilità e semplicità. Ciò che la rende particolare è il suo timbro chiaro e il suo stile di scrittura versatile e riconoscibile. Nel 2018 è co-conduttrice del programma “People Move”, di cui scrive la sigla, sul network radiofonico “Radio Studio Più”. Collaborando con il produttore Sandro Odoardi (compositore di singoli come “Love Shine”, ha lavorato con: Andrea Love, Carl Fanini, Roby Santini e remixer per Fabrizio Moro), pubblica “Fuori Tempo” e partecipa a progetti musicali dance che le aprono il mondo verso la scrittura in inglese. Ariannah reinterpreta la hit “Any Love” e scrive “By your Side” arrangiata da Pieradis Rossini e Sandro Odoardi. Durante il lockdown registra e pubblica la cover “Times Like These” dei Foo Fighters attirando l’attenzione della rivista online “MusicOff” che le dedica un articolo. Il brano di debutto di Ariannah, dal titolo “Hope” (BIT Records), è disponibile in radio e in digitale dal 14 maggio 2021.

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Tra i monti della Laga, a 936 metri di latitudine, c’è un luogo inesplorato, dove il tempo si svuota di significato, e diventa un foglio bianco da riscrivere. Scrivere il senso del tempo non è poi così difficile se ti ricordi di esser mano e non penna.

Comunque il trucco è fidarsi dei DRAGHI. Sei hai voglia di volare, correranno sempre in tuo aiuto. Come le stelle, nel buio.

Credits
Testo e musica di MASEENI
Suonato da MASEENI
Basso: Marina Cristofalo (appare per gentile concessione di Garrincha Dischi)
Prodotto da MASEENI e Francesco Conte
Missato da Jesse Germanò @ Jedi Sound Studio, Roma
Masterizzato da Filippo Strang
Tequila: Luciano

Chi è MASEENI?
“MASEENI sono io. Mio padre non è un cantante. Dal 1994 ho il cuore diviso in due, una parte puzza di cemento e l’altra profuma di letame. La strada che amo di più al mondo è la SS4, poiché riesce a collegare le mie due fonti di ispirazione: Il Caos della città e il Caos della natura. Roma e Amatrice. Queste sono le mie radici. Mi hanno formato, ispirato, traumatizzato e fatto innamorare.

Tra i monti della Laga ho stretto amicizia con i draghi che mi hanno insegnato a volare. Volare è utile, soprattutto a Roma, d’estate, quando il Lungotevere si perde nel traffico. No? Comunque sia il segreto è non fermarsi, continuare a fare avanti e indietro sulla statale, andare e rimanere a bocca aperta quando la vetta di Pizzo di sevo si presenta di fronte a te senza preavviso o quando da lontano le luci della città ti dicono che ci sei quasi.”

Contatti e social:

Facebook: www.facebook.com/maseenimusic
Instagram: https://www.instagram.com/maseenimusic
Tik Tok: www.tiktok.com/maseenimusic
Ufficio stampa: press@portorecords.com

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Band: Gassa d’amante
Titolo Album: Cose Strane
Pubblicazione Album: 12/02/2021
“Cose Strane” album d’esordio dei Gassa D’Amante.

“Cose Strane” è il primo album dei Gassa d’amante, risultato di un intenso anno di lavoro.

Tracklist:

1. Onirica
2. Cose strane
3. Distante
4. I cieli di Magritte
5. Cambio umore
6. Il mondo immobile
7. Quello che resta

Fin dall’inizio la band ha voluto fortemente apportare un sound anni ‘80 all’intera produzione, guidati dalla passione per band e artisti come Stadio, Matia Bazar, Battiato ma anche Kavinsky e White lies.

Le tematiche affrontate nell’album sono quasi tutte nate durante il Lockdown, periodo in cui la solitudine ha portato spunti di riflessione personali, malinconie di un voler “tornare” a quelle fantasie che avevano caratterizzato l’infanzia dell’intera band, come anche una forte sensazione di voler cambiare e andare avanti. Il titolo nasce quindi da questo richiamo agli anni ottanta, parafrasando “Stranger Things” (serie emblema di questo argomento), e la voglia di sognare e vivere una nuova vita, con tutte le sue Cose Strane.

BIO

La band nasce da un’idea del chitarrista Roberto Iorio che, nell’estate del 2019, inizia a lavorare sulla prima stesura musicale del singolo d’esordio “Onirica”. Subito dopo si aggiunge al lavoro il cantante Marco Antonio Sergi, che collabora anche alla stesura dei testi. Nei mesi seguenti entrano a far parte del progetto il chitarrista Daniele de Sapio e il batterista/tastierista/producer Fabio De Angelis (Fabyan). Tutti i componenti, con il proprio bagaglio di esperienze, contribuiscono a completare l’arrangiamento del brano. I quattro musicisti hanno esperienze musicali e artistiche molto diverse, partendo dall’hard rock fino ad arrivare al pop, con una concezione comune molto introspettiva, sia del modo di scrivere che di quello di comporre. “Onirica”, il primo singolo in radio dal 26 giugno, è il punto di accordo e di partenza che segna lo stile della band. Successivamente la band pubblica due singoli “Cambio Umore” e “Cose Strane”, quest’ultimo sarà Title track del primo album dei Gassa d’amante che vede la luce il 12 Febbraio 2021. Un album interamente scritto e sviluppato durante il periodo del lockdown generale. La sfida è stata quella di miscelare un taglio cantautoriale alternative-pop con sonorità synth-wave 80’s.

I Gassa d’amante sono:

Marco Antonio Sergi, voce e basso elettrico;

Roberto Iorio, chitarre;

Daniele de Sapio, chitarre;

Fabio De Angelis (Fabyan), produzione/batteria, tastiere e Synth;

Edizioni: Gassa d’amante

Prodotto registrato e missato da Fabio De Angelis (Fabyan)

Zona: Roma e Provincia

Contatti e social:

https://www.instagram.com/gassa_damanteofficial/

https://www.facebook.com/gassadamanteofficial

https://www.youtube.com/channel/UCIWjTrzIb2fI868tk4RaRzg

https://open.spotify.com/artist/6QJshE70gyUXWJpSmnJe2I?si=knlmMauRRSyaHwd6VDnP_Q

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Progetto realizzato con il supporto del concorso canoro NOTE D’ESTATE  www.notedestate.it

“IL VOLO DELLE SEI” è una ballad romantica interpretata dalla splendida voce di Giada Miccoli. Il brano caratterizzato da un intenso crescendo di archi e pianoforte racconta di un grande amore da inseguire e delle occasioni da prendere al volo seguendo l’istinto e mettendo al primo posto i sentimenti.

Scritta da Niccolò Verrienti, Giulia Capone e Greta Portacci, team di autori che lavora al fianco di molti big e prodotta da Albicocca Studio a Lecce con la collaborazione di Rufio alle chitarre e Francesco Lox Lo Cascio al mix/master. Lyric Video a cura di Derek Domenico Caringella.

Giada Miccoli è la vincitrice di NOTE D’ESTATE, concorso canoro nazionale. Ha diciassette anni, vive a Melendugno e frequenta il liceo classico Palmieri di Lecce. Studia canto lirico col Maestro Carlo Provenzano e canto pop col vocalcoach Tony Frassanito e nonostante la giovanissima età vanta già una grande esperienza tra apparizioni televisive (I Fatti Vostri) e concorsi musicali (ApuliaVoice, Cantagiro).

“Il volo delle sei” è disponibile su tutte le piattaforme di streaming a partire da venerdì 14 maggio 2021.

Social:

Giada Miccoli: www.instagram.com/giadaamiccolii/
Albicocca Studio: www.instagram.com/albicoccastudio/

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Esce oggi venerdì 7 maggio 2021 (in distribuzione Artist First) PRIMA GLI IMMIGRATI, il singolo di debutto di PICCOLI BIGFOOT. Un primo capitolo per il cantautore senza volto della provincia di Bergamo, in attesa di un EP di debutto in uscita prossimamente dal titolo Tra Bergamo ed Far West. Piccoli Bigfoot ribalta gli stereotipi in un brano in salsa western folk punk che nasce dopo la vittoria alle elezioni europee del 2019 da parte della Lega di Matteo Salvini.

“Questo brano mette in contrapposizione vari slogan propagandistici attuali e vari “detti”, usati in modo offensivo sui social e non solo, linguaggio che purtroppo sta diventando il pane quotidiano di moltissime persone frustrate. Il titolo “Prima gli immigrati” è una provocazione. È un contro slogan! Gli immigrati sono persone alla ricerca di una vita migliore e nessuna persona al mondo smetterà mai di sognare per sé stesso e/o per gli altri un miglioramento nella propria vita, a prescindere dal proprio stato sociale. In fin dei conti siamo tutti uguali. Siamo tutti un po’ immigrati. Il ritornello “Cosa vuoi mangiare stasera?” è una semplicissima e quasi innocente domanda che ci poniamo quotidianamente. Ma di cosa ci stiamo nutrendo veramente in questi anni?”

BIO:
Piccoli Bigfoot è un cantautore mutante con forte attitudine folk punk. Si è svegliato, dopo anni di coma, in un carcere di legno di massima sicurezza senza nessun ricordo del passato.  Passa il tempo scrivendo e suonando canzoni per capire e ricordare la sua vera identità.

Dal Gennaio 2019 comincia a suonare, in modalità chitarra/voce, dappertutto, per strada, nei bar, in feste e locali. Arrivando ad aprire il concerto dei Tre Allegri Ragazzi Morti in Latteria Molloy di Brescia nel Marzo del 2019. Nel Gennaio 2020 entra in studio, con la band, per registrare il suo primo EP “Tra Bergamo ed il Far West” prodotto e arrangiato da Gregorio Manenti (Pau Amma, Dente).

Piccoli Bigfoot – Testi, Musica.
Gregorio Manenti – Produzione, Arrangiamenti.
Gregorio Conti – Mixaggio.
Riccardo Zamboni – Master.

HANNO SUONATO:
Piccoli Bigfoot – Voce, Chitarra Acustica/Classica.
Gregorio Manenti – Chitarre Elettriche, Tastiere, Melodica, Mandolino, Percussioni addizionali, Flauto, Cori.
Gregorio Conti – Basso, Battito di mani.
Filippo Sala – Batteria
Leonardo Pezzotti – Sax Contralto.
Leonardo Gatti – Violoncello.
Alessandro Marzetti – Tromba.
Francesco Savalli – Trombone.
Barbara Finazzi – Cori.
Andrea Manenti – Cori.

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Il Gruppo:

Cécile è un duo musicale toscano composto da Tommaso Mori e Stefano Sestani, classe ’97 e ’98. 

Dal loro incontro scaturisce un’intensa e minuziosa sperimentazione sonora che, in totale autonomia, ha portato a veder ultimato nel 2021 il loro primo Ep, “La Fine della Festa” – in uscita a giugno – dal quale traspare l’influenza dei diversi generi che hanno formato i due musicisti: trip-hop, alternative rock, new wave, synth pop, che sono poi la cifra stilistica che segna la loro intera produzione. 

L’eclettismo della band si concretizza in un sound originale e autentico che non intende sacrificare per questo il grande pubblico.

I testi, scritti in italiano, creano intime suggestioni tese a esaltare l’apparato sonoro che si incontra dietro le parole.

Il Singolo

“C’è una donna inventata, un cliché. Ci sono degli spasimanti e le loro parole. Qualche sigaretta lasciata sul tavolo. Ed è tutto quello che ti puoi concedere prima di un’alba o alla fine di una festa, con la poca ironia del caso”

Leggi il testo di Primo Notturno, Singolo d’esordio dei Cécile.

Credits
Testi e Musica di Cécile

Foto di Davide Battistoni

IG  F

Per interviste e chiarimenti

TTNS Press

mail: ttns.press@gmail.com

tel: +393335475184

IG | FB

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“Ah ha” è il singolo e videoclip d’esordio di Alessio Alba, un invito a non prendersi troppo sul serio. Disponibile dal 7 maggio in radio e in digitale per Noise Symphony Music (distribuzione Pirames International), il brano è prodotto da Andy Milesi e finalizzato da Francesco Tosoni (Silvia Salemi, Vergo, Nathalie).

“Ah-ha“ racconta la difficoltà e dell’ineffabilità del parlare dovuti all’imbarazzo dei primi incontri (nel caso di Alessio i primi appuntamenti con le ragazze). Le strofe rappresentano quei momenti in cui non si sa cosa dire, finché non ci si rende conto che parlare non serve. Ed è per questo che il ritornello è senza parole, perché spesso le parole non servono.

“Ho comunque cercato di non scrivere un testo che parli solo del mio rapporto complicato con le ragazze al primo appuntamento (anche perché non basterebbe un 33 giri).” – Racconta Alessio –  “Volevo che fosse qualcosa di più trasversale per regalare una risposta universale a chi non sa cosa dire, attraverso l’uso di un’esclamazione – Ah ha – cioè il nulla (che spesso è meglio!).”

La canzone, caratterizzata da un ritornello che utilizza il synth vocale come sostituto alle parole per spiazzare e divertire chi lo ascolta, prende spunto dal pop anni 80 di “Footloose” di Kenny Loggins, e da “Take on me” degli A-ha per il ritmo e la batteria; da “Oh Superman” di Laurie Anderson per la sillaba Ah usata come base ritmica del pezzo.

Alessio ha voluto sperimentare un mood più allegro perché crede fortemente nel potere della musica di risollevare il morale, specialmente in questo periodo. Ed è per questo che cerca sempre di trovare un punto di vista ottimista, uno spiraglio di luce in fondo, anche nelle canzoni con temi più tristi.

Il video che accompagna “Ah ha”, in cui il protagonista è lo stesso Alessio come un Mr. Potato di Toy Story, è un invito a non prendersi troppo sul serio. Un gioco di forme e colori che si lega al mood del brano, ritmato e spensierato, una decostruzione, come un puzzle per bambini o un mosaico, per spiazzare e divertire.

“Quando faccio ascoltare le mie canzoni sono sempre concentrato sull’espressione del viso di chi ascolta, perché mi interessa sempre il contatto diretto con il pubblico. Anche con il video ho cercato di trovare un’idea che portasse un sorriso spontaneo a chi lo guarda”.

BIOGRAFIA – ALESSIO ALBA

La passione per il canto di Alessio Alba è nata all’età di 7 anni, insieme a quella per il pianoforte. A 13 anni si avvicina alla chitarra, prima all’elettrica e in seguito all’acustica, entrambe da autodidatta. Successivamente si interessa anche al basso, alla batteria, al kazoo e approfondisce la passione per la musica cantando e suonando in diversi gruppi.

A 17 anni inizia un percorso di 5 anni di studio presso la scuola di recitazione “Lo Spazio Vuoto” di Monterotondo, arricchito da workshop e corsi tenuti a Roma da personalità quali Vince Riotta e Michael Margotta. Dal 2016 fa parte di due cori di Monterotondo: i “Fuori dal Coro”, gruppo vocale a cappella vincitore del Concorso Regionale “ARCL Roma” 2019 (sezione arrangiamenti); e gli “Eretum Jazz Singers”. Entrambi i cori sono diretti dal maestro Maria Teresa Viglione. Nel 2017 partecipa in qualità di co-protagonista alla serie Disney Channel “Like Me” prodotta dalla 3zero2.

Nel 2018 frequenta il corso di doppiaggio di primo livello presso la scuola “Professione Doppiaggio” diretta da Pasquale Anselmo a Roma. Consegue il diploma di laurea in “Arti e Scienze dello Spettacolo” presso l’Università La Sapienza di Roma e collabora con l’associazione di Monterotondo “La Fabbrica dei Ricordi Felici” conducendo diversi laboratori teatrali pedagogici per i bambini e adolescenti, e laboratori sociali per adulti.

Nel frattempo porta avanti un progetto da solista che unisce le sue esperienze teatrali, in particolare la passione per il cabaret e la comicità, e la sua aspirazione come cantante e musicista con lo spettacolo “Musica…da Cameretta” in cui alterna cover – che spaziano da Etta James a Stefano Rosso ai Queen– a momenti di cabaret nella cornice di un’ipotetica cameretta, spazio di libertà assoluta per ogni musicista, la cui atmosfera intima e familiare permette di spaziare in libertà tra serietà e commedia.

Alessio inizia a prendere lezioni di canto nel 2019 presso la Garage School di Monterotondo con la coach Chiara Petrelli. Nel 2019 partecipa al Tour Music Fest arrivando tra i primi 12 finalisti italiani nella categoria Interpreti, partecipando anche ad uno dei Music Camp formativi proposti dal contest. A seguito di questa esperienza inizia a scrivere e comporre i suoi brani sia in lingua inglese che in italiano. Dal 2020 entra a far parte di una tribute band dei Queen, gli “Smilin’Queen”.

Il 7 maggio 2021 esce il suo primo singolo “Ah ha” su etichetta Noise Symphony, prodotto da Andy Milesi, missato e masterizzato da Francesco Tosoni.

“Ah ha” – Alessio Alba

Autore e compositore: Alessio Alba

Produzione: Andy Milesi

Mix e Master: Francesco Tosoni

Etichetta: Noise Symphony

Edizioni: Noise Symphony srls

Distribuzione: Pirames International

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“FRAGILE” è il primo Progetto discografico della cantautrice leccese Dalila Spagnolo.

Un EP di 7 tracce disponibile dal 15 aprile 2021 su tutti i digital store e dal 23 aprile
2021 come compact disc fisico, acquistabile sul sito ufficiale dalilaspagnolo.it, sulle
pagine social dell’artista, presso il negozio “Book and Sound” di Lecce e altri store in
aggiornamento.

Il Progetto discografico è stato apprezzato dal critico musicale e conduttore
radiofonico Dario Salvatori che si è espresso sull’artista, dedicandole una
recensione contenuta nel libretto del disco fisico.

La prima traccia dell’album è il brano “Giallo Fiore”, vincitore nel 2020 del secondo posto al Festival nazionale “Premio Lunezia” nella categoria “Nuove Proposte”.

Il disco ha un unico filo conduttore, una storia delicata da maneggiare con cura, quella della cantautrice Dalila Spagnolo.

Un viaggio sensibile, di canzone in canzone, che svela la bellezza ed il potenziale della fragilità a nobilitare l’animo umano, attraverso lo svelarsi del Sè inconscio e lo sbocciare dell’Io consapevole.

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Esce in digitale il 30 aprile “OGNISSANTI”, ep di esordio del cantautore romano SVEVO SUSA (Flamingo Management/distr. Peer Music Italy). Preceduto dal singolo “Immagine o rumore”, l’ep contiene 4 tracce caratterizzate da un sound che Svevo definisce “melanchopop”, da ascrivere in toto al mondo alternative.

“Con Ognissanti volevo parlare di quelle emozioni non canonizzate, di quei sentimenti connessi all’amore ma che spesso all’amore non vengono associati – racconta Svevo – il delirio di onnipotenza, l’euforia malinconica, lo squallore della perdita e la devozione assoluta per l’oggetto desiderato.”

Legge Marziale, Quanto Pesa, Luoghi Sacri e Immagine o Rumore sono le tracce dell’ep, un percorso tra le pieghe dei sentimenti e delle contraddizioni che essi custodiscono.

Un amore mai dichiarato, necessità e privazione, due facce della stessa medaglia sono il contenuto di “Immagine o rumore”. La storia di un cuore cannibale mai sazio e disposto a tutto invece è quella raccontata in “Legge marziale”. E se in “Quanto pesa” alla fine di una storia il protagonista arriva a elemosinare la presenza dell’altro, in “Luoghi Sacri” due sconosciuti si incontrano al momento giusto. L’euforia, la frenesia, l’eccitazione, la distrazione… ed in parte l’amore. L’innamoramento più che altro, perché l’amore è un’altra cosa.

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E’ uscito Venerdì 23 Aprile esce in radio e in digital download, “Zona Rossa” (Carioca Records/Artist First) il singolo d’esordio del duo partenopeo NAFT PUNK, nuova linfa della scena “urban-funk” italiana.

Il brano, originale e ironico al tempo stesso, parla del particolare momento che stiamo vivendo, delle continue restrizioni causate dall’aumento dei contagi da Covid-19 e del risultato dell’esasperazione di chi resta chiuso in casa e cerca di continuare a vivere anche attraverso una finestra.

La ZONA ROSSA, cosi chiamata, vieta anche il diritto di andare fuori a respirare — e guardando in giro non si vedono soluzioni… e se così fosse punto di domanda – e se il vaccino non funzionasse punto di domanda – riflessioni che portano ad un momentaneo sconforto con esclamazione: “Ma chi c**** mu fa ffa????”

Il brano è stato prodotto, arrangiato e mixato da Giulio Voiglio a Napoli.

La distribuzione digitale è affidata a Carioca Records / Artist First.

Note biografiche:

I NAFT PUNK nascono dall’incontro tra Ciro ( 20 anni ) e Genny ( 17 anni ) (nomi di fantasia) accomunati dalla stessa voglia di fare musica. Di loro si sa ben poco; si sa che sono nati e cresciuti a Napoli e che sin da bambini hanno sempre avuto una particolare dedizione verso la musica. Il loro nome è l’acronimo di NA come Napoli FT come abbreviazione di featuring ovvero ft ( traduzione = con ) e PUNK che sarebbe riferito al movimento giovanile di protesta nato nel 1977 che genera un movimento musicale contraddistinto dall’uso di una strumentazione essenziale e dal carattere dissacrante dei testi caratterizzato dall’ostentata esibizione di forme di abbigliamento vistosamente eccentriche e da posizioni polemiche nei confronti della società consumistica ed è per questo che scelgono di restare nell’anonimato rifiutando tutto quello che è solo immagine e non sostanza. Il loro primo lavoro ZONA ROSSA non è assolutamente un’esortazione ad andare contro le regole ma è solo uno sfogo dissacrante sul momento che stiamo vivendo.

PAGINE SOCIAL ARTISTI

*I NAFT PUNK* non hanno nessuna pagina social.

Esistono solo nella mente di chi voglia ascoltarli.

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Hogwash Academy è un gruppo rock/funk nato a Roma nel 2017 formato da Veronica Monaco (voce), Francesco Carretti (chitarra), Francesco Ferilli (basso) e Danilo Ombres (batteria).

Il nonsense è la loro principale chiave di lettura, ma sanno affrontare anche argomenti molto seri, mescolando vari generi musicali tra i quali funk, hip hop, jazz e rock, prendendo spunto da band come Red Hot Chili Peppers, ma anche da gruppi più sperimentali come Screaming Headless Torsos.

Il 19 aprile 2021 pubblicano su tutte le piattaforme digitali il loro EP d’esordio “Holy Duck”, registrato presso il MusicUp Studio di Roma alla fine del 2019. Composto da cinque tracce, quattro inedite più una cover, “California Soul” di Ashford & Simpson cantata da Marlena Shaw, l’EP si apre con un sound delicato e introspettivo per accogliere e poi travolgere l’ascoltatore in una spirale di groove multi stilistica.

L’artwork del disco è stato curato da Claudio Ferrante.

Contatti e social:

Spotify

YouTube

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Il brano, prodotto da Giorgio Lorito (GIL produzioni), racconta un amore fatto di attese e distanze ma anche capace di fiorire nella lontananza e fortificarsi a ogni nuovo incontro. Racconta un amore che libera dalle costrizioni, trae in salvo e fuori dal buio. Un amore che dona e nel suo donarsi senza riserve pretende di essere ricambiato. Pretende che l’amore donato torni indietro, dove sarà accolto, ogni volta come sempre. É un amore che sa aspettare perché è un amore che conosce. Sa che anche se costretto in case e città diverse verrà sempre riconosciuto e sempre gli verrà aperta la porta.

Il videoclip che accompagna il brano, diretto da Stefano Teofili, vede la scelta stilistica del bianco e nero. Ambientato in parte nella Riserva Naturale della Marcigliana (Roma), Jaboni emerge dall’oscurità che lo avvolge, racconta il suo amore che lo illumina e che in un crescendo lo porta a viaggiare con l’anima verso terre aperte, un viaggio di ritorno verso quell’amore che lo salverà dal buio.

BIOGRAFIA

Simone Iaboni, in arte Jaboni, classe 1982 è un cantautore, interprete e architetto.

Nato a Frosinone, si trasferisce a Roma all’età di 20 anni. Qui frequenta l’Accademia di musica Scarlatti, partecipa a diversi concorsi locali e nazionali, tra cui il Tour Music Fest nel 2017, anno in cui partecipa al Music Camp presso il CET di Mogol.

Nel 2018 entra a far parte del coro romano gospel “All Over Gospel Choir” con il quale si esibisce nei teatri e palcoscenici della capitale.

Lo stesso anno diventa membro del coro “Le Mani Avanti” diretto dal maestro Gabriele D’Angelo, con cui partecipa a diverse manifestazioni canore a Roma e in Italia, come il “Vokal Fest” all’Auditorium Parco della Musica. Con loro, durante il lockdown, partecipa alla realizzazione di una cover a cappella del brano di Des’ree “You gotta be” andato in onda su Rai1 nel programma “Musica che unisce”.

Scrive testi in italiano e in inglese e collabora attivamente alla composizione di brani con la GIL produzioni, del produttore artistico Giorgio Lorito. 

Il 16 aprile 2021 esce il suo singolo e videoclip di debutto “Love comes back to me” prodotto da Giorgio Lorito per Gil Produzioni.

JABONI SU: INSTAGRAM – FACEBOOK – YOUTUBE – SPOTIFY

“Love comes back to me” – Jaboni

Autore: Simone Iaboni

Composizione e produzione: Giorgio Lorito

Mix e master: Simone Empler

Foto credits: Riccardo Lancia

Riprese e montaggio videoclip: Stefano Teofili

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ARIOSTEA PRESENTA IL SUO PRIMO SINGOLO “HAUMEA” ​dal 9 APRILE su tutte le piattaforme digitali

Arianna Manfreda in arte Ariostea classe ’98 vive in un piccolo paese in provincia di Lecce.

All’etá di sei anni dimostra grande passione per la musica e in particolare per il canto, partecipando a vari festival e spettacoli organizzati nella propria regione.

Nel 2010 inizia a frequentare lezioni di canto con il Vocal Coach Tony Frassanito e
cominciano i primi provini per i vari talent show televisivi. Grazie a queste esperienze acquista sicurezza e padronanza sul palco ricevendo i primi complimenti e i primi apprezzamenti. Consolidate le proprie capacità vocali, prende parte a diversi concorsi e stage con la presenza di diversi professionisti del mondo musicale riscuotendo ottimi consensi e consigli. Ora finalmente è arrivato il suo momento:

Arriva su tutte le piattaforme digitali da venerdì 9 aprile ​“​Haumea​”​ il primo singolo della cantante ​ARIOSTEA​.

Il brano è scritto da Ariostea insieme con Greta Portacci.

Management – Artistic Director : Tony Frassanito & Matteo Tateo

Music Production: Stefano Gargiulo & Matteo Tateo

Mix & Master: Matteo Tateo

Grafica Design & Label Management : Antonio Manfreda

Vocal Coach : Tony Frassanito

Photography : Salvatore crusi

Studio Recording : ISDS Music production

‘’Haumea’’ è un inno alla vita, alla forza di andare avanti nonostante gli ostacoli.

Ma è soprattutto un inno d’amore verso la musica che l’accompagna da quando era piccola.

Le strofe creano un’atmosfera malinconica, speranzosa..  per poi avere un’esplosione d’energia e ritmo nel ritornello. Il contrasto del suo timbro sabbiato e travolgente dà sfogo alla voglia di vivere ma soprattutto alla voglia di rinascita.

E’ dedicata a tutte quelle persone che si sono sentite sole almeno una volta ma che non hanno mai perso la fiducia di respirare un po’ di felicità.

Perché ricordiamoci sempre (come dice la canzone) che “la vita è una festa’’

Social:

Instagram: ariosteaofficial

Facebook: Ariostea

Tiktok: ariosteaofficial

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CARLO PINCHETTI
“UNA MERAVIGLIOSA BUGIA”

14 Aprile 2021
CD Digipack
Uscita digitale

TRACKLIST
1.Lacrime
2.Recriminare
3.Fuori di me
4.Zoppico
5.Strade vuote
6.Sceglie di andare
7.Peggio di ieri
8.Stare qui
9.Morta
10.Here comes a regular
11.Credere #2

Carlo Pinchetti, cantautore originario di Lecco e trapiantato a Bergamo, pubblicherà il prossimo 14 aprile, per Gasterecords, La stalla domestica e Moquette Records, “Una meravigliosa bugia”, il suo primo album solista.

Il disco – registrato nel suo studio casalingo dallo stesso Pinchetti e mixato/masterizzato da Pierluigi Ballarin (The Record’s) all’”Unnecessary Recordings” di Bologna – vede la partecipazione di: Gigi Giancursi (ex Perturbazione), lo stesso Pierluigi Ballarin, Marco Brena (Vanarin), Elena Ghisleri, Linda Gandolfi e denota una certa maturità artistica, valorizzata al meglio dalle esperienze accumulate in 10 anni di presenza sulla scena, passati scrivendo, suonando e cantando in diversi album indie-pop con gruppi come Lowinsky, Daisy Chains e Finistère. Negli anni ha condiviso il palco con Drew McConnell
(Babyshambles, Helsinki), Mark Gardener (Ride), Gigi Giancursi (ex Perturbazione), Brandon Reilly (The Movielife, Nightmare of You), Il re tarantola, ecc.
Ne sono risultate undici tracce, caratterizzate da un approccio compositivo spesso vicino all’indie-folk (Evan Dando, Neutral Milk Hotel, Elliott Smith per fare dei nomi), con uno sguardo a quella corrente Lo-fi (o low-profile) e “Nouvelle vague”, tesa a comunicare, senza troppi fronzoli ed ornamenti le proprie storie ed emozioni, con i pochi mezzi che
si hanno a disposizione.

Canzoni dal tono malinconico e disilluso, ma, allo stesso tempo, cantate in maniera romantica, quasi idealizzata. Perché, se è vero che non esiste via di fuga dai disastri della vita, la musica può però essere la migliore illusione,
una meravigliosa bugia.

Mix e master di Pier Ballarin – Unnecessary Recordings “Credere #2” registrata e mixata da Andrea Melesi – LK MUSIC WORKSHOP Piano in “Lacrime”, elettrica e voce in “Credere #2” di Gigi Giancursi
Violoncello di Elena Ghisleri
Seconde voci di Linda Gandolfi
Percussioni di Marco Brena
Artwork di Yasmine Parisio
“Here Comes a Regular” è un pezzo di Paul Westerberg
“Morta” è una poesia di Giulio Pinchetti

BIO:

Nato a Lecco, trasferito a Parigi, poi a Milano, poi a Bergamo.
Campione d’istituto di ping pong in prima media, distrattamente laureato in Filosofia,
papà, amante degli Ash e dei libri tascabili.

In passato ha scritto, suonato e cantato in diversi album indie pop-rock con Daisy Chains e Finistère, cosa che gli ha permesso di passare praticamente tutti i fine settimana degli ultimi 10 anni su un palco.

Nel dicembre 2020 ha pubblicato “Across The Water”, un EP split con Geep Coltrain.
Ora scrive canzoni con i Lowinsky.

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Si intitola “Amsia” il singolo di debutto dell’emergente cantautore UVA, in uscita il 16 aprile su tutte le piattaforme digitali su label Sound To Be.

Testo simbolico e di immedesimazione, “Amsia” è una storia coming-of-age che racconta di chi si trasferisce a Milano in cerca di fortuna incontrando spesso grandi difficoltà. Tante aspirazioni, tanti sogni e intimità, quasi sempre chiusi disagevolmente “in una scatola”: i piccoli appartamenti in cui viviamo, lo schermo del televisore o del computer, il cibo in scatola o quello d’asporto. In questa Milano, magica (Copperfield) e notturna, ci si perde facilmente ma si diventa un po’ più padroni di se stessi.

Com’è nato AMSIA?

“Quasi 4 anni fa scrivevo quello che non avevo idea sarebbe diventato il mio primo singolo. Si dice che le cose migliori a volte succedano per caso, e il mio caso è stato quello di lasciarmi distrarre da un pensiero, un pensiero così grande e rumoroso da non riuscire a trovare le parole giuste per scriverlo. Così ho descritto tutto quello che avevo intorno, nella speranza che mi aiutasse a non dimenticare quelle sensazioni.”

Uva, all’anagrafe Roberto Uva.

Classe 1991 di Bari, si avvicina alla musica da bambino grazie all’influenza del nonno, che gli mise in mano la prima chitarra insegnandogli le più note canzoni di Lucio Battisti. Curioso ed entusiasta, Uva si innamora della musica e inizia, da autodidatta, a studiare la chitarra, poi il pianoforte, e infine ad usare la propria voce. Ed è proprio la sua voce pacata, morbida e malinconica – insieme alla sua scrittura sognante ed introversa – a rappresentare un elemento distintivo ma dicotomico rispetto alla sua personalità energica e scanzonata. Trasferitosi a Milano nel 2018, Uva inizia a frequentare la scena musicale milanese dove incontra il produttore Federico Carillo, collaborazione che darà i suoi primi risultati proprio nella produzione di “Amsia” e successivamente nei brani che comporranno il suo album d’esordio.

Canali social di UVA

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Il Wedding Kollektiv nasce da un’idea di Alessandro Denni, già autore, arrangiatore e produttore nella storica formazione romana dei Gronge, oltre che nei Sona, nei Goah e in ulteriori progetti. Dopo aver scritto una ventina di canzoni tra il 2017 e il 2018, Alessandro le propone ad alcuni vecchi compagni di esperienze sonore: Tiziana Lo Conte
(inconfondibile voce nei di Gronge, Goah e attualmente nei Roseluxx), Claudio Moneta (chitarrista e compositore, tra i vari progetti, nei Goah e nei Roseluxx) e Inke Kühl (violinista, sassofonista e performer berlinese, anche lei per molti anni nei Gronge). Dei venti brani ne vengono scelti cinque, che diventano “BRODO”, mini LP d’esordio di questo nuovo progetto.

Tracklist

Ipersfera nazionale

L’astronomo

Ciò che resta del fuoco

Sabato 16 giugno

A proposito del tuo candore

Durante le registrazioni, ai quattro si aggiungono ulteriori musicisti del circuito indipendente romano: trombe jazz, violoncelli classici, batterie new wave sono alcuni degli ingredienti rintracciabili in “BRODO”. Le parole vengono affidate a JLF, giovane scrittrice, autrice di testi intimi, violenti e crudi, mentre della grafica si occupa Gianluca
Cannizzo aka MyPosterSucks, grafico torinese, autore di poster, magliette, oggetti, disegnatore dal tratto inconfondibile, attualmente tra i più ricercati nel panorama italiano.
Composto a Berlino, registrato tra Berlino e Roma e mixato in un mulino a vento a Donoussa, “BRODO” esce a gennaio 2021 su tutte le piattaforme digitali ed è attualmente in prevendita in vinile su Bandcamp e su Diggers Factory, edizione limitata a 100 copie numerate a mano: meno di 50 le copie rimaste, c’è tempo fino al 15 aprile.

Le cinque canzoni nascono da un uso terapeutico della composizione musicale, uso che Alessandro Denni inizia a fare nel 2017 a Wedding, quartiere di Berlino, città dove attualmente vive in un momento personalmente complicato. Da un momento molto difficile, di sofferenza personale, può nascere bellezza, relazione, piacere? La risposta è in queste canzoni, ed è un sì. Un insieme di idee, sensibilità, esperienze, che ha necessitato di una cottura lenta – composizione, registrazione e mixaggio hanno richiesto oltre due anni: il risultato è un album che è vita, e si legge. Che è donna, e si sente. E che è molto altro ancora, basta ascoltarlo per scoprirlo.

Tracklist & Credits
SIDE A | Ipersfera relazionale | L’astronomo | Ciò che resta del fuoco

SIDE B | Sabato 16 Giugno | A proposito del tuo candore

MUSICA | Alessandro Denni, Tiziana Lo Conte, Claudio Moneta | PAROLE | Giulia D´Alia

MUSICISTI | Tiziana Lo Conte, voce | Inke Kühl, violino e sax | Chiara Iacobazzi, batteria | Claudio Moneta, chitarra | Federico Scalas, basso e violoncello | Stefano Di Cicco, tromba | Alessandro Denni, sintetizzatori e drum machine

TECNICI | Alessandro Denni: programmazione e mixaggio | Federico Scalas, tecnico del suono | Paolo Panella, tecnico del suono e mastering | Max Costa, consigli

PRODUZIONE | Concepito e composto a Wedding (Berlino) tra aprile 2017 e dicembre 2018 | Registrato al Pigneto (Roma) nel marzo 2019 e a Giardinetti (Roma) nel maggio 2019 | Mixato a Wedding (Berlino) e a Donoussa (Mar Egeo) tra giugno e dicembre 2019 | Masterizzato a Giardinetti (Roma) nel gennaio 2020.

Design di Gianluca Cannizzo / MyPosterSucks (www.mypostersucks.com) neontoaster multimedia dept. 03 | neontoaster craftwines distribution | multimedia@neontoaster.de

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Esce oggi “Son nel mezzo”, il primo singolo del giovane cantautore bresciano SIRIO estratto dall’album di debutto “Cronache Siderali”, in uscita venerdì 4 giugno per l’etichetta Rivertale Productions. Il brano è da oggi disponibile su tutte le piattaforme streaming e di digital download, il video è su YouTube.

Son nel mezzo con tutti gli incompresi che comprendo

perchè anch’io son come loro

Respirando un mondo agonizzante che trascina

la terra il cielo il mare

Il nuovo singolo è il primo brano che SIRIO ha scritto per l’album di debutto “Cronache Siderali”. Per approcciarsi al songwriting il cantautore è partito con un testo che parlasse di se stesso in rapporto al mondo circostante, con alcuni cenni biografici che tentano di esprimere un’idea di equilibrio personale, una volontà di riuscire a galleggiare e a sopravvivere in un mondo che vacilla continuamente. Si tratta di un testo che gli appartiene visceralmente e che trova conferma giorno per giorno nei suoi dubbi, nelle sue paure e nella sua costante ricerca di equilibrio interiore.

Musicalmente “Son nel mezzo” è diviso in due parti: la prima ci trascina nella sua malinconia, con un’armonica tutta “Dylaniana”, una voce ‘sporca’ a effetto double che arriva direttamente dal mondo grunge e un etereo chorus di chitarra elettrica. La seconda parte esplode invece con chitarre distorte che amplificano il pathos del brano, lasciando comunque spazio alla ‘nota dolce’ regalataci questa volta dalla chitarra anni ’90 che ci accompagnerà fino alla chiusura. Da segnalare il solo in stile Jonny Greenwood e i cori di Miriam Mori che accentuano la rabbia vocale in coda.

“Son nel mezzo” è stato scritto, arrangiato e autoprodotto dallo stesso artista SIRIO (all’anagrafe Antonio Gilioli), registrato  e mixato al Glotoneria Studio di Riccardo Frigoni e Cesare Madrigali a Montichiari (BS).

Il nuovo album “Cronache Siderali” tra atmosfere folk/folk-punk e alternative ci offre quaranta minuti di testi mai banali e riferimenti mai scontati. Canzoni che segnalano una forte personalità e identità, nonostante si tratti  di un debutto nel genere per il giovane cantautore. Un disco dal songwriting degno di nota, che unisce una soggettiva emotività a tematiche molto più grandi, riuscendo a essere sempre piacevolmente melodico e radiofonico.

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Trovare nella musica il proprio rifugio, la valvola di sfogo per combattere le difficoltà di una quotidianità che scorre veloce e si insinua nelle nostre menti, costringendoci ad una continua lotta con noi stessi, le nostre ambizioni, i nostri sogni. Questo il punto centrale su cui ruota “Fotografia” (The Bluestone Records/Believe Digital), il singolo d’esordio di Davide Malafede.

Ascolta su Spotify.

Su una produzione attualissima che strizza l’occhio a sonorità tipiche dell’Hip Hop e del Rap Old School, si posa un testo dal profondo valore autorale, che fonde ricordi, speranze e progetti per il futuro alla disillusione di un giovane uomo che si ritrova costretto a crescere prima del tempo ed a far fronte alle difficoltà, alle responsabilità, alla vita.

Un mix tra passato e presente, un passato a cui non dobbiamo aggrapparci, ma che dobbiamo ricordare, incidere a fuoco nell’anima per vivere l’oggi con l’obiettivo di costruire un domani migliore, che sia il più possibile affine alle nostre inclinazioni, personali e professionali.

«Questo brano – dichiara l’artista – non parla soltanto dei bei momenti trascorsi, ma si focalizza soprattutto sull’introspezione, come se provassimo a rivivere tutto il positivo della nostra infanzia: i ricordi nutrono l’anima, possono essere una vera e propria benzina che accende il motore del nostro cuore e del nostro futuro; l’importante è non aggrapparsi troppo al passato, altrimenti si rischia di rimanere fermi, inermi, privando se stessi della possibilità di evolversi».

La lotta con il proprio ego – «non so più chi sei, me lo son detto spesso fisso queste parole e poi non trovo più il riflesso di me» -, le porte chiuse in faccia e le cadute di chi tenta il tutto per tutto per realizzare i propri sogni, ma spesso rimane bloccato tra la parte riluttante al cambiamento che abita in ciascun essere umano e le difficoltà di una società sempre di corsa, perché «chi nasce con zero possibilità – prosegue Davide – deve faticare il doppio e purtroppo, spesso, perda di vista l’obiettivo finale». La conquista della rivalsa deve passare da dentro ognuno di noi, da una consapevolezza acquisita del proprio background e delle proprie potenzialità, che vanno affinate con il duro lavoro, l’impegno, la dedizione e la fede ferma e piena nelle proprie attitudini e passioni.

«Il messaggio che deve arrivare a chi ascolta questo brano, a qualunque fascia d’età o ceto sociale appartenga – conclude il rapper – è di non mollare, di non cedere la presa e di non concedere centimetri alla disfatta. È finita si dice alla fine! Io sto ancora lottando, sono solo al primo scalino e probabilmente la mia battaglia non finirà mai. Ma bisogna essere forti e, con umiltà, ricordando sempre da dove si viene, puntare alla meta ed arrivarci passo dopo passo».

“Fotografia” rappresenta in musica la nota dolente e malinconica nella canzone della vita di ognuno di noi, che ci attraversa e ci segna, che dribbla la direzione del nostro cammino ma che, al tempo stesso, ci porta a crescere, costringendoci a riflettere su chi siamo e cosa e come siamo diventati, consentendoci anche di cambiare e migliorarci, per assottigliare sempre di più il divario tra chi vogliamo essere e chi siamo. Il passato non tornerà più indietro e rimarrà sempre una bellissima fotografia, ciò che conta è trovare la forza ed il coraggio di scattarne altre, sempre più belle e luminose.

Biografia.
Davide Malafede nasce a Roma il 03 Dicembre del 1992. Per necessità familiari e personali cresce in fretta ed il suo animo sensibile, ancora giovanissimo, viene turbato, portandolo a porsi migliaia di domande e ad opporsi all’autorità, scolastica e familiare, rendendolo riluttante a qualsiasi tipo di imposizione e sottomissione. Cresciuto con l’affetto ed i valori della mamma e dei nonni, di origini calabresi, Davide ha sempre svolto molteplici lavori, giorno e notte, supportando e sostenendo se stesso ed i suo cari. In quarta elementare si appassiona al rap, grazie alla scintilla che si accende in lui ascoltando Eminem, che tra barre, rime e schiettezza, in bilico tra morale e moralismo con il dualismo ed il conflitto insito nella sua arte, divisa tra Marshall Bruce Mathers e Slim Shady, rappresenta per Davide la figura maschile di riferimento al di fuori delle mura domestiche.

Mentre il rap tagliente e sagace del rapper di St. Joseph cresciuto a Detroit continua a scorrere nelle sue cuffie, nella sua mente e nel suo cuore, Davide si avvicina piano piano ad altri pilastri del Rap e della cultura Hip Hop internazionale, soprattutto a Notorious B.I.G, scoprendo un universo differente, all’interno del quale, finalmente, si sente a casa e può essere se stesso senza alcun giudizio e pregiudizio; e può essere unico, ma non uno e solo. Inizia così a scrivere i suoi primi testi, gettando nero su bianco insicurezze, paure, timori, delusioni e frustrazioni, spronato anche da un’intervista, del senigalliese Fabri Fibra, che ad una domanda, in cui gli veniva chiesto cosa consigliasse ai ragazzi che volessero cimentarsi nel rap, rispose che non dovevano lanciarsi a capofitto nemmeno se si credevano dei fenomeni, ma provare e riprovare, scrivendo ogni sensazione, ogni pensiero.

A fine 2020, Davide Malafede viene notato dalla The Bluestone Records, etichetta capitolina sempre attenta ai giovani talenti del panorama musicale italiano e firma con loro il suo primo contratto discografico.

Ad Aprile 2021 esce “Fotografia”, la sua prima release ufficiale, un brano che racconta, in chiave puramente rap, la continua lotta con se stessi per giungere alla realizzazione dei propri obiettivi.

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Da venerdì 9 aprile nelle radio e negli store digitali “Sahara“, il singolo d’esordio del giovane e talentuoso artista siciliano, brano prodotto dallo stesso artista e da Mario Tortoriello per la Mo. To. Records.

Mavì: “Sahara esprime l’accettazione della mia parte artistica che ha sempre tentato di fondersi con la mia parte umana, formando quello che per me è il processo di creazione musicale fondato sull’equilibrio di controparti, seguendo per certi versi il concetto filosofico dello yin e lo yang; in questo caso lo yang è rappresentato da Giuseppe (ovvero me stesso) e lo yin da Mavì. Il brano raggiunge il suo punto critico nel momento in cui la battaglia interiore innescata tra Giuseppe e il suo demone artistico si placa rassegnandosi alla concretezza, rappresentata dallo scorrere del tempo. La rassegnazione si trasforma poi in consapevolezza che infine rende l’idea materia e quindi opera musicale”.

Link video “Sahara”: https://youtu.be/viZ63ysOm_U

Il videoclip è stato realizzato da Francesco D’Antonio, Vito Montesano e Francesco Petrone, mixed & mastered by Vincenzo Pumpo (Davol), photos di Enrico Palmosi e Valeria Raffaele. Management e communicator Vanessa Grey.

Biografia
Giuseppe Panza in arte Mavì (nato a Palermo, 20 anni), di padre campano e di madre siciliana. Il suo rapporto con la musica è sempre stato bilaterale poiché ha vissuto diverse tradizioni musicali ma nello stesso tempo tradizioni che lo portano, all’età di 6 anni, ad entrare a far parte del coro delle voci bianche del Teatro San Carlo di Napoli. In quello stesso periodo comincia a comporre le prime note al pianoforte cercando di riprodurre le colonne sonore degli anime giapponesi che sin da piccolo hanno influenzato la sua vita, sviluppando così una vera e propria passione per lo strumento fino a condurlo qualche anno dopo ad iscriversi al conservatorio Bellini di Palermo, lì dove intraprende oltre ai normali studi di solfeggio, teoria musicale e pianoforte anche lo studio del violino, appassionandosi inoltre a strumenti come la chitarra e percussioni varie presenti durante le ore di musica d’insieme passate nella sezione musicale della sia scuola media.

Dopo quasi 6 anni di studi musicali, la vita del liceo classico e la poca ispirazione che la musica classica in quel momento offriva, fanno sì che all’età di 16 anni lasci il conservatorio e si dedichi, insieme ad un gruppo di amici, ad un progetto artistico grazie al quale si accosta alla scrittura e riscopre le proprie doti canore, concependo da lì a poco i primi brani. In quel periodo comincia a nutrire una grande curiosità nei confronti della musica elettronica a tal punto che, conseguita la maturità classica, decide di isolarsi e dedicarsi completamente alla produzione musicale, arricchendo lo studio da autodidatta con degli studi privati di sound design allo scopo di sperimentare e creare un nuovo progetto musicale che unisce la sua visione di musica alla passione per la multiculturalità con particolare accezione al quella orientale.

Contatti social
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Già disponibile in tutti gli store digitali “TTBN?”, il primo singolo di Möly, scritto da Carlotta Mascheroni e Matteo Brioschi. Poco più che ventenne, è un’artista eclettica e talentuosa, nuova scoperta di Petricore e Fiero Dischi.

Videoclip: https://www.youtube.com/watch?v=GQptbz_-smc

Möly è un tripudio di estro, fantasia e originalità, che si perfeziona in un modo di scrivere e interpretare la musica davvero unico.

Prodotto da Matteo Brioschi nei Petricore Studios e pubblicato da Fiero Dischi (distribuzione Believe Digital), la magia di “TTBN?” appare anche nel video ufficiale, realizzato sempre da Fiero Dischi.

Moly: “TTBN?” é una canzone che, come un velo pietoso, nasconde in bella vista tutto ciò che per qualcuno è troppo fastidioso da riconoscere. Un ritornello dreamy insiste a dirci, prescindendo da tutto e da tutti, che va ovviamente tutto bene. Ma per chi vive con gli ideali del “troppo rumoroso, troppo colorato e troppo fastidioso”, resta solo quello: un ritornello nella prima canzone di una ragazzina col glitter negli occhi e troppi grilli per la testa.

Carlotta Mascheroni (21 anni, Monza), dopo esser cresciuta a colpi di emo, musica psichedelica anni 60/70 e city pop (una combo micidiale), Möly scopre e si affeziona immediatamente al linguaggio dell’indie e del cantautorato italiano. É in questo genere che decide di rovesciare tutte le sue forze ed emozioni scrivendo brani molto personali, con un’attenzione particolare per i testi scritti in cameretta e ri-arrangiati sapientemente con synth e chitarrine “dreamy” che ne mitigano un po’ il mood. Pur mantenendo la scena indie italiana nel cuore, lo sguardo di Möly è sempre alla ricerca di spunti internazionali, rifacendosi anche ad artisti contemporanei come BENEE, Snail Mail, Poppy, e altri, per cercare suoni e sfaccettature inaspettate e spiazzanti.

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Dal 9 aprile arriva in radio, già disponibile negli store e sulle piattaforme digitali il brano  “WIND ROOF AND LOVE” primo inedito di FLAVIO SAX BORDIN, un brano romantico che trasmette passione, gioia e sentimento e che descrive la voglia di libertà e rivincita.

“L’idea di realizzare un brano inedito, in questo difficile periodo, era un mio grande desiderio – dice Flavio – il compositore a cui mi sono rivolto è Valentino Favotto, musicista che collabora con Riccardo Fogli. Un professionista con grande esperienza e competenza nonché un caro amico. Dopo avergli dato alcune idee, Valentino si è messo al lavoro e il risultato è stato straordinario. È riuscito a farmi sentire il brano subito mio, catturando le mie emozioni e dandomi la facoltà di poter esprimere ciò che per me è la Musica. Assieme abbiamo dato forma a questo brano, alla melodia e agli accordi, curando al meglio i punti di apertura e chiusura, individuando l’apice emotivo per poter trasmettere al meglio le emozioni che provo nel suonarlo.”

Qui il video: https://youtu.be/q13au7-ydXE

FLAVIO SAX BORDIN si avvicina allo studio della musica all’età di 5 anni e a 10 viene selezionato per accedere al Conservatorio Cesare Pollini di Padova, studiando il clarinetto classico. Dopo 6 anni si diploma ed inizia lo studio del sassofono. Nella sua carriera si esibisce in palchi nazionali ed internazionali dando libero sfogo alla sua interpretazione del Soul, Funky, Gospel e Pop a fianco di artisti del calibro di Mario Biondi, Michael Bolton, Randy Crawford, Anggun, Noa, Claudio Baglioni e molti altri. Suona con grande emozione in Aula Nervi nella Città del Vaticano al cospetto di Papa Giovanni Paolo II, al Teatro Filarmonico di Verona e al “Grand Théâtre de Monte Carlo” alla presenza della Famiglia Reale. Attualmente si esibisce in Italia ed Europa come solista, con l’accompagnamento di The WindRose e Summertime Choir. Nell’ultimo anno ha partecipato a molti eventi a scopo solidale tra questi: Il concerto sul tetto dell’Ospedale di Padova, il Concerto sul tetto dell’Oncologia Pediatrica di Padova (raccolta fondi per onlus), il Concerto all’Ospedale di Vicenza (raccolta fondi per la ricerca), il Concerto al MAAP di Padova (raccolta fondi per famiglie in difficoltà a causa Covid), Commemorazione ai caduti della strage di Ustica, il Concerto a Noto (SR) commissionato dal Comune, il Concerto a Parma Capitale della Cultura Italiana, omaggio a Giuseppe Verdi e si è esibito a Milano per la serata raccolta fondi a favore della Casa Pediatrica Fatebenefratelli. Sul suo canale Youtube trovate i video delle sue esibizioni e di alcune sue interpretazioni di grandi successi internazionali.

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Le Blue Channel sono Maria ed Emanuela Negri, due sorelle di origine brasiliana rispettivamente classe 1997 e 1999.

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Strange Home, il primo singolo dei Greater than Eight disponibile dal 26 Febbraio su YouTube con il videoclip ufficiale, e su tutte le principali piattaforme di streaming e download.

I Greater than Eight, band di Pesaro formatasi nel 2017, lanciano il loro primo singolo “Strange Home”. Il brano autoprodotto, caratterizzato da sonorità punk-rock acide e distorte, segna il debutto della band sulla scena Musicale, anticipando l’uscita dell’EP Please Hold On il 27 Marzo

L’intero progetto è stato scritto e musicato dai Greater than Eight: Vincenzo Alfano (voce, chitarra), Riccardo Mezzolani (chitarra), Jacopo Piscopo (batteria), registrato mixato e masterizzato da Vincenzo Alfano.

Il video distribuito da Vevo, girato in una vecchia casa abbandonata nei pressi di Pesaro, è stato prodotto da Erica Castiglioni e Guscio di Noce.

Videoclip Ufficiale: https://www.youtube.com/watch?v=a0ESaR8iPe0

Biografia Greater than Eight

I Greater than Eight sono un gruppo musicale italiano formatosi a Pesaro nel 2017.

La band è composta da Vincenzo Alfano (voce, chitarra ritmica, ukulele), Jacopo Piscopo (batteria, percussioni), Riccardo Mezzolani (chitarra solista, pianoforte, voce) Pier Francesco Grelli (basso). Quest’ultimo completa la formazione nel 2020.

Il gruppo cambia diversi nomi tra il 2017-2019, prima in Ecliptic, poi Messover, e in seguito definitivamente in 0>8(greater-than-eight).                                                                     

I generi trattati sono Rock, Psychedelic rock, Alternative Rock, Post punk, Pop rock, Pop.

I quattro musicisti si conobbero in età scolastica iniziando a scrivere le prime composizioni in una soffitta. Nel 2017 fondarono ufficialmente il gruppo. Dopo più di un anno passato a provare e comporre brani, nel 2018 fanno la loro prima apparizione live al Rossini Festival, vincendo la manifestazione con alcuni brani inediti, e aggiudicandosi la possibilità di registrare in uno studio di registrazione. 

Questo evento darà il via a un nuovo periodo di formazione e studio della produzione musicale, con uno stage presso lo studio di registrazione stesso. Nasce così il primo progetto di autoproduzione che si protrarrà per oltre un’anno. 

Il 26 Febbraio 2021 pubblicano il loro primo singolo “Strange Home”, che anticipa l’uscita dell’EP  “Please Hold On” il 27 Marzo 2021.

Contatti e social:

YouTube: https://www.youtube.com/channel/UC9qxRsmpwpa5Oe2JDemlrkQ

Instagram: https://www.instagram.com/greater_than_eight/

Facebook: https://www.facebook.com/Greater.than8.official/

Twitter: https://twitter.com/Greater_Than8

Spotify: https://open.spotify.com/artist/7oSh76PbJdOjUBCwceiV7V

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In uscita oggi su tutti i digital store, “News di Stasera” è un ricordo indelebile impresso nella memoria, uno stato d’animo descritto attraverso il linguaggio che il giovane musicista, cantante e produttore della provincia di Modena conosce meglio: la musica.

GRAEY PARLA DI “NEWS DI STASERA”

“Mi sono immerso negli accordi del mio piano e ho fatto un tuffo nel  passato: guidavo attraverso l’umidità emiliana. Era una delle solite sere in cui cercavo la mia strada e una fitta nebbia ricopriva tutto. Spesso capita che alcune immagini riaffiorino nella mia mente e solo attraverso la musica riesco a descriverle. Le parole arrivano da sole, come in un flusso di  coscienza che scorre sulle note dei miei strumenti. Per me è essenziale partire dalla musica per poi sviluppare il resto.“

Dalle sfumature chill, il brano è attraversato da una sottile malinconia ed evoca immagini sfocate di una serata passata tra pensieri e strade desolate. “News di Stasera” segue la pubblicazione di “Momento”, altro brano che andrà a raccogliersi nel primo EP dell’emergente Graey, in uscita nei prossimi mesi.

CENNI BIOGRAFICI

Classe ’96, Luca Grella – in arte Graey – è musicista, cantante e produttore originario di Carpi, provincia di Modena. Trasferitosi di recente a Milano, lavora e collabora per la realizzazione di progetti musicali. Fra i primi progetti, il brano “Coma Etilico (Nostalgia 96)” featuring Sao Paulo. Proprio a supporto di quest’ultimo il live in apertura a Venerus del settembre 2019 all’Atp Festival (Migliarina – MO). A gennaio 2020 Graey pubblica il singolo “Dentro”. Nell’estate dello stesso anno inizia a curare un nuovo progetto che vede la luce a febbraio 2021 con l’uscita di “Momento”, singolo dalle sonorità malinconiche e distorte.

CREDITS

Testi e musica di Luca Grella, coproduzione di Elia Mangiatordi. MGMT Alberto Grimaldi.

Foto di Sara Gentile, styling di Rebecca Paganini.

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Il videoclip di “Parole poco libere”, da oggi su YouTube, accompagna il debutto di Nicholas feat. Filippo Colombo, in radio e in digitale dal 26 marzo
per Noise Symphony/Indieffusione (distribuzione Pirames International).

Guarda il video: https://www.youtube.com/watch?v=WAwJ5sUQb9g

Cantautore milanese classe 1998, Nicholas debutta al suo primo singolo con “Parole poco libere” feat Filippo Colombo. Il brano è una power ballad impreziosita dalle chitarre elettriche che sottolineano la volatilità di due sguardi che s’incrociano come scintille per poi perdersi in nulla di fatto.

“Parole poco libere” è un brano che parte dalla descrizione di uno scambio di sguardi per arrivare a raccontare la rabbia nei confronti di una persona che è poco chiara e non sa quello che vuole.” – Racconta Nicholas – “La canzone è quindi un invito ad aprirsi completamente e a mettersi a nudo di fronte all’altro mettendo da parte la paura di mostrarsi fragili e di ricevere una risposta indesiderata.

Nel video abbiamo pensato ad un mondo metaforico in cui sedersi su una sedia di fronte alla persona che amiamo rappresenta il nostro desiderio di aprirci. Il protagonista del video interpretato da Pietro Baroncini e la sua coscienza ruotano attorno alla sedia, trovando solo alla fine il coraggio di sedersi quando ormai è troppo tardi. A forza di sprecare occasioni e di perdere tempo si rischia così che la “sedia” scompaia.

“Parole poco libere” – Nicholas  feat. Filippo Colombo

Autore e compositore: Nicholas Marconcini

Produzione: Andrea Brussolo

Mix e Master: Francesco Tosoni

Etichetta: Noise Symphony

Edizioni: Noise Symphony srls

Distribuzione: Pirames international

CREDITI VIDEOCLIP:

Regia, riprese e montaggio: Leonardo Cavalieri

Attori: Nicholas Marconcini, Pietro Baroncini, Fabiana Pugliesi, Ludovica Melzi

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In tutti i digital store “Tic Tac” il primo singolo della cantautrice campana Serena Di Palma, brano che rappresenta una riflessione sul trascorrere inesorabile e relativo del tempo.

Videoclip “Tic Tac”: https://youtu.be/0MwLSYib92g

Serena: “Il punto di vista è quello di una musicista, la cui misura sono i bpm del metronomo, che vanno a tempo con il cuore suo e delle altre persone. Poi, le parole diventano un vero inno alla vita, un invito a cogliere ogni attimo della nostra esistenza e a dire sempre tutto quello che pensiamo perché “quello che muore è tutto ciò che non dici”.

La canzone porta la firma anche di Giovanni Segreti Bruno ed è prodotta da Gianni Testa per Joseba Publishing. Mix e Master a cura di Alberto De Scalzi, arrangiamento di Davide De Blasio.

Biografia
Serena Di Palma nasce il 10 febbraio 2003 e vive con la sua famiglia nel comune vesuviano di Boscoreale. Scopre all’età di 5 anni la sua passione per la musica, così inizia a studiare canto, pianoforte e solfeggio, affiancando alle lezioni concorsi di calibro locale e nazionale, oltre a master vari. Solo pochi anni dopo si avvicina alla scrittura iniziando un percorso da autrice e compositrice che la porterà nel 2020 a pubblicare i suoi primi brani inediti “Let Me Dream” e “Sete Distanti”. Fondamentale per la creazione dei suoi brani anche gli studi di chitarra intrapresi. Intanto la sua carriera scolastica si dirige verso la coltivazione di un’altra sua grande passione, quella per gli idiomi, che si riversa anche nel suo repertorio musicale con l’interpretazione di brani in otto lingue. Attualmente Serena è impegnata in nuovi progetti musicali in collaborazione con Gianni Testa presso la Joseba Publishing.

Contatti social:
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“CATTIVA STELLA” è il primo singolo di Kairi, giovane rapper Brianzola, classe ‘97.  Il brano è disponibile su tutte le piattaforme streaming e in digital download. Il video ufficiale è online su YouTube.

“Cattiva Stella” streaming e digital download > https://pirames.lnk.to/cattivastella
“Cattiva Stella” official video > https://youtu.be/O3GIjoxjStg

“Alcune carezze sono un coltello sul collo
è solo un’illusione non esiste il controllo
ora più che mai tengo il mio cuore nascosto
ho pezzi rotti di me che non torneranno mai a posto ”

“CATTIVA STELLA” nasce come una catartica introspezione dell’artista. Un percorso che  inizia da un momento di smarrimento e di squilibrio, ma che stimola con ancora più determinazione la ricerca, dentro di sé, della voglia di rivincita. La tenacia di Kairi si fonde alla dolcezza e alla schietta onestà con cui si parlerebbe ad un’amica, senza la pretesa di risolvere ogni problema all’istante ma concedendosi di procedere un passo alla volta, “un piede dopo l’altro”.

Il sound grintoso e aggressivo di “CATTIVA STELLA” richiama l’hip hop crudo old school, rafforzato e sostenuto dall’uso potente dei bassi, ma smorzato dai tratti più moderni dell’auto-tune e dalle seconde voci, che ammorbidiscono e avvolgono il singolo con le voci femminili. Il‌ ‌brano‌ ‌è‌ ‌stato‌ ‌registrato,‌ ‌mixato‌ ‌e‌ ‌masterizzato‌ ‌da‌ ‌Andrea‌ ‌Vergnano,‌ ‌all’ELEVEN‌ ‌STUDIO di ‌Lissone‌; testi a cura di Erika Salvagio (Kairi), beat di Andreas Allievi (A-Kurt).

L’artwork è a cura di Aurora Valletta.

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Online da oggi il videoclip del singolo d’esordio di Taulant Hoxha “Il tempo passa” in rotazione radiofonica e disponibile sulle principali piattaforme digitali dal 5 marzo. Diretto dal regista Giacomo Lanari e prodotto dalla  IVI Factory, il video ci presenta delle immagini che evocano il vissuto personale di Taulant, uno spaccato della sua vita dove ricorda alcuni avvenimenti che lo hanno segnato negli anni. Taulant si trova in una stanza/magazzino circondato da oggetti del passato, e guarda in una vecchia tv un filmato di famiglia, dove emergono momenti della sua infanzia, immagini della nonna e di una serie di ricordi.

Le sequenze esterne invece ci mostrano uno sfondo di periferia dove si muovono i due ragazzi protagonisti del video, che legano simbolicamente il periodo di adolescenza dell’artista arrivato con grosse difficoltà dall’Albania in Italia con la famiglia. Le parole del brano sono cantate con forza e rabbia mista a rimpianto, per un tempo ormai fuggito, che non tornerà più. Un testo di riflessione su certi errori fatti in gioventù e che avrebbe potuto evitare. La voce a tratti roca, fa emergere lo stato d’animo di Taulant che rimpiange la fretta avuta per diventare adulto. La sua ansia di crescere lo ha allontanato da cose (e persone) importanti.

C’è quindi la tristezza per amori ed amicizie finite e per persone che non ci sono più. “Il tempo passa, rimangono i ricordi…” come rimane il  desiderio di poter tornare indietro, come fosse un bambino per ricominciare a sognare. Taulant  scandisce spesso: “stan  passando gli anni come fossero minuti”, e vorrebbe avere “più tempo” per imparare, per poter sbagliare, per dimenticare tutti quei ricordi che lo fanno star male.  Il singolo ed il video ci portano dunque dentro la sua vita, rimandando a noi una persona vera ed autentica. Taulant ha studiato pianoforte, esibendosi in alcuni teatri importanti della Toscana ed anche fuori regione. Vivace e pieno di interessi crescendo dimostra le sue capacità anche come dj e cantante dal vivo, e si occupa inoltre di organizzazione eventi.

Ma il tempo più prezioso è quello dedicato interamente alla composizione della musica, dove cerca di mettere tutta la sua passione ed il suo vissuto, per farci arrivare con sincera emozione la sua visione della vita.

Il video è visibile al seguente link: https://youtu.be/NsjlW7Y6MaI

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È disponibile su tutte le piattaforme digitali “STR**ZA”, il singolo d’esordio della giovane cantautrice Giulia Ferraro.

“STR**ZA” è brano che parla di delusione, incertezza e insoddisfazione. Una canzone pop che nasce chitarra e voce ma si evolve in maniera inaspettata con un ritmo da hit e delicate sonorità elettroniche.

«È un pezzo nato da una storia d’amore rimasta in sospeso, di cui però si sa il finale – racconta Giulia Ferraro a proposito del nuovo singolo – un po’ come gli asterischi nel titolo del brano che cercano di nascondere qualcosa di ovvio. Questo brano è frutto di una lunga collaborazione con il mio produttore Okrim. Ho scritto diversi inediti ma per il mio esordio ho scelto questo, un brano maturo che non ha paura di rivelare i miei sentimenti ed è frutto di un lavoro di perfezionamento musicale che ha coinvolto me in prima persona. Possiamo dire che il brano si è evoluto con me e ora è pronto per essere ascoltato. È stato un lavoro molto lungo e crediamo nel suo successo: non vediamo l’ora di farvelo sentire in diretta e di lanciarlo sulle piattaforme, ma soprattutto non vediamo l’ora di sentirlo cantare da voi».

BIOGRAFIA

Giulia Ferraro, classe 2001, vive a Brugherio, in provincia di Monza, dove frequenta l’ultimo anno di liceo scientifico. Si avvicina alla musica da giovanissima e inizia a suonare la chitarra a 12 anni: questo strumento diventa una passione che la accompagna ovunque. La sensazione che la sola chitarra sia quasi “incompleta” porta Giulia a iniziare a cantare sui brani che suona, scoprendo un talento che coltiva con corsi di canto e dedicando tempo ad affinare la sua scrittura. Nel 2018 conquista il terzo posto nella categoria Nuove Proposte in occasione del Premio Mia Martini con il suo inedito “Il Silenzio”. Il suo stile è un mix tra l’indie e il pop e i suoi inediti nascono da sentimenti autentici, vissuti ed espressi in maniera diretta con energia ed emotività: la sua voce calda e potente è capace di coinvolgere e affascinare, lasciando sempre il suo ascoltatore con la curiosità di voler sentire il prossimo pezzo. È facile riconoscersi nei testi di Giulia, che è in grado di descrivere la complessità dei sentimenti con un linguaggio semplice. A fine gennaio 2021 esce in radio e in digitale il suo primo singolo, “Str**za”, un progetto musicale realizzato insieme al suo produttore Okrim.

Social:

Ig: https://www.instagram.com/_ferrarogiulia_/

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“Low Profile” feat. Cala è il singolo di debutto di Juanito Vibez, giovane artista colombiano di base a Trieste.
In radio e su tutte le piattaforme digitali da oggi, 26 febbraio, per Noise Symphony/Indieffusione (distribuzione Pirames International).

“Low Profile” è una traccia dallo stile indie-trap che racconta in prima persona la storia del diciannove Juan David Lezzi, vero nome dell’artista Juanito Vibez di Medellin (Colombia).

Dopo un’infanzia trascorsa in una casa famiglia, etichettato fin da giovane per via delle sue origini e gli stereotipi che ne derivano, cerca di creare, attraverso la sua musica, un nuovo tipo di immaginario della sua nazione di provenienza e un nuovo futuro per la sua vita personale e artistica, tutta in divenire.

Il brano, con l’uso di un linguaggio semplice ma non banale, vuole essere un messaggio positivo e un richiamo ad alzare la testa per tutti coloro che si sentono vittime di discriminazione e bullismo. 

Low Profile feat Cala – Juanito Vibez
Autore e compositore: Juan David Lezzi

Produzione: Chiko

Mix e Master: Francesco Tosoni

Etichetta: Noise Symphony

Edizioni: Noise Symphony srls

Distribuzione: Pirames international

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I Mylane sono un gruppo alternative metal italiano formatosi nel 2019 e composto da Andrea Curti alla chitarra, Fulvio Santarpia alla batteria, Pietro Canette alla voce e Luca Maddonini al basso.

Il loro stile è caratterizzato dal sapiente susseguirsi di suoni di chitarra dinamici e riff potenti alla Breaking Benjamin i quali vanno a valorizzare una voce pulita e avvolgente che ricorda quella di Matt Walst, cantante dei Three Days Grace, coadiuvata da parti elettroniche e orchestrali alla RED.

Oggi, 22 febbraio 2020, i Mylane rilasciano il loro primo singolo Save Yourself.
Il brano è stato co-prodotto registrato, mixato e masterizzato da Gianluca Guidetti presso l’Accademia Del Suono.

Pietro, cantante della band, dichiara: “questa canzone racconta di una visione distorta nella vita: ti alzi che stai già combattendo contro te stesso, perché non ti va bene il mondo che ti hanno costruito attorno e non ti va bene come ti hanno sempre detto di comportarti. Guardandoti allo specchio vedi la parte più inconscia e nascosta di te, che sa esattamente quello che devi fare: salva te stesso e fregatene degli altri.”

Il video è stato girato da Mario Luca Gallo e Mattia Caccia, editato e montato da Twoem Films e Fulvio Santarpia.

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Con la sua voce potente, ricca di colori e sfumature Soul, la talentuosa cantautrice Sarai torna a far battere i cuori degli ascoltatori a ritmo della sua musica: “Ci hai perso tu” (The Bluestone Records/Believe Digital) è il suo singolo di debutto solista, disponibile in tutti i digital stores.

Il brano, scritto dalla stessa artista durante la sua permanenza nella vivacissima Repubblica Dominicana, è il primo in lingua italiana ed è il frutto di una delusione d’amore, una delusione che, invece di trasformarsi in una ballad malinconica e strappalacrime, fa centro con un ritmo incalzante, che trasforma la rabbia in grinta e la frustrazione in carburante per ricominciare a vivere.

«”Ci hai perso tu” – dichiara Sarai – è una canzone che ho scritto durante l’anno che ho vissuto nella Repubblica Domincana. Racconta una relazione finita, che faticavo ad accettare come tale. Scriverla mi ha aiutato ad “aprire gli occhi”, a metabolizzare tante cose che il mio cuore non mandava giù e spero possa fare lo stesso con le persone che l’ascolteranno, portando in loro la serenità di cui si ha bisogno per andare avanti, per proseguire nel meraviglioso cammino della vita».

Quando siamo travolti dai sentimenti, capita spesso di non rendersi conto di quanto doniamo, senza chiedere – e senza ricevere – nulla in cambio. La musica, anche in questo caso, viene in nostro soccorso per darci la spinta giusta, quella di cui necessitiamo per comprendere che stiamo avanzando in una direzione sbagliata, sbagliata per noi e per quel preciso momento della nostra esistenza, prendendoci per mano, asciugando le nostre lacrime e facendoci tornare a vivere a pieni polmoni.

Punto focale del brano è la consapevolezza che, nonostante il dolore provocato dalla fine di una relazione, se ci siamo donati completamente all’altro, senza alcuna riserva, non abbiamo perso nulla, bensì, è l’altra metà della coppia ad aver perso qualcosa di importante: da qui il titolo, “Ci hai perso tu”.

La produzione, fresca ed accattivante, è arricchita da contaminazioni fortemente Blues, che fanno da cornice perfetta alla voce black, roca e calda dell’artista romana. Il testo è un arguto racconto della libertà ritrovata, un bellissimo e raffinato mix linguistico tra italiano, spagnolo ed inglese, che dà vita ad un prodotto assolutamente unico, potente, che evidenzia l’universalità della musica.

«Al diavolo le tue bugie, tutte le tue ipocrisie e ascoltami bene, chi ti ama non daña, chi ti ama ti cerca, chi ti ama ti ama e non c’è scusa che tenga», parole che ci ricordano quanto l’amore non sia una collezione di ferite sul cuore e quanto sia importante amare in primis noi stessi, le uniche persone con cui, senza dubbio, condivideremo il resto dei nostri giorni, perché è solo accettandoci e volendoci bene che possiamo dare un taglio al passato e comunicare, a testa alta, a chi ci ha fatto del male che «ora non ci son più, ma tanto, ci hai perso tu».

Ad accompagnare il brano, il videoclip ufficiale, diretto da Elena Tittarelli che riconduce, attraverso una serie di splendide immagini, al significato del testo, invitando l’ascoltatore ad immergersi in un contesto audiovisivo che ha come obiettivo finale la trasformazione, una metamorfosi liberatoria che può avvenire soltanto incanalando le esperienze negative in un oceano di vita, speranza ed energia.

Guarda il video.

Giovane, bella, determinata e con una vocalità che rapisce sin dal primo ascolto, Sarai è una giovane leonessa della musica del Belpaese, che dopo l’esperienza in qualità di frontwoman e seconda chitarra nella band punk-rock Four Vibes ed un anno vissuto nella Repubblica Dominicana, torna con questo suo primo progetto solista, nonché primo in lingua italiana, che mette in luce non soltanto le sue capacità da autrice, ma anche quell’urgenza espressiva e quel desiderio di trasformare le negatività della vita in punti di forza, tipici delle grandi artiste.

Biografia.
Sarai, pseudonimo di Sara Bassotti, nasce a Roma il 09 Settembre 2001. All’età di 14 anni inizia a scrivere i primi testi, mossa dall’urgenza di raccontare e raccontarsi e dall’esigenza di esternare una grande delusione familiare che la teneva ancorata al passato. La Musica è per lei un’entità a cui raccontare tutto, un angelo custode a cui affidare pensieri, sogni, gioie e paure, sconfitte e vittorie; una sorta di oracolo a cui porre domande e dal quale ricevere risposte, risposte che non tardano mai ad arrivare. Inizia a suonare da autodidatta e, poco dopo, si iscrive a corsi privati, fino a seguire il percorso formativo in Chitarra Jazz al Conservatorio di Roma. Negli anni del Liceo, ricopre il ruolo di frontwoman e seconda chitarra del gruppo punk-rock Four Vibes, con cui pubblica, nel 2018, l’EP di debutto “Such a Good Lover”. Nello stesso anno, Sarai intraprende un’esperienza all’estero, trascorrendo un anno nella coloratissima Repubblica Dominicana: un’esperienza che cambia profondamente l’artista, arricchendola personalmente e professionalmente. Al suo ritorno in Italia, si avvicina sempre di più al panorama discografico nazionale, cimentandosi nella composizione di brani originali, che fondono le sonorità attuali alle sue radici rock, dando così vita ad un indie-pop-rock unico nel nostro Paese. Il suo talento, la sua determinazione ed il suo amore per la musica la portano, a fine 2020, a firmare un contratto discografico con The Bluestones Records, attenta e proficua label romana con cui Sarai pubblica, il 19 Febbraio 2021 il suo primo singolo da solista, “Ci hai perso tu”. Una voce ricca di colori Soul che punta e giunge dritta al cuore, una vocalità piena, calda, avvolgente, che prende per mano l’ascoltatore ed attraverso l’universale abbraccio della musica, lo trasporta in un mondo costellato di sogni, speranze ed energia.

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Federica in arte Ametysta si presenta per la prima volta al pubblico con: “The sun“.
Singolo malinconico ma dalla grande forza d’animo, come lei d’altronde.

Questo brano rappresenta proprio la presa di coscienza dell’artista, che ha guardato in faccia i propri fantasmi e ha deciso di farci pace perché non c’è miglior modo di vivere la vita che dare valore alle proprie piccole azioni finché se ne ha la possibilità.

BIO

“C’è nessuno? Ehi! Tu, sì tu. Piacere! mi chiamo Ametysta e scrivo canzoni.
Quante volte ti sei sentito incompreso, solo, un alieno sul pianeta sbagliato? Io sempre. credo davvero di essere sempre fuori luogo.

E ho alcuni fantasmi che me lo ricordano, nessuno può vederli o sentirli se non io, eppure non mi scoraggio, so che non devo dare peso alle loro parole.

E so anche che molti altri hanno questi fantasmi, a volte anche di peggiori ed è per questo che scrivo musica: per ricordare di non arrendersi, di comprendersi fino in fondo, di non vergognarsi, di amare ed amarsi, di non ascoltare chi vuole darci delle etichette, di chi ci da dei pazzi. Perché non siamo soli e non lo saremo mai.”

Dopo anni d’insicurezza nel rendere pubblica la propria arte, Federica in arte Ametysta ha finalmente modo di presentarvi il proprio primo singolo: “The Sun”.

Prima della nascita di questo brano le giornate scorrevano, i problemi erano sempre gli stessi, ma ad un tratto la rivelazione: nella propria mente per la prima volta ha avuto la totale consapevolezza della morte.

Un giorno, anche per lei il giorno sarebbe arrivato e non avrebbe potuto farci nulla.

Superati i giorni insonni e in lacrime, nei quali non riesce ad accettare questa condizione inizia a sentire come mai prima di allora lo scorrere del tempo, intorno e dentro di lei.

Allo stesso tempo la vita stessa aveva assunto un nuovo valore, la sola propria percezione del respiro era diventata qualcosa di meraviglioso.

Niente andrebbe dato mai per scontato , non bisognerebbe temere la morte e al contrario è necessario valorizzare le proprie scelte per uscire dal proprio bozzo e volare via come farfalle, libere, finche il sole non muore oltre l’orizzonte.
Questa è Ametysta.

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L’esordiente GUARANY, new entry in Street Label Records, si presenta con un singolo carico di “amorevole” energia.

GUARANY, giovane artista di Monte Porzio Catone (Castelli Romani), fa il suo debutto con Street Label Records con il singolo “La tua parte sottile”.

Il brano, prodotto da Claudio Zampa e Flavio Zampa presso lo studio Impronte Records, è disponibile su Spotify e nei maggiori store digitali con distribuzione Believe.

Dopo anni di studio partiti dalla chitarra e dopo numerose esperienze con band differenti e gavetta sui palchi, l’artista ha sentito la necessità di lavorare a qualcosa di personale e ufficiale.

GUARANY racconta: “Sono stato il secondo in tutto, per tutta la vita, questo è il mio peso più grande, ma la musica mi ha dato sempre una carezza ed una possibilità ed ora voglio restituirgliela, con tutta la forza ed il fiato che ho in corpo. Quello che scrivo è un incontro tra la voglia di tirar fuori ad ogni costo quello che non va in me, ma anche tirar fuori quello che va fin troppo bene come la voglia di vivere tanto e forte, l’intenso legame con i luoghi in cui sono cresciuto e la forte, fortissima fiducia nella speranza. Insomma vedere e avere la consapevolezza che il bicchiere sarà sempre mezzo vuoto, ma anche e contemporaneamente mezzo pieno. Forse è l’incoscienza latente che mi fa ancora parlare in questo modo, ma si, ho bisogno di cantare.”
Il singolo proposto, tipicamente Indie Pop con qualche nota Rock e Happy Punk, è auto biografico e descrive “spigoli e angolature” esclusive della personalità del partner, che poche persone riescono a percepire. Il brano, incoraggiando ad apprezzare ogni sfumatura del partner, parla di una storia d’amore che vuole farsi raccontare attraverso il coinvolgimento e l’empatia.

“La tua parte sottile” è il primo singolo a taratura ufficiale per l’artista e ci si augura possa essere il preludio di una collaborazione più corposa.

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Da oggi giovedì 14 gennaio 2021 è disponibile su tutte le piattaforme streaming e digital stores “Umana Follia” il primo singolo del cantautore abruzzese Franco Alfano.

Il 2021 segna così il debutto del giovane artista abruzzese con un progetto solista che prende il via con il singolo “Umana Follia” di cui è disponibile su YouTube anche il videoclip

LINK AL VIDEOCLIP:

YouTube
https://youtu.be/Y2qnnAaDzSw

FRANCO ALFANO PARLA DEL BRANO “UMANA FOLLIA”

“Paura, preoccupazione, apprensione e tante altre spiacevoli sensazioni alle quali il nostro corpo fa fatica a adattarsi – spiega No Lodo – soprattutto dopo i mesi appena trascorsi. Tra questi l’ansia è l’umana follia che stressa il nostro corpo e la nostra mente. Il brano è una richiesta di aiuto rivolta alla musica che rappresenta allo stesso tempo la salvezza per chi nella propria vita è stato in grado di accoglierne lo straordinario potere curativo”.

BIOGRAFIA

Il 2021 segna il debutto di No Lodo, autore di brani in lingua italiana. Classe 1989, Franco Alfano, in arte “No Lodo“, grazie alla militanza come frontman e autore nella prima band “Luci Rosse Senza Porno”, colleziona dal 2015 esibizioni dal vivo che gli consentono di aprire i concerti di: Marlene Kuntz, Gianni Maroccolo, Luca Barbarossa, Renzo Rubino, Management, Voina, Giorgio Ciccarelli, Silvia Mezzanotte, L’Orchestraccia, Punkreas.

Prende parte al “Meeting Del Mare 2019”, al MEI di Faenza e al “Sanremo Rock Festival” oltre a svariati festival e palchi minori dislocati soprattutto nel centro Italia. In Abruzzo, terra natìa, è ospite del “Non il solito Festival” e “Arzibanda” dove hanno lasciato traccia artisti come Mannarino, Levante e Diodato.

FACEBOOK

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Tanto tempo a disposizione e il filo dei pensieri che pian piano si snoda sulle note della chitarra caratterizzano la nascita di questa ballad dalle sfumature pop 

“Improvviserai” nasce da un dialogo con sé stessi in una di quelle giornate, l’una uguale all’altra, trascorse durante il primo lockdown: a casa, con tanto tempo a disposizione per sistemare pensieri e obiettivi, ma senza la forza di farlo concretamente, mentre frigorifero e tv diventano tentazioni irrinunciabili al pari del continuo scrollare sullo smartphone, inseguendo i trend social. 

Un connubio fra solitudine e voglia di evadere che porta Lak a imbracciare la chitarra e scrivere seguendo il flusso dei pensieri. 

«Dovresti utilizzare quel tempo per raggiungere nuovi obiettivi e migliorarti, ma giri e rigiri per casa pensando a quale possa essere l’idea del secolo o il futuro perfetto, o peggio, cosa avresti potuto evitare e ciò che vorresti cambiare, anche soltanto un po’. Prendo l’acustica, parlo da solo e mi autocritico come ogni volta! E’ più forte di me, la voglia di scappare e andare via di qua.. E non importa dove, come o con chi, così nasce la mia canzone». Lak

Il brano è stato prodotto da VegvisirProducer

Radio date: 22 dicembre 2020 

BIO

Luca Ammazzini – in arte Lak – nasce a Bra (CN) il 1 Dicembre 1993. Fin dalla giovane età sviluppa una passione per la musica tanto che, non appena regalatagli la sua prima chitarra, decide di iscriversi all’indirizzo musicale nella scuola media di appartenenza.

Qui impara le basi dello strumento, della musica classica e l’emozione del suonare su un palco e davanti ad altre persone, un mondo che lo affascina fin da subito.

A 14 anni inizia a scrivere i suoi primi testi, improvvisando accordi studiati da autodidatta ed influenzato da artisti come Max Pezzali, Edoardo Bennato, Alex Britti ed altri giganti del panorama pop.

Nel corso degli anni Lak, affezionato ormai alle sonorità della chitarra acustica, approfondisce lo studio iscrivendosi ad un istituto musicale, conoscendo il suo insegnante di chitarra ed attuale produttore.

Contatti e social

Instagram: https://www.instagram.com/just.lak/

Facebook: https://www.facebook.com/Lak93/?ref=page_internal

Youtube: https://www.youtube.com/channel/UCWjRncW8tA5pYygKFyVp0Og?view_as=subscriber

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Sarà disponibile dal 15 gennaio “Manchi” il brano d’esordio dei Favola, duo futurepop composto da Riccardo Riccio e Diego Mora, ventenni che hanno deciso di mettere in comune le rispettive esperienze in ambito musicale per consacrarsi allo scopo di lanciare un genere già affermato nelle scene underground estere, ma ancora sconosciuto in Italia.

Il futurepop nasce a fine anni ’90 e si caratterizza per la forte influenza del synth pop e le sonorità electro industrial, unite per creare brano estremamente ballabili.

È questo il caso di “Manchi” che, nel suo essere stato registrato e sviluppato tra Inghilterra e Italia, riassume in sé il suo sapore internazionale e il proposito dei due musicisti e produttori di introdurre queste nuove sonorità a casa nostra.

Tra drop e campionature personalissime, il brano racconta con un sorriso malinconico la nostalgia per amori che, per quanto passati, lasciano sempre una traccia. Un’istantanea che fermi un breve momento di felicità, facendolo rivivere anche quando si sarà concluso.

Riccardo e Diego raccontano un amore fresco, spontaneo, ma con la consapevolezza di chi lo ha visto finire e cerca di trattenerne l’essenza, le sensazioni.

“Questa canzone racchiude il nostro desiderio di vivere emozioni bellissime legate ad amori passati e di immortalarle in una foto per non dimenticare mai quelle sensazioni vissute”.

Scavando nelle storie individuali dei due componenti, vediamo come il loro primo vero amore è quello per la musica, che li ha accomunati fin dall’infanzia facendoli poi incontrare per la prima volta nelle aule della ACM University of London.

Da lì è cambiato tutto: la nascita dei Favola, in cui vanno a confluire gli anni di esperienza di ciascuno dei due, scatenando immediatamente la reazione sui social, in particolare Tik Tok e Instagram, e rubando i cuori di migliaia di teenager, che li hanno fin da subito acclamati come loro idoli.

Ma non sono solo i like a parlare: nonostante la giovane età entrambi possono vantare un’ampia esperienza nel songwriting e nel music producing, tanto da potersi permettere di autoprodurre i propri lavori.

Il loro incontro ha permesso ad entrambi di far esplodere quel potenziale latente che da tempo cercavano di sviluppare.

Nel web:

RICCARDO RICCIO:

TIK TOK https://www.tiktok.com/@riccioriccardo?lang=it

INSTAGRAM https://www.instagram.com/riccardoricciofficial/

DIEGO MORA:

INSTAGRAM https://www.instagram.com/diegomorareal/

FAVOLA:

WEB: https://www.favolamusic.com/

INSTAGRAM https://www.instagram.com/wearefavola/

FACEBOOK: https://www.facebook.com/favolamusic

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“Per te” è il singolo d’esordio della giovane cantautrice palermitana ARIELE, da oggi disponibile in digitale e in radio: un brano pop ricco di contaminazioni soul raccolte negli anni dalla giovane artista che si affaccia per la prima volta sul mercato discografico dopo aver coltivato per anni la passione per il jazz e l’R’n’B. A breve sarà online anche il videoclip, girato al Teatro “Regina Margherita” di Caltanissetta, con la regia e il montaggio di Ciccio Leo.

Una ballad che la cantautrice dedica alla propria compagna di viaggio, la Musica: “ ‘Per te’ è nata in una notte della scorsa estate – racconta ARIELE -. Stavo attraversando un periodo turbolento e mi andavo rendendo conto che l’unica cosa che mi ascoltasse veramente fosse Lei. Fu allora che iniziai a vederLa, ed è da allora che ha iniziato a farmi compagnia in questo viaggio chiamato vita. Lei, Musica, timida protagonista di questo brano, c’è sempre stata e non mi ha mai chiesto nulla in cambio. È fedele e mi accetta per quello che sono. Credo sia questo, su tutto, che la differenzia da noi esseri umani.”

Il videoclip del brano vede in scena la cantautrice al centro del palco immersa nell’enorme gonna in tulle e la Musica, impersonata da una danzatrice. La Musica, legata alla protagonista da un legame indissolubile, le danzerà intorno per tutta la durata del video, legandola per sempre a sè con della stoffa sul finale.

Al brano, scritto da ARIELE e prodotto da Ciccio Leo (mix a cura di Riccardo Piparo e mastering di Roberto Romano) hanno partecipato Ciccio Leo al piano/keyboards, Manfredi Tumminello alle chitarre e Federico Gucciardo alla batteria.

Noemi Palumbo, in arte ARIELE, è cantautrice di matrice jazz. Si forma presso il Conservatorio di Musica “Alessandro Scarlatti” di Palermo. Fin da subito si avvicina al genere musicale R’n’B esplorando artisti pionieri della nuova corrente neosoul come Erykah Badu, Robert Glasper, Lalah Hathaway e simili. Inizia l’attività concertistica giovanissima vantando collaborazioni internazionali con artisti del calibro di Peter Eskine, Marco Masini, Davide Shorty. Nel 2020 inizia la produzione del suo primo lavoro discografico pop/soul in uscita nel 2021 sotto la guida del producer Ciccio Leo.

Link Social

IG: http://www.instagram.com/i_am_ariele
FB: http://www.facebook.com/arielemusicpage

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Da  oggi, venerdì 18 dicembre, è disponibile in digital download e su tutte le piattaforme streaming “Circuiti”, il nuovo EP del cantautore milanese Riccardo Romano. Il lavoro, composto da sei brani che rappresentano il debutto solista dell’artista già voce dei Syntesthesia, è un viaggio introspettivo nel mondo di Riccardo e, allo stesso tempo, il racconto di come l’artista percepisce il mondo intorno a lui. Le sonorità lasciano spazio all’originalità e alla sperimentazione, con la chiara intenzione di non porre limiti ai generi. Il risultato è una tracklist variegata, nella quale trovano spazio rockeggianti riff di chitarra, ballad accompagnate dal pianoforte, e musica elettronica.

 Ecco la tracklist di “Circuiti”:

Cicche al mentolo

Corto circuito

Fuliggine

Le 3 e 23

Socialvitamanager

DarthFather

Riccardo Romano: “Circuiti” descrive appieno quello che queste canzoni rappresentano per me, una piccola parte di quello che sono, un insieme di episodi vissuti. La continua lotta tra pigrizia e voglia di fare, il rendersi conto di dare poca importanza a chi ci circonda, il rapporto con un genitore, l’imprevisto dell’ultimo minuto, il comprendere che basta poco per stare bene e il corto circuito che ti porta a interrogare te stesso. Questo è quello che si può trovare all’interno del mio EP, ossia, Riccardo.

 “Circuiti” è stato scritto da Riccardo Romano che ne ha anche composto le musiche con Lorenzo Avanzi. Produzione, mix e master di Lorenzo Avanzi. Studio di registrazione AVZ Studios. Hanno suonato: Riccardo Romani, Lorenzo Avanzi.

Riccardo Romano, classe 1996, è un cantautore milanese. Immerso nella musica sin da bambino, fonda la sua prima band nel 2015 i Syntesthesia, con cui pubblica nello stesso anno “Bianco”, EP nel quale è presente “Ti Disegnerei”, brano utilizzato da Angelo Pintus alla fine degli spettacoli del Tour “Ormai sono una Milf”. Nel 2019 comincia il suo progetto da solista pubblicando due brani “Cicche al mentolo” e “Socialvitamanager”. Nel 2020 pubblica “Circuiti” il suo primo EP da solista.

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La giovane cantautrice Ary presenta il suo primo singolo “Volte“, in ricordo della madre e di tutte le volte “In cui ho pianto, riso, cantato, urlato, fatto l’amore. Le volte in cui mi sono sentita viva. Tutte queste volte creano la vita e tutte le mie volte hanno creato la mia canzone”

In tutti gli store digitali “Volte” (Mary Jane Records – Dibenedetto Edizioni), il primo singolo della giovane cantautrice piemontese Arianna Mancini, in arte Ary. Il brano, che porta la firma anche di Walter Mariano e prodotto da WOW Records, è un inno alla vita, un messaggio di speranza in questi tempi bui.

Lyric video “Volte”: https://youtu.be/w5Qs6HLEmec

Ary racconta: – ‘Volte’ è nata a settembre, un po’ come l’inizio della scuola e la fine delle vacanze mi ha fatto un po’ male. Ero arrabbiata quella sera, perché era il nono mesiversario della morte di mia mamma. Odio i mesiversari. Odio la SLA. Ero seduta sul mio letto e mi chiedevo come stavo facendo a vivere senza di lei, com’era possibile essere così forti, così resilienti, anche quando la vita ti sotterra… così ho iniziato a ricordare le mie Volte. Quella volta, il primo bacio sulle scale a scuola. Quella volta in cui Giulia, la mia migliore amica, mi ha fatto una sorpresa portandomi un bicchiere di vino e il dvd del mio film preferito. La volta in cui correvo a piedi nudi sulla spiaggia, le volte in cui ho pianto, riso, cantato, urlato, fatto l’amore. Le volte in cui mi sono sentita viva. Tutte queste volte creano la vita e tutte le mie volte hanno creato la mia canzone. Volte è un messaggio di forza, è la voce di chi ha sofferto ma vuole dirvi che è possibile andare avanti. Sempre e comunque! Volte vuole che voi non vi arrendiate mai, perché la vita è un dono. E noi dobbiamo vivere tutte le volte mai restare a guardare -.

BIO
Arianna Mancini, nata a Borgomanero (NO) classe 96, è una giovane e intraprendente ragazza, meglio conosciuta con il nome di ARY. Sin da piccola si appassiona al mondo della musica. Lei è un vulcano, una casinista, ma allo stesso tempo è la ragazza più dolce del mondo. La sua sensibilità è chiaramente percepita nei suoi brani e ogni frase nasconde dietro un mondo. Le sue capacità narrative riescono subito a farti innamorare, vorresti scoprire quel ‘di più’ nascosto tra le righe. Arianna ama il rosa, la fa sentire al sicuro e le fa ritrovare la sua infanzia persa. Tutti i suoi tatuaggi hanno un preciso significato. Nulla è lasciato al caso! Oltre la passione per la musica ama i video e l’intrattenimento, sul web è già popolare tra i giovani per essere co-fondatrice di “The Aktriz” un format Youtube supportato dal noto duo comico “The Show”, i suoi video totalizzano milioni di visualizzazioni. Il motto è “due attrici in un paio di jeans”. Il format approda persino a Radio DEEJAY, ospiti di DJ Wad. Ma ciò che la fa veramente svegliare al mattino è la musica. La scrittura. Arianna ha una sola missione: fare dei suoi brani la colonna sonora preferita della vostra vita. Al momento è al lavoro su nuovi brani.

Social:
IG ARY: https://www.instagram.com/yyarianna
INSTAGRAM etichetta: https://www.instagram.com/wowrecordsofficial
WEB SITE etichetta: http://www.wowrecords.it

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Il proposito del disco di esordio di Dario Arrabito è chiaro fin dal titolo. SPAZIO ALLE EMOZIONI si presenta come un compendio di sentimenti, riflessioni, stati d’animo e vita vissuta che il cantautore toscano offre a chiunque voglia ascoltarlo.

Tra suoni più distorti e la ricorrente presenza della tradizione cantautorale italiana, Dario Arrabito restituisce al suo pubblico un’analisi profonda della sua intimità: amore, passione, gioia, ma anche rabbia e malinconia. Da questo atomo primigenio esplode la necessità che ognuna delle singole sfaccettature del suo personale microcosmo riceva riconoscimento e dignità sia singolarmente che nella loro somma.

Dall’amore disilluso de “Il perfetto amante” alla sofferente liberazione di “Una fottuta bugia”, fino all’esortazione a non lasciarsi sopraffare di “Dimmi”, Dario Arrabito dimostra che ogni sentimento va a comporre un disegno perfetto, da vivere fino in fondo e da assaporare in ogni suo più piccolo particolare, al fine di poter conoscere meglio se stessi e, di conseguenza, il mondo che ci circonda.

L’artista non teme di affacciarsi sui più profondi baratri del dolore, come nel singolo “Marcinelle”: l’ultimo saluto al figlio di un padre morto nel tragico incidente avvenuto nell’omonima località belga, che non si traduce in un addio definitivo e che, anzi, diventa un invito a cercarlo sempre nella volta stellata.

“È necessità dell’essere umano, in ogni istante della sua esistenza, provare emozioni. Altrimenti è come se vivesse il suo tempo in disparte, in terza persona, lontano dalla pura essenza che ogni respiro porta con sé”. (Dario Arrabito).

Il disco è prodotto da Pino Scarpettini con Clou Edizioni.

TRACKLIST:

1) Vattene

2) Confini

3) Il perfetto amante

4) Il mio universo

5) Il desiderio

6) Dimmi

7) Tardi

8) Il ricordo

9) Marcinelle

10) Cronisti del tempo

11) La casa del sole (ft. Giulia Conti)

12) Una fottuta bugia – (bonus track)

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KAMILLA “La Chance”

in radio dal 10 dicembre con il suo primo singolo e dall’11 dicembre in digitale. 

Dal 10 dicembre arriva in radio “La chance”, il primo singolo della giovane artista salentina, Kamilla prodotto da Luca Venturi per Prima la musica italiana (On The Set/ Believe Digital).

Il brano scritto da Barbara Montecucco, Mirko Verrengia e Alfio Santonocito, è arrangiato da Franco Muggeo, registrato da Massimo Stano al Mast Academy Studio di Bari e masterizzato all’Energy Mastering da Claudio Giussani. 

“La chance, è una canzone che ho amato da subito – racconta Kamilla – è stata come un’attrazione fatale, come quella della donna verso il mare. Ogni volta rischi una tempesta, ma non smetti di imbarcarti, perché’ non sai rinunciare a quella sensazione carnale di libertà, per poi navigare al buio… au petit bonheur la chance”.

Il video clip per la regia di Marco D’Andragora, (DamStudio)è stato girato a Lecce presso Antonio Tarantino Concept.

Camilla Guido, in arte Kamilla, nata a Lecce il 16 agosto 2004, frequenta il terzo anno al Liceo classico Palmieri di Lecce, ama cantare, ballare, leggere e dipingere.

Sin da piccola ha frequentato diverse accademie musicali salentine, partecipando a molti concorsi canori ottenendo sempre ottimi risultati grazie al suo carisma e alla sua voce particolare.

È una ragazza versatile, ama sempre mettersi in gioco e sperimentare nuovi look e stili musicali particolari.

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Esce oggi venerdì 11 dicembre 2020 il nuovo singolo di Eugenia Martino, dal titolo E ALLORA, title track del disco d’esordio in uscita prossimamente (prod. Mogol, L’Altra Metà SRL / Massimo Satta). Si tratta di un brano autobiografico, uno sfogo di chi, lontano da banchi di scuola e pregiudizi di genere, prende le distanze dalle convenzioni e regole, spesso autoimposte. Un nuovo capitolo per la cantautrice Eugenia Martino che si mette a nudo per permetterci di entrare nel suo mondo, di un fine e agro-dolce cantautorato al femminile.

Eugenia Martino è una cantautrice, autrice e compositrice romana, classe 1986, nel 2016 firma con AreaSonica Records con la quale pubblica l’Ep “DANDY&ROLL” prodotto in collaborazione con Maria Grazia Fontana. L’Ep riscuote un discreto successo nell’underground, il brano MAGGIO arriva semifinalista al Premio Lunezia, il secondo singolo “Lacrime di ghiaccio” arriva in finale al premio “Senza Etichetta” mentre il terzo singolo CIELO vince il miglior testo al Premio nazionale “Donne d’autore” e arriva in semifinale al Festival di Ghedi e a Musicultura. Nell’estate del 2018 viene chiamata ad aprire concerti di alcuni artisti rinomati come Massimo di Cataldo e Giuseppe Anastasi. Nel 2018 pubblica il singolo in memoria di Davide Astori ,”CANZONE PER DAVIDE” raccogliendo migliaia di download e views in sole 2 settimane. Nell’estate del 2018 scrive il brano “Ladro per te” per Davide Rossi con cui vince il Roma Summer Contest. A gennaio 2019 il brano “ MARIELLE” scritto per Ylenia Iorio vince il Premio Donida, ed ottiene un contratto editoriale con la Universal Music Publishing. L’uscita del suo primo disco “E ALLORA” è prevista per Febbraio 2020, produzione esecutiva di Mogol (L’altra metà SRL), produzione artistica Massimo Satta.

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La giovanissima cantautrice Giada Sardu, in arte Nudda, esce in tutti gli store digitali con il singolo “Toc Toc” e fa il suo ingresso ufficiale nel mondo della discografia italiana

Una ballad intensa, dalla sonorità electro-pop che porta la firma di Luca Napolitano e di Giuseppe Coccimiglio, prodotta da Taurus per la Da 10 Production, etichetta discografica che vanta in catalogo artisti del calibro di Napo (Luca Napolitano), Irama, Federica Camba, Francesco Guasti e molti altri.

Toc Toc parla degli errori, quelli che possono provocare piacere ma anche altrettanto dolore, quelle storie in cui siamo disposti a dare tutto noi stessi ma talvolta sbagliando anime. In questa canzone c’è il desiderio, la delusione e la consapevolezza di dover andar via nonostante tutto.

Videoclip “Toc Toc” (alla regia Druga, D.O.P. Davide Micocci): https://youtu.be/MEnAqTDn1Go

Si tratta dell’istante prima dell’addio, quello in cui per l’ultima volta si cerca ciò che è mancato: -Toc Toc ci sei? Toc Toc, fai sempre gli stessi errori, così muori ogni giorno dentro. Voglio cancellarti da tutto, anche dal mio Tik Tok. Vorrei averti dentro di me, per sempre, toc toc ci sei?

Giada racconta: “La canzone rappresenta la realizzazione del mio sogno, quello di fare l’artista o almeno provarci. La cosa più spettacolare è che ho intrapreso questo percorso con una produzione di tutto rispetto, la Da 10 Production che è la mia nuova famiglia. Ho avuto l’onore di lavorare, per il mio video, con Druga, un’artista con la A maiuscola, che ha lavorato nel panorama internazionale occupandosi delle produzioni dei Big più importanti di Italia, ha saputo dare al mio brano il valore aggiunto con la sua firma: regia, riprese, sceneggiatura. Il video è stato girato a San Giorgio Ionico in provincia di Taranto. Sono davvero entusiasta e lusingata di questo primo progetto”.

Breve BIO
Giada Sardu è nata a Siena il 02/06/2000. Si è avvicinata alla musica all’età di 13 anni, perché era l’unica cosa che realmente le interessava e dava forza. Da allora la musica ed il canto hanno aiutato la cantautrice ad affrontare la vita diversamente, trovando il coraggio piano piano di aprirsi al mondo esterno. Dopo anni e sacrifici dedicati allo studio di chitarra e canto ora è pronta ad affrontare questo percorso discografico.

Contatti social
https://www.instagram.com/da10label/?hl=it
https://www.instagram.com/nudda.official/?hl=it

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L'articolo LE COSE PIÙ BELLE”, il singolo che segna il debutto della cantautrice romana Elisabetta D’Aiuto, in arte SETE proviene da Agenzia Stampa.

Dal 27 novembre sarà disponibile su tutte le piattaforme di streaming e in rotazione radiofonica “VOLERAI”, il singolo d’esordio di LUNANICO, cantautore dal carattere introverso, caratterizzato da una scrittura tipica di quella bella follia cantautorale italiana.

Con il suo brano d’esordio “Volerai”, l’artista racconta una storia che ha vissuto indirettamente ma che l’ha toccato particolarmente da vicino.

Spiega Lunanico a proposito del nuovo brano: «Volerai nasce, come tutti i miei testi, nella mia camera, che è ormai diventata anche il mio piccolo studio di registrazione. Mi è sempre piaciuto ascoltare i problemi della gente per poi cercare di aiutarli nel mio piccolo, come se fossi una sorta di psicologo a tempo perso, e “Volerai” nasce proprio così, con un problema di base ma senza una soluzione apparente. Molte volte quando la gente si sente infelice si lamenta, con frasi fatte come ad esempio “nessuno mi capisce” oppure “sono tutti felici tranne me”, con l’unico scopo di attirare l’attenzione a sé e di sentirsi amati. Il problema però sorge quando tu offri una mano, ma la persona di fronte a te non la vuole, vuole solo rimanere da sola, consapevole del suo futuro. Volerai parla di un tema tabù, il suicidio, tema che viene poco trattato dai media, poiché mal spiegato e sempre mal concepito. Sicuramente al primo ascolto, il brano risulterà felice, pieno di speranza, se però si va a leggere il testo con attenzione, si può notare che la canzone è tutt’altro che gioiosa. Era proprio questo l’impatto che volevo, delle sonorità felici che potessero mascherare il brano, così che solamente le persone attente potessero capire il vero tema del brano».

Biografia
Nicolò De Carlo in arte Lunanico è un cantautore, classe ’02, nato a Lugano in Svizzera.
Il nome nasce semplicemente come mix tra lui e la sua personalità ovvero essere lunatico (lunatico + nico)

Scrive i suoi testi fin da quando aveva 15 anni e ha sempre avuto la passione per la musica.

Adora utilizzare parole ricercate nei suoi testi per distinguersi dalla massa, e passa la maggior parte del suo tempo libero a cercare nuove emozioni da trasmettere al pubblico.
Si auto-definisce un cantautore “atipico” per la sua giovane età e nei suoi testi fa emergere situazioni difficili e tabù di cui la società non vuole parlare.

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L'articolo Da venerdì 27 novembre, in tutti i digital store: “PRESENTE”, l’album di debutto di EMANUELE BIANCO proviene da Agenzia Stampa.

Uscirà alla fine di novembre sulle principali piattaforme digitali Mi Presento, il primo inedito di Magan Rodriguez prodotto da Stefano Stefanelli in collaborazione con Alma Music & video. Le musiche sono di Alessandro Massa, il testo di Magan Rodriguez. Il 2 dicembre sarà online il videoclip ufficiale sul suo canale Youtube (https://youtu.be/P_gZSvJLVGc).

“Mi Presento nasce come uno sfogo”, spiega la ragazza che, nonostante la giovanissima età, ha grinta da vendere. “Parlo della mia storia, della mia vita, ma, soprattutto, delle difficoltà che ho dovuto affrontare negli anni. Non sono mai stata una che aveva i vestiti firmati, ma ho sempre lottato per inseguire i miei sogni. Fino ad arrivare alla vittoria di Miss Teenager Original. Con questa canzone rap voglio mostrare tutto quello che sono: presentarmi, senza nascondere nulla. Non mi è mai importato che gli altri mi vedessero diversa perché facevo cose che a loro non interessavano. E oggi sono fiera mostrare a tutti quello che so fare”.

Magan ha 17 anni e vive a Mariano Comense (Como), ma ha trascorso l’infanzia negli Stati Uniti. La mamma è italiana, mentre il papà è domenicano. Suona l’ukulele, il pianoforte e canta hip hop con un ritmo che ha innato. Frequenta il liceo linguistico con ottimi risultati. Nel 2019 è stata incoronata da Valeria Marini Miss Teenager Original Italia.  Ha iniziato a mostrare interesse per la musica a tre anni quando, nel salotto di casa, fingeva di esibirsi al pianoforte cantando. Frequenta corsi di danza moderna, tip tap, hip hop, popping e break dance. Vince numerose borse di studio che le permettono di studiare con coreografi di fama internazionale. Col tempo scopre di saper cantare e rappare in inglese in modo sorprendente e di poter accompagnare la sua voce suonando l’ukulele. Inizia così a scrivere testi.

Nonostante la giovanissima età Magan ha le idee chiare: vuole diventare una pop star come Rihanna e Beyoncé e rappare come Eminem. E magari calcare un giorno palcoscenici importanti come quelli di Broadway.

L'articolo “Mi presento” il primo singolo di Magan Rodriguez, bellezza italo domenicana lanciata da miss teenager original proviene da Agenzia Stampa.

Disponibile dal 20 novembre in radio e su tutte le piattaforme digitali, “Vivi a domani”, il primo singolo della band abruzzese Sirente prodotto da Ioska Versari –
produttore discografico e direttore artistico di FLEBO records – missato e masterizzato
da Francesco Tosoni (Noise Symphony).

La band propone un pop attuale e immediato che non trascura, in pieno stile it-pop, di
attingere dalla tradizione cantautorale: la forza delle melodie è incorniciata da una
produzione sia tradizionale nel suo essere “suonata” che moderna nell’utilizzo dei synth; un
sound attuale con testi semplici concepiti per immagini e di facile immedesimazione anche grazie ad un canto che unisce perfettamente spinta e controllo.

Jonathan Di Felice (voce), Matteo Fontana (batteria) e i fratelli Valerio (chitarra) e Riccardo Giuliani (basso) sono quattro ragazzi abruzzesi profondamente legati alle proprie radici: la passione per la musica e il sentimento comune verso l’appartenenza al territorio li porta ad incontrarsi e a formare la band, ispirandosi alla forza e alla resilienza della terra dalla quale provengono. Il Sirente, la vetta più alta del gruppo montuoso che sovrasta la loro città di provenienza – L’Aquila – si fa così guardiano silenzioso e imponente che veglia su di una ripartenza non solo materiale ma soprattutto emotiva dopo gli accadimenti storici che nel 2009 hanno segnato la città.

“Vivi a domani” parla di quel futuro che ci è sembrato venire a mancare sin da piccoli” – scrive Riccardo Giuliani, componente più giovane della band e autore del brano–
“Avevamo fra i 9 e i 14 anni quando siamo stati colpiti dal terremoto e tutto si è sospeso, come se il futuro per noi, non avesse potuto più arrivare. La “Lei” del brano non è una donna, è la musica, che ha continuato a volerci bene e proporci un possibile futuro, prossimo e tangibile”.

Prima di grandi soluzioni c’è un domani immediato che ci aspetta quindi, una nuova
generazione di ragazzi con in mano le chiavi per costruire un futuro che si possa intravedere solo se ci si tiene stretti a partire dal presente.

FLEBO RECORDS nasce nel 2019 con l’intento di allineare la produzione artistica al
mercato contemporaneo e alle tendenze del sound nazionale e internazionale. Con la
direzione artistica di Ioska Versari (musicista e produttore, già producer di Mara Maionchi
nelle edizioni dal 2017 al 2019 di XFactor) e il project management di Faro Entertainment,
Flebo è la nuova fase di un’esperienza radicata tanto nella musica quanto nel continuo
aggiornamento dei mezzi produttivi e gestionali, la forma completa di un’attività che esiste
da anni e che, finalmente con identità indipendente, basa il proprio lavoro sulla
trasformazione continua.

Sirente:
Jonathan Di Felice (voce)
Valerio Giuliani (chitarra)
Riccardo Giuliani (basso)
Matteo Fontana (batteria)

L'articolo VIVI A DOMANI è il singolo di debutto dei SIRENTE dal 20 novembre su tutte le piattaforme proviene da Agenzia Stampa.

Freedom proprio come libertà, è questo il nome d’arte scelto da Simone Zoppellari, interprete e cantautore emergente che ha pubblicato qualche settimana fa il suo primo singolo ufficiale, intitolato CIELO STELLATO.

Abbiamo intervistato l’artista, il quale ci ha parlato dei suoi sogni, delle speranze e delle aspettative per questo suo nuovo progetto…

Benvenuto Simone…innanzitutto parlaci un po’ di te: come mai hai scelto proprio la musica per esprimerti e che cosa significa per te interpretare una canzone…?

Ho scelto la musica per esprimermi, perché secondo me le note che compongono una melodia, sono come i passi che percorriamo nella nostra vita… interpretare una canzone per me, significa viverla.

Come ricordato in apertura, hai scelto la libertà come nome d’arte, un significato di notevole profondità che rimanda sicuramente ad un appeal stilistico e compositivo…

Ho scelto libertà, perché quando io sono nel mondo dell’arte, io mi sento libero in tutto:di sbagliare ,di piangere ,di arrabbiarmi e tutto questo, anche senza apparente motivo ma, soprattutto di aprirmi completamente a me stesso e tirare fuori tutto quello che ho dentro, senza pensare se sia giusto o sbagliato …

Il tuo primo singolo si intitola CIELO STELLATO e si tratta di un invito a non mollare, a credere in se stessi e nei propri sogni, focalizzando la nostra attenzione sugli aspetti della vita che ci fanno sorridere e cercando di porre una barriera contro le maldicenze…

Certo perché è davvero importante credere nei propri sogni, perché sono quelli che ci danno ossigeno per andare avanti; anche quando la strada è davvero tortuosa ,come in questo momento così difficile che stiamo attraversando tutti per via della pandemia, sono questi i momenti in cui non bisogna mollare mai e ovviamente, questo discorso non vale solo per la musica, ma vale per la vita in generale, perché la cosa più importante è credere in se stessi e lottare contro tutto quello che si oppone sulla nostra strada.

Hai realizzato assieme al brano anche il videoclip che lo accompagna, dando prova di saper riportare con le immagini, tutto il senso del testo e anche di più…come è nata l’idea e che cosa ti senti di rappresentare in un momento come questo?

In questo momento così difficile per l’arte vorrei far capire che ora più che mai, bisogna lottare per la propria passione, perché la musica in questo momento è la nostra amica più cara , capace di consolarci nei momenti di solitudine o di farci sognare quando chiudiamo gli occhi….che poi alzandoli, potremmo osservare tutte le stelle che lottano insieme a noi ad illuminare la nostra via…

CIELO STELLATO, oltre al tuo debutto sul panorama musicale indipendente, sancisce la collaborazione con il fondatore dell’etichetta Stay Record Vinn Camporeale, che cosa ha significato per te, collaborare con un professionista come lui e quanto ha arricchito la tua esperienza musicale?

Riguardo la collaborazione con l’importante etichetta discografica Stay Record di Vinn Camporeale ha significato per me davvero tantissimo, perché hai realizzatoli mio più grande sogno, che fino allora sembrava irraggiungibile… l’arricchimento che mi ha dato è qualcosa di indescrivibile, talmente è stato utile il suo appoggio, i suoi consigli, la sua professionalità…Ho anche scoperto che Vinn è una bellissima persona in tutto e per tutto, e l’incontro con lui mi ha fatto crescere molto artisticamente ma anche a livello umano.

Ora che il video ha iniziato a girare e su molte testate si parla del debutto di Freedom..quali sono i prossimi passi, i progetti futuri in vista?

L’emozione e la forza che ho in questo periodo, mi ha portato a lavorare subito ad un nuovo singolo che uscirà a Natale e per i progetti futuri, ho in programma un po’ promozione con delle ospitate in TV, e in estate ho un programma un album.

Social:

Fb: https://www.facebook.com/Simone_Freedom_Artist-108388147710607/

Ig: https://www.instagram.com/simone_freedom_artist/

L'articolo Il cantautore Freedom racconta il suo debutto con il brano “Cielo stellato”. Ecco l’intervista completa proviene da Agenzia Stampa.

Il brano di debutto di DAMIANO si intitola “COLPA DELLA VERITÀ”, ed è un quadro musicale che mostra all’ascoltatore come la verità può distruggere la barriera visiva che si crea quando si è innamorati e come il cuore e la mente possono trovarsi in continua disapprovazione su una scelta comune, che si tratti di responsabilità o di aspettative a lungo termine.

Il videoclip ufficiale del brano “Colpa della Verità” è guidato da un intreccio narrativo che mette in luce la cecità del cuore di fronte ad una palese verità che non si vuole accettare; questa verità viene mostrata sotto diversi punti di vista.

Biografia

Damiano è un giovane artista di ventiquattro anni con la passione per la musica e la recitazione. Nasce come ballerino e a poco a poco inizia ad ampliare gli orizzonti artistici, scoprendo la recitazione e il cantautorato. Iniziando da gare e competizioni nazionali ed internazionali (con la danza), inizia le prime esperienza da palco, successivamente interpretando ruoli sia in musical che in spettacoli di prosa ed infine con esibizioni live cantate. Crede molto nella libera interpretazione e nel sogno come obbiettivo e, spinto dal bisogno di divulgare la sua arte e le sue parole, intraprende la carriera come cantante solista.

Intervista:

– Cosa ti ispira durante il tuo processo creativo?

Ultimamente mi sto fidando tanto del mio istinto, lascio l’occhio vada dove vuole mettere attenzione e permetto alla mente di pensare e creare senza ostacolare i miei impulsi.

– Quali generi musicali hanno lasciato una maggior traccia nella tu visione artistica?

POP/ROCK/RAP 

– “Colpa della Verità” sembra quasi un periodo non concluso, che lascia delle curiosità. Se dovessi terminarlo, come completeresti la frase?

Tutto questo è colpa della verità potevi (riflessivo, riferito a me) continuare a dir bugie chi se ne frega se ero un coglione stavo bene.

– Quanto vorresti fare un concerto, sopratutto durante questo periodo?

Appena lo permettono e quando è sicuro per chi ascolta e guarda, comunque mi piacerebbe molto molto molto.

L'articolo INTERVISTA al giovane talento DAMIANO, che debutta con il suo primo singolo “COLPA DELLA VERITÀ” proviene da Agenzia Stampa.

Dal 13 novembre in radio, sulle piattaforme digitali e negli store arriva “Young” il singolo di esordio di Marta Brando (Bunker Home Productions), scritto da Paolo Agosta e Alexandra Hamilton Consigli. Agosta ha curato anche la produzione e gli arrangiamenti con la collaborazione artistica di Danilo Carnevali, alla chitarra elettrica Carlo Forti. Il brano è stato masterizzato al BRX Studio di Milano da Marco Barusso.

“Young” è un brano moderno che fonde R’n’b, pop elettronico e le ritmiche Trap. Nasce come una semplice ballad, chitarra e voce e si rifà al cantautorato Pop-Folk americano più classico. Inizialmente arrangiato in maniera tradizionale è stato poi svestito e rivestito in questa chiave per prendere una forma più contemporanea e in linea con il sound degli anni duemila.

<Con “Young” – dice Marta Brando – voglio comunicare quel misto di emozioni tipiche dell’età giovanile, in particolare la sensazione di spensieratezza mista a gioia, ma allo stesso tempo accompagnata da qualche dubbio e incertezza che noi giovani proviamo quando ci troviamo di fronte a qualcosa di nuovo, come ad esempio può essere un primo amore, ma più in generale mi riferisco a tutte le nuove esperienze che possiamo trovarci ad affrontare>.

<Young è la ballad che avrei sempre voluto comporre – dichiara Paolo Agosta – semplice e diretta, immaginata per una voce come quella di Marta. La composi cinque anni fa in una giornata qualsiasi mentre suonavo la chitarra e cantavo senza pensare. Coinvolsi poi Alexandra Hamilton Consigli, una bravissima autrice di New York, per scrivere il testo in inglese, unica lingua che sentivo adatta a questa canzone.

Il video, (già disponibile qui: https://youtu.be/ogOk5_rr-vs) è diretto da Federico Fregoni “The Frego”, di Officina Binaria, descrive, secondo il regista, “un timido bacio estivo, un’emozione che parte dallo stomaco ed esplode attraversando il cuore. L’incertezza di un amore effimero eppure sincero. Vuoto e pieno si rincorrono, i colori si trasformano e si dissolvono. Una danza fluida e sensuale che racconta le sensazioni di un’età di cambiamento, di un corpo che sboccia e si trasforma, come un fiore.”

Marta Brandolini, in arte Marta Brando, classe 1999, è italiana di origine latino-americana, del Perù. Studia canto fin da giovanissima ispirandosi al mondo dell’R’n’b, del Soul e alle cantanti che ascoltava sin da piccola: Whitney Houston, Mariah Carey, Beyoncé e Christina Aguilera. Tra il 2015 e 2016 partecipa e vince diversi concorsi canori come “La voce 2016”, facendosi notare da giornalisti e addetti ai lavori tra cui il produttore e artista milanese Paolo Agosta con cui nasce la collaborazione artistica. Per quattro anni, lavora presso il Bunker Home Studio (MI) insieme a Paolo Agosta e Danilo Carnevali registrando brani inediti e reinterpretando grandi classici della musica Pop internazionale. Il 6 ottobre 2020 si è laureata con il massimo dei voti in canto jazz presso la civica scuola di musica “Claudio Abbado” di Milano. Prosegue i suoi studi di canto Jazz presso il conservatorio “Giuseppe Verdi” a Milano.

Young è una anticipazione dall’album d’esordio previsto in uscita nel 2021.

L'articolo Arriva “Young” il singolo di esordio di Marta Brand proviene da Agenzia Stampa.

Arriva sulle piattaforme digitali lunedì 16 novembre 2020 “Questa non è un’Amarena”, il primo EP della giovane cantautrice romana Amarena, anticipato nei mesi scorsi dai due singoli “Ebrezza da vino” e “Stanotte”.

Questo lavoro, prodotto e arrangiato da Alessandro D’Orazi per la DaleRecords, contiene cinque tracce:

STANOTTE: è nata grazie al racconto di un amica dopo il primo appuntamento con un ragazzo. Lui a lei piaceva tanto, mentre lui non sembrava molto interessato e voleva solo giocare. Questa storia è andata avanti per qualche tempo, ma la situazione non è mai cambiata. Per questo motivo ho voluto raccontare come si sentiva lei – il video ufficiale https://youtu.be/QyzPj4P_RF0

ARIA DI CANZONE: inizialmente aveva come titolo “ninna nanna d’autunno” e penso questo anticipi già molto sul tipo di canzone che si va ad ascoltare, quindi dolce, sognante, con tanti archi

EBREZZA DA VINO: è nata un pomeriggio, dopo un pranzo passato ai Castelli Romani) con il mio caro amico Lorenzo e un po’ troppo vino bianco. Su una panchina Lorenzo mi ha invitato a scrivere una canzone che spiegasse l’ebrezza da vino. Appena arrivata a casa l’ho fatto in appena 15 minuti – il video ufficiale https://youtu.be/UnGHZuxs1Cc

SIMONE: è la storia di un uomo che soffre per amore, segue un po’ la linea dell’ep romantica e sognante

MI DAVI DEL TU: è l’unica traccia dell’EP lasciata completamente in acustico. È una traccia solo chitarra e voce che parla di quelle persone che sembrano il centro del nostro mondo ma alla fine sono solo un po’ delle comete, come arrivano, così vanno via

L'articolo “Questa non è un’Amarena” è il primo EP della cantautrice romana Amarena proviene da Agenzia Stampa.

Giovedì 12 novembre esce su tutte le piattaforme digitali “Come un matto”, singolo d’esordio del progetto Yorker. Il nuovo duo salentino, che unisce la musica neo soul al cantautorato italiano, è formato da “Dema”, moniker di Antonio De Marianis, voce e batteria, e da Gino Semeraro, chitarra. Il brano, prodotto dai due artisti in Cascina Dema Studio, mixato al Waveform Studio di Andrea Mariano dei Negramaro, masterizzato da Giovanni Versari, distribuito da Artist First e targato Discographia Clandestina, etichetta indipendente di Carmine Tundo (La Municipàl, Nu Shu, Diego Rivera) è un vero e proprio manifesto del sound del progetto: il bit storto della batteria e una chitarra che propone un riff neo soul e le intense linee del basso. Con un testo in italiano, il duo racconta una storia d’amore vissuta in uno “strano” sogno, che scavalca il muro della noia, facendo vivere al protagonista della canzone un viaggio sentimentale così surreale da non comprendere più il limite tra realtà e sogno, verità e immaginazione. Una situazione che trasforma il suo ghigno beffardo in una solitaria e matta risata, così come cantato nel ritornello: “Non resto zitto quando dormo insieme a te/ Quando lo faccio non mi accorgo e sono già le sei/ Rido solo come un matto/ Rido solo come un matto”. La copertina è un’opera d’arte della pittrice Gianna Stomeo.

Dema, dopo la formazione giovanile con il batterista Antonio Marra e successivamente con Maurizio Dei Lazzaretti, amplia le sue competenze partecipando a clinic e seminari in giro per l’Italia con Virgil Donati, Dannis Chambers, Dave Weckl, Gavin Harrison, Marco Minnemann, Lele Melotti, Agostino Marangolo, Ellade Bandini, Roberto Gatto ed altri maestri. Vincitore del concorso internazionale Shure Drum Mastery Competition 2012 al Galmi Gaukaurinn club di Reykjavik, vanta collaborazioni sia in studio che in tour con Africa Unite, Roy Paci, Raiz, Sud Sound System, Steela e Moods, Mannarino, Enzo Avitabile, Giuliano Sangiorgi, Willie Peyote, Raphael Gualazzi, Sud Sound System, ‘O Zulù, Franco Simone e molti altri. Attualmente suona la batteria anche per Bundamove, Opa Cupa, Giro di banda.

Gino Semeraro è un chitarrista e un producer classe ‘95. A 19 anni inizia il suo percorso come chitarrista nei progetti musicali di Cesare Dell’Anna (Opa Cupa, Girodibanda, Zina, Tarantavirus, DNX e Talla). Da qui amplia la sua carriera grazie alla possibilità di esibirsi in giro per l’Italia e l’Europa (Milano, Roma, Barcellona, Manresa, Irun, Londra per citarne alcune), arricchendo il proprio bagaglio artistico con sei anni di esperienza sui palchi e negli studi di registrazione. La collaborazione con Dell’Anna, oltre a permettere al giovane chitarrista di affermarsi nella scena locale, gli consente di conoscere e di condividere il palco con numerosi artisti come Mannarino, Enzo Avitabile, Giuliano Sangiorgi, Willie Peyote, Raphael Gualazzi, Sud Sound System, ‘O Zulù, Franco Simone e tanti altri. Dal punto di vista accademico, attualmente Gino ha concluso con successo il triennio di primo livello in “Chitarra Jazz” presso il Conservatorio di Musica Tito Schipa di Lecce.

Dopo aver maturato anni di esperienza sui grandi palchi in Italia e in Europa, i due musicisti si ritrovano, dunque, per questa nuova avventura musicale nella “Cascina Dema Studio”, quartier generale dove nascono le loro canzoni. Nel 2019 il duo collabora, in studio di registrazione e in concerto, con la giovane cantante ceca Giudi, esibendosi, tra le altre tappe, in alcuni festival in Repubblica Ceca (Rock for People, Nouvelle Progue) e nel club The Social di Londra.

Contatti:

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Oggi esce in radio e in digitale “Sbadato”, singolo che segna l’esordio discografico del giovane cantante Luca Allen. Online da oggi anche il videoclip.

“Sbadato” è un brano che non vuole descrivere semplicemente un momento di distrazione. È un modo di essere sé stessi e sfuggire ad un mondo che ci vuole sempre più costruiti e omologati. Con questo testo Luca Allen parla di sé e di tutti noi quando scegliamo di sbagliare, di essere liberi di perdere qualcosa e così, finalmente, ritrovare noi stessi.

Luca, nasce a Catania, classe 98′. Immerso nella musica sin dalla nascita, subisce l’influenza artistica già in casa grazie al padre, un musicista siciliano, e alla madre, cantante di origine spagnola. Anche la presenza di due zii musicisti gioca un ruolo importante nel permettere a Luca di riconoscere precocemente la sua passione per la musica, incitandolo all’ascolto e all’apprendimento di strumenti come il pianoforte e la batteria. Dai tredici anni, e per tutta l’adolescenza, suona all’interno di diverse band, iniziando a sperimentare sul campo capacità e preferenze, sviluppando man mano il suo personale stile, fino a scegliere di percorrere la sua strada da solo.

Contatti:

FB: https://www.facebook.com/lucaallenOFFICIAL/

IG: https://www.instagram.com/luca_allen_/

YT: https://www.youtube.com/channel/UCkD7yD4xuB83I6fL95t_ig?sub_confirmation=1

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Lettera da Marte è il brano con cui Viola Nocenzi si presenta al grande pubblico. Con la produzione artistica e gli arrangiamenti di Gianni Nocenzi, in collaborazione con lo ZOO di Berlino, il brano – in uscita giovedì 12 novembre ed accompagnato da un videoclip (già online su YouTube a questo link https://youtu.be/5psW4hcRf0Q) – è il preludio ad un progetto discografico di imminente pubblicazione. A “tenere banco”, stavolta, tutte le sfumature dell’intrigante personalità artistica di Viola.

Lettera da Marte è una vera e propria corrispondenza d’amore, rappresenta la magia delle affinità elettive, degli incontri telepatici. Attraverso l’intensa e carismatica voce di Viola Nocenzi, il brano mira a colmare le distanze siderali fino a realizzare un magico punto di contatto fra le anime più sensibili. “Lettera da Marte per dirti che ti sento, ricevo forte e chiaro il tuo pentimento, lettera brevissima per dirti due parole, il cielo oggi è sereno e come sempre non piove, quassù è tutto bellissimo, c’è solo un po’ di vento che sgombra i miei pensieri da ogni risentimento, la luce a volte è immensa…” canta Viola. E se la voce è lo specchio dell’anima, con Lettera da Marte la virtuosa cantante e compositrice prepara l’ascoltatore a quello che promette essere un viaggio dolce e fantastico fra le magiche trame dell’amore e della bellezza, due valori saldamente radicati in lei.

Racconta Viola: “Ho scelto Lettera da Marte per anticipare il mio lavoro perché qui coesistono molte delle mie parti fondanti: il mondo rock, il pop, l’elettronica e un modo tutto surreale di mescolarle. Racconta una storia dove le distanze non contano, anzi si azzerano, perché il contatto è telepatico. È un invito a sperare nell’impossibile, soffiando sopra il vento delle cose non umane”. E aggiunge “In questo particolare periodo che siamo stati chiamati a vivere, Lettera da Marte è anche un invito a viaggiare con la fantasia, ad andare su un altro pianeta. Dove per una volta, tutto è bellissimo, e il dolore è lontano. Questo è l’inizio. Mi apro al mondo e lo porto su Marte. Spero con tutto il cuore che questo mio brano possa regalare un’emozione, e perché no, possa anche aiutare a sollevare lo spirito delle persone che stanno attraversando un momento difficile”

Figlia del fondatore e da sempre anima del Banco del Mutuo Soccorso, Vittorio Nocenzi, Viola inizia a suonare il pianoforte all’età di quattro anni, in seguito si dedica allo studio del violino e intraprende poi quello del canto d’opera, affiancando allo studio l’attività di insegnamento. La sua formazione umanistica e le stimolanti frequentazioni artistiche all’interno dell’ambiente familiare nel quale è cresciuta, hanno contribuito a plasmare la personalità di Viola, che si rivela in un intrigante mix di estro, sensibilità e ironia. Un eccezionale talento vocale che, unito al ‘tocco magico’ dello zio Gianni Nocenzi e dei musicisti de Lo ZOO di Berlino, rendono questo esordio musicale una bella sorpresa.

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È fuori il video di  “YOUNG AND FREE” (New Team Music), il brano che dà il titolo all’album d’esordio di I’M ERIKA uscito in digitale e radio il 16 ottobre. Scritto da Valentina Ducros, è stato composto arrangiato e prodotto da Franco Micalizzi. 

«Ho deciso di cantare questo brano perché il testo racconta della libertà di poter fare ciò che si vuole, liberi anche di sbagliare, ma con la propria testa. Di quanto sia bello trascorrere una serata con le amiche, ballando fino a tardi e bevendo qualche drink. – afferma I’M ERIKA – Un omaggio alla gioventù, non per forza anagrafica, ma nella testa. Poi mi piaceva il sound, la sezione di fiati e il solo del sax baritono, strumento che amo».

«Il brano è nato dal desiderio di poter far visualizzare, da parte di chi lo ascolta come di chi lo ha scritto, dei grandi orizzonti come quelli che immaginiamo pensando alle atmosfere dei viaggi, senza dimenticare che questa canzone vuole dare il movimento grazie alla ritmica che invita a muoversi e ballare», commenta Franco Micalizzi.

Il video, girato prima delle recenti disposizioni sanitarie, è disponibile a questo link: https://www.youtube.com/watch?v=1KxALT9iY3c mostra I’m Erika con i suoi musicisti che esprimono qui il desiderio di tornare presto a suonare live sui palchi. La regia Giuseppe Bianchi con la collaborazione del fotografo Andrea Boccalini.

L’album contiene 13 brani, tutti diversi tra loro per genere e mood. «Questa scelta è stata fatta proprio per far capire a chi ci ascolta, che sia io che Franco Micalizzi non siamo legati ad un unico genere musicale, ma spaziamo su più fronti, perché la musica se fatta con gusto è tutta bella – racconta la cantante – Tutti i brani che seguono, pur essendo molto diversi tra loro, hanno come filo conduttore non solo la mia voce, ma il gusto e la firma inconfondibile di Franco. Abbiamo alternato brani più ritmati a brani più passionali ed emotivi, per cercare di variegare il più possibile l’ascolto del disco».

Questa la tracklist di “YOUNG AND FREE”: “Young and free”, “The Lady is the Queen”, “Agua do mar” (con la partecipazione straordinaria di Fabrizio Bosso e la sua tromba), “Starry night”, “Living it up”, “Walking on air”, “Poema”, “Por tudo por nada”, “Mr groove”, “Have a nice trip”, “Minha vida”, “Time”, “Indecisioni”.

Erika Croce in arte I’M ERIKA nasce a Foggia nel 1986. Inizia gli studi musicali da autodidatta e successivamente si perfeziona con Valentina Ducros. Ha frequentato seminari delle principali tecniche di canto: Vocal Power, con Elizabeth Howard la vocal coach di Sting, SLS – Speech Level Singing (Stevie Wonder, Michael Jackson etc.). Ha all’attivo 15 anni di esperienza tra concerti, eventi e festival. Si specializza nell’interpretazione del repertorio Soul, Funk, R’n’B, Neo Soul e Jazz.

Ha tenuto cicli di seminari di “Storia della musica moderna” e “Interpretazione stilistica” nelle Accademie Lizard pugliesi (Associazione “Il Filomusico”) dal 2013 al 2018. Ha insegnato in numerose accademie private locali ed è stata titolare della classe di canto nell’associazione ARS DAUNIA di Foggia fino al 2017.

Nel 2013 è invitata a duettare con RON nella manifestazione COMICS FOR AFRICA (BN). Nello stesso anno tiene un concerto al SOLO BAR di Camden Town a Londra.

Nel 2014 è 2° classificata al TROISI MUSIC FESTIVAL.

Dal 2018 insegna canto moderno in varie scuole di Roma e provincia.

Ha all’attivo due progetti: “FLAWED 3” (Funky, Soul, R’n’B) e “IO VIVO COME TE” un insolito omaggio a Pino Daniele con un organico molto particolare: voce femminile, EWI (Electric Wind Instrument) e pianoforte.

Amante di Amy Winehouse è al momento impegnata nella realizzazione di un omaggio alla sua musica. Dal 2018 vive a Roma e continua a perfezionare i propri studi.

Il 31 luglio 2020 arriva in radio e digitale “LIVING IT UP” il singolo d’esordio. Il 16 ottobre pubblica “YOUNG AND FREE”, il secondo singolo estratto dall’omonimo disco di inediti, in uscita lo stesso giorno.

Contatti:

FB: https://www.facebook.com/ErikaCroceSinger/

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Roxy Studio Records è lieta di presentare la sua ultima pubblicazione: “Giovedì” di ALBERTO, disponibile per l’acquisto e lo streaming dal 29/10/2020.

Arrangiato con la collaborazione di Fabio Castorino (Roxy Studio), Il brano si contraddistingue per la sonorità pop e per il testo eclettico e parla di un legame non previsto, non scritto nell’agenda delle “cose da fare in giornata”; un legame che ti fa inciampare mentre cammini, che ti fa chiedere come hai fatto a non vedere quella mattonella fuori posto, che è necessario stare più attenti.

Ma non ci stai: torni a pensare a lei, al suo profumo sulle lenzuola bianche, al cuscino sporco di trucco, a come si sgranchisce la mattina alzandosi dal letto, vestita solo di una maglietta rubata dal tuo armadio che le arriva alle ginocchia.

Un legame che aiuta ad evadere da sé stessi per vedere i propri difetti, i propri sbagli.

Alberto dice: “Giovedì parla di un legame che mai mi sarei aspettato di trovare, perché pensavo che tutti i nodi, se tirati, potessero sciogliersi. Invece no, non tutti: ho le mani indolenzite da quanto ho tirato.”

Spotify: https://spoti.fi/37YXLHX

iTunes: https://apple.co/324syPY

Amazon Music: https://amzn.to/2HZhOv2

Video YouTube: https://youtu.be/cEdTu8zuUMU

Alberto Spataro, in arte “ALBERTO”, è un artista siciliano (palermitano) classe ’96.

Muove i primi passi nel mondo musicale come producer e arrangiatore.

Iniziando da autodidatta, ottiene nel 2017 un diploma in “EDM production” presso l’istituto SAE di Milano.

Durante lo stesso anno dà inizio al suo progetto artistico “Kuazo”, basato su produzioni di musica elettronica, pubblicando con varie etichette di rilievo tra cui Ego e Sony.

Senza limitarsi alla musica elettronica, estende le sue collaborazioni a diversi artisti e cantanti, per i quali compone basi che gli permettono di farsi conoscere ed apprezzare sino a crearsi una discreta reputazione nel panorama musicale italiano.

Dal 2019 asseconda il bisogno di mettersi a nudo, di esporre la parte più sensibile di sé e dà il via al suo progetto cantautorale “ALBERTO”, con la stesura di testi e musiche che portano a galla emozioni da tanto tempo taciute.

Musica, Moda e Cinema sono le sfere fondamentali che si intersecano in questo progetto e che hanno massima espressione nel VideoClip che l’artista abbina al singolo.

A tal proposito segnaliamo che il video di “Giovedì” è disponibile su Youtube dal 03/11/20 a questo link https://youtu.be/cEdTu8zuUMU

LINK SOCIAL ARTISTA

Instagram: https://www.instagram.com/sonosoloalberto/

Facebook: https://www.facebook.com/SonosoloAlberto

Twitter: https://twitter.com/sonosoloalberto

Soundcloud: https://soundcloud.com/user-112394630

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Dal 6 novembre è disponibile in rotazione radiofonica e su tutte le piattaforme di streaming “OGGI È DOMENICA” (THEWEBENGINE), brano di debutto della giovane AURORA MONTI.

La chiusura di un cerchio, l’inizio di un nuovo percorso: il primo brano di AURORA MONTI si intitola “OGGI È DOMENICA”, ed è una canzone intrisa di ricordi e aspettative della giovane autrice. È un brano pop/elettro-pop influenzato da molti cantanti appartenenti al genere indie/rock ed elettronico, americano ed inglese. La componente vocale presenta varie influenze soul e R’n’B, create per produrre un’elaborata commistione sonora.

Spiega Aurora Monti a proposito della sua nuova canzone: «L’ho scritta ormai due anni fa, in un periodo piuttosto particolare della mia vita. L’obiettivo più grande che io possa avere è sicuramente quello di far immedesimare nelle mie parole, chiunque ascolti la canzone. Complessivamente per me il pezzo è una bomba e più lo ascolto e più ne sono fiera, e questo è il mio primo traguardo».

Il videoclip ufficiale di “Oggi è domenica”, ideato da Erika Battaglia (Uramaki Lab), è un’animazione minimal stile cartoon con caratterizzazione del personaggio principale.

Biografia
Aurora Monti ha ventun anni ed è nata a Roma. La sua passione per la musica è nata con lei e non l’ha mai abbandonata: come prova i mille filmati di una piccola Aurora sempre intenta a cantare. Più passava il tempo e più si rendeva conto che la musica non poteva essere solo una cornice nella sua vita: ha iniziato dunque a fare dei provini e casting per i programmi televisivi più noti. Il bisogno che sentiva era però di cantare i suoi pensieri e dargli forma sotto forma di musica. Così ha iniziato a lavorare insieme a Valter Sacripanti, produttore artistico che ha conosciuto durante la mia esperienza al Tour Music Fest.
Il brano di debutto di Aurora Monti dal titolo “Oggi è domenica” (THEWEBENGINE) sarà disponibile in radio e in digitale dal 6 novembre.

Contatti:

Facebook: https://www.facebook.com/zoyemi.diaz
Instagram: https://www.instagram.com/aurgg/

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Anticipato dai singoli “Ruggine” e “Il mondo che vorrei”, arriva il debutto discografico dei 5 ragazzi che sintetizzano influenze anglosassoni e canzone d’autore italiana in una commistione musicale che non si arrende alle convenzioni.    

Si intitola “Lì dove ci sono le stelle” il primo disco dei Boavista. Un album composto da otto brani che spaziano tra il pop-rock anglosassone e la canzone d’autore italiana, influenzata tanto da elementi della musica elettronica quanto dalla tradizione pop.

Si tratta di canzoni d’atmosfera con sferzate rock (“Penelope” e “Ruggine”) arricchite da chitarre distorte e synth utilizzati al momento giusto, senza mai eccedere. 

«Cantiamo “Lì dove ci sono le stelle” quasi a voler indicare dove dirigere lo sguardo in un momento dove la tensione sale e gli occhi hanno bisogno di spazio e immaginazione. È un disco che recupera le nostre esperienze riportandoci sotto lo stesso cielo». Boavista

TRACK BY TRACK

Ruggine

Singolo che parla di rinascita e di come l’abitudine (negativa) possa essere corrosiva rischiando di distruggere tutto. Un inno alla resilienza.

Penelope

L’uomo viene da Marte e la donna da Venere. Il brano racconta delle differenze di punti di vista, richiamando la celebre Tela di Penelope per raccontare il cambiamento di stati d’animo in una storia. Trovarsi sarà sempre la soluzione migliore.

Vedrai

Il tempo che passa è il leitmotiv del brano che vive attraverso la ricostruzione di una storia. La neve che cade e copre tutto quanto è la metonimia del tempo che passa creando attesa fino ad essere noi stessi neve.

Lì dove ci sono le stelle

Scritta con Emiliano Cecere e Oscar Angiuli. Il brano parla di un viaggio, la voglia di evadere dalla routine di una vita artefatta che appiattisce l’immaginazione e omologa i sentimenti. Verso le stelle che illuminano la notte più buia.

Brivido

Si racconta di una storia che non diventa storia, il limbo di molte situazioni in cui ci si perde come in un Brivido che bisogna vivere senza troppe paure.

Come supereroi

Scritta con Papazzoni Andrea. Parla di una storia d’amore ormai finita ma che ancora vive nei ricordi e tra gli angoli di una casa che ancora ha il sapore di quello che è stato. Il resoconto di quello che è successo viene vissuto lucidamente con la consapevolezza che non sia “arrivato mai il nostro momento”.

Il mondo che vorrei

Un brano pop intriso di tastiere, synth e groove incalzanti, prodotto da Filippo Manni e scritto dai Boavista in collaborazione con il noto autore romano Paolo Amati.  

Alibi

Brano fatto di energia, entusiasmo e speranza per l’inizio di una storia d’amore, la volontà a superare ostacoli e non cadere in degli inutili alibi.

Etichetta: NUtone Lab

Pubblicazione album: 30 ottobre 2020 

BIO

I Boavista sono una band pop-rock di Bologna, formata nel 2019 da un’idea di Simone Tancredi e Luigi Bellanova. Seppure di recente formazione, i Boavista vantano numerosi palchi e ore di studio provenienti dal background di ogni singolo componente del gruppo, esperienza che si traduce in sonorità con influenze che oscillano dal rock americano al pop inglese con forti richiami al cantautorato italiano. 

I Boavista portano nelle piazze “Caduta Libera”, album di esordio di Simone, incontrando subito il favore del pubblico, grazie ad un sound maturo e curato in ogni dettaglio. La band approda alle finali regionali di Sanremo Rock catturando l’attenzione della critica e i complimenti della giuria. 

Il risultato di questo incontro porta ad un singolo d’esordio “Ruggine”, realizzato sotto la direzione artistica di Filippo Manni (Nutone Lab). Il 19 maggio 2020 arriva il secondo singolo, “Il Mondo che Vorrei”, che li porta a giugno ad esser protagonisti dell’evento bolognese “La musica nel mezzo”. Entrambi i singoli scalano la Top 100 della classifica Indie Music Like. Il 30 ottobre 2020 la band pubblica il primo album “Lì dove ci sono le stelle”.

I Boavista sono: Simone Tancredi, voce; Luigi Bellanova, chitarre; Gianluca Frascà, tastiere; Alberto Zapparoli, batteria; Alessandro Marani, basso.

Contatti:

FACEBOOK: www.facebook.com/BoavistaRock

INSTAGRAM: www.instagram.com/boavista_rock_official/

SPOTIFY: https://open.spotify.com/artist/2qo4lGpnCWt7AtbcMkxY9N?3=

SITO: https://bit.ly/2TeJw9x

ETICHETTA E MUSIC PRODUCTION: NUTONE LAB: https://nutone.it/

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Freedom è il nome d’arte di Simone Zoppellari, interprete e cantautore , il cui percorso inizia con gli studi in Accademia a Milano come attore cinematografico. Le prime esperienze artistiche sono come attore teatrale, dove va in scena con due musical, insieme ad una compagnia teatrale con la quale comincia  a studiare ballo e canto.

L’idea di Freedom è infatti proprio questa: di dirigere  chiunque verso il suo mondo, ovvero verso il mondo dell’arte. Un mondo sempre più ristretto e arido, dove lo spazio si comprime ma che si ricrea ogni qual volta riesce a trasmettere il valore dell’espressività artistica . E’ questo l’intento di Freedom e della sua musica: essere sempre al servizio dell’arte e della libertà nell’esprimere le proprie emozioni. E’ proprio con le emozioni infatti, e con le parole che riescono a raccontarle, che Freedom comincia ad elaborare i primi testi che diverranno poi canzoni. Ecco allora che nasce CIELO STELLATO, il primo singolo di Simone che segna il suo esordio come cantautore e l’inizio della fruttuosa collaborazione con Vincenzo Camporeale, fondatore dell’etichetta Stay Record.

Grazie a questo incontro infatti, Freedom ha avuto la possibilità non solo di incidere questa ed altre canzoni, ma anche di pubblicare il suo primo videoclip ufficiale, il quale  descrive perfettamente, quanto sia utile e  costruttiva, la tenacia e la forza di credere in se stessi, nonostante i no e le tante porte sbattute in faccia. “Ora è il momento di crederci, è il momento di esserci io sarò vincente in questo mondo così assente che mi  sta così aderente, da non farmi respirare”, canta Freedom nell’inciso del pezzo. Non è mai tropo tardi e non è mai sbagliato il tempo per credere in se stessi; anche quando attorno sentiamo  freddo e indifferenza, quando la tempesta imperversa e dentro di noi avvertiamo solo vuoto e senso di abbandono, dobbiamo ricordarci, guardando il cielo sopra di noi, che c’è sempre un motivo per  cui valga la pena sorridere.

Contatti:

FB: https://www.facebook.com/Simone_Freedom_Artist-108388147710607/

IG: https://www.instagram.com/simone_freedom_artist/

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“Astrodinamica” è il singolo d’esordio dei Gnu Dada.

Una canzone d’amore, una piccola sinfonia spaziale. La ricerca di un sentimento come una salvezza, un approdo, come per il naufrago l’isola all’orizzonte. Forse questa è solo un miraggio, e il canotto su cui siamo è bucato, ma c’è bisogno di qualcuno che ci creda, che soffi continuamente dentro aria per arrivare, ossigeno nuovo.

Chi sono i Gnu Dada?
Gnu come gnu: totem, spirito guida. Ma anche come new, nuovi istinti musicali. I Gnu Dada sono una band appena nata. Né cattolici né islamici. Non svedesi, americani, vietnamiti né alsaziani, ma sognanti padri inglesi, i Gnu Dada sono orfani italiani.

Greci come Galimberti sono un fascio di nervi scoperti. Sono pecora col lupo e scimmia sacra in copricapo. Sono pesciolino rosso che è scappato dalla boccia e si dibatte sul tappeto, come il mare quando è mosso, sulla roccia. I Gnu Dada sono veri, sono un etto, sono finti, disperati colorati persi in questi anni stinti, tecnici e metallizzati.

Sono ricordi desolati come domeniche in bici di anni passati, che a ripensarci ci fanno felici. Sono carezze e cazzotto vero, sono un’idea di Depero. Sono post psichedelia e pietra dura, poi sognata melodia, acqua chiara ed acqua scura, ritmo, cuore e scrivania.

Del futuro? N-o-s-t-a-l-g-i-a.
I Gnu Dada sono voce, basso, chitarra e batteria. Dadaisti di sostanza e pianoforte, scarafaggi dalla stanza giù veloci nella via.
I Gnu Dada sono anche perché tu non sei più mia. Son parole messe in fila, son vibranti senza pila.

Animali musicali, senza faccia e senza nome, il loro credo è solo Amore formato Canzone.
I Gnu Dada sono quattro, sono due e son nessuno. Sono mille e forse più. Sono cane che ama gatto. I Gnu Dada sì, sei tu.

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Un mondo sonoro unico e originale, dove melodie colorate navigano su mari tropicali e beat graffianti, dove le sperimentazioni digitali si intrecciano a ritmi etnici ed esotici in un’esplosione di energia.

Esce il 28 ottobre “Campi Elasi”, l’EP di esordio di ELASI per Neverending Mina con distribuzione Artist First.

Anticipato dai singoli “Valanghe” ed “Esplodigodi”, “Campi Elasi” è un luogo di discese di neve calda, strobo sottomarine e vie lattee gonfiabili in cui sono andata a rinascere quando sembrava che non mi riuscissi a rialzare, come lo definisce lei stessa.

Giovane cantautrice, chitarrista e producer alessandrina, non segue strade tracciate da altri, ma inventa sempre la sua. Un sentiero dalle mille curiose diramazioni, che conduce nel cuore pulsante del suo mondo pop dai confini geografici e musicali fluidi. Un universo tutto nuovo, un universo tutto suo.

Quelle di “Campi Elasi” sono sei tracce dal sound multiforme, che ha personalmente scritto e composto, affiancandone sempre anche la produzione e dunque immergendosi nel processo creativo a 360 gradi.

La sua musica attinge ai serbatoi artistici più disparati: dall’afrobeat nigeriano alla bossa, dal funk più sperimentale alle sonorità giapponesi e indiane, dalla world music alla house. Frulla insieme Kelsey Lu, St Vincent e Fka Twigs, Blood Orange e Thundercat, Sudan Archives e Jungle. Ascolta, campiona suoni e ritmi e li ripropone facendoli suoi. Mescola, corre e rincorre le esperienze e le contaminazioni (s)co(i)nvolgenti dei suoi “trip” reali, virtuali e mentali.

Unisce le più varie forme d’arte e di espressione per plasmare, in un Big Bang creativo, il suo stile unico, sperimentale sia sonoramente che esteticamente.

A sottolineare la sua curiosità onnivora e la passione per i suoni del mondo, la maggior parte delle canzoni contengono l’intervento musicale di un musicista di un diverso Paese (da Singapore all’Armenia, dal Brasile al Mali), con cui l’artista ha lavorato in remoto via web.

L’Ep si apre con “Souvenir”, che sul beat creato da Mastermaind intreccia ricami con la balalaika di Domenico Cambareri, sovrappone beatboxing e cori, lo irrora di fluida energia dance grazie alla co-produzione di Stabber. Una canzone potente, che insegna come ballare sia la migliore rivincita verso gli amori non ricambiati. “Esplodigodi” invece, impreziosita da una frase di duduk (strumento tradizionale armeno) di Mekhak Torosian, è un inno al lasciarsi andare, a sciogliere le proprie insicurezze, trasformare le invidie, il dolore e gli ostacoli in armi e stimoli. In “Sentimentale anarchia”, nel cui sound disco-funk interviene anche il balaphon del polistrumentista e griot del Mali Moustapha Dembelè (in arte Zam), ELASI surfa a cavallo di sentimenti sregolati e poetici, perfetti per superare le maree emotive rischiano di travolgerci e lasciarci inerti, galleggianti su mari incolori. “Supererrore” è una folle jam che mescola chitarre distorte, cambi di tempo, suoni ricercati e svarioni glitch che danno la spinta giusta per trasformarsi in superoi, ciascuno del proprio personalissimo sistema solare. “Valanghe” è una danza liberatoria fuoripista, una lista dei desideri di tutte le cose che vorremmo fossero più longeve e profonde: l’amore, le parole, le promesse, le idee. Nata da un esperimento di loop di chitarra, vocoder e synth, si arricchisce di tessuti elettronici, groove dance e etnici, arrangiamenti vocali psichedelici, chitarre lo-fi, tabla e canti sufi del maestro indiano Kamod Raj. “Voli pindarici” racconta invece del superare un periodo difficile, il ricominciare ad amarsi e ad apprezzarsi, e racchiude interventi musicali di Zhongruan (strumento pizzicato a corde della tradizione cinese) di Sulwyn Lok (Singapore) e le percussioni di Bela Couy (Brasile).

“Campi Elasi” disegna un mondo colorato, strambo e squilibrato, a tratti onirico e surreale. Un universo variopinto e pieno di meraviglie, dal quale lasciarsi avvolgere, travolgere e conquistare.

ELASI, al secolo Elisa Massara, classe 1993, è una cantautrice, chitarrista, producer alessandrina il cui stile musicale è impregnato di viaggi in giro per mondi, reali e immaginari. Con una formazione di chitarra classica al Conservatorio Vivaldi di Alessandria, di produzione musicale presso uno studio di Los Angeles e di un biennio di songwriting presso l’Officina delle Arti Pier Paolo Pasolini di Roma, ELASI a ottobre 2018 pubblica per Costello’s Records/Peermusic il suo primo singolo “Benessere”. Il brano attira subito l’attenzione di pubblico e critica grazie al sound colorato e solare che caratterizza tutta la produzione dell’artista, capace di intrecciare le influenze musicali più varie, dall’afrobeat alla bossanova, dal R&B al funk, dal nu jazz all’elettronica sperimentale, dall’house al glam rock. A gennaio 2019 esce il brano “Vivo di vividi dubbi” (Costello’s Records/Peermusic). A novembre 2019 esce il singolo “Si salvi chi può” per Sugar, e ad aprile 2020 il brano “Continenti” (Sugar). In questi anni ELASI si è esibita sui palchi di molte prestigiose realtà italiane (Blue Note, Auditorium Rai, MI AMI Festival, Home Festival) e ha vinto borse di studio, bandi e premi per il suo progetto artistico ( Premio miglior canzone e Premio miglior arrangiamento al Premio Bindi, artista del mese su MTV New Generation, finalista su Rai 1 al Premio Lelio Luttazzi, borsa di studio per Berklee Umbria Jazz Clinics, Bando ORA!X per il progetto “CHI”, performance crossmediale di videoarte, realtà aumentata e musica arrangiata a distanza in remoto con musicisti da sette diversi paesi del mondo). “Campi Elasi” è il suo Ep di esordio, in uscita il 28 ottobre 2020 per Neverending Mina e distribuito da Artist First, nel quale ha sviluppato collaborazioni in remoto con musicisti da tutto il mondo.

TRACKLIST

1. Souvenir
2. Esplodigodi
3. Supererrore
4. Sentimentale anarchia
5. Valanghe
6. Voli Pindarici

CREDITS

SOUVENIR

Testo: ELASI (Elisa Massara)

Musica: Mastermaind, ELASI, Domenico Cambareri

Produzione: Mastermaind, STABBER

Musicisti: Domenico Cambareri (balalaika, chitarra) Mix: STABBER

Master: Giovanni Versari

ESPLODIGODI

Testo e musica: ELASI (Elisa Massara)

Produzione: ELASI, Fabio Grande, Simone Manzotti, Pietro Paroletti

Musicisti: Mekhak Torosian (Duduk)

Mix: Antonio Polidoro

Master: Giovanni Versari

SUPERERRORE

Testo e musica: ELASI (Elisa Massara), Federico Sambugaro

Produzione: Federico Secondomè, ELASI

Mix: Federico Secondomè

Master: Giovanni Versari

SENTIMENTALE ANARCHIA

Testo e musica: ELASI (Elisa Massara)

Produzione: Frank Carozza

Musicisti: Moustapha Dembelè (Balaphon)

Mix: STABBER

Master: Giovanni Versari

VALANGHE

Testo e musica: ELASI (Elisa Massara)

Produzione: ELASI, STABBER

Musicisti: Kamod Raj (tabla, canto sufi)

Add. Prod.: Simone Manzotti

Mix: STABBER

Master: Giovanni Versari

VOLI PINDARICI

Testo e musica: ELASI (Elisa Massara)

Produzione: ELASI, Fabio Grande, Pietro Paroletti

Musicisti: Sulwyn Lok (Zhongruan), Bela Couy (percussioni)

Mix: Simone Manzotti

Master: Giovanni Versari

Etichetta: Neverending Mina
Distribuzione: Artist First
Edizioni: Sugar

Crediti cover “Campi Elasi”

Photo: Edoardo Conforti
Art direction/styling/MUA: Arianna Puccio (Studio Cemento)
Photo assistant: Marta Paba
Photo edit + graphic: Edoardo Conforti, Arianna Puccio

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Una canzone pop sull’amore tossico fra due ragazzi.

“Niente da dichiarare” è il racconto di una storia d’amore inusuale, sopra le righe, fatta di prese in giro, poche promesse, dediche e romanticismo. Tutto questo, come una vera e propria punizione, dà luogo ad un rapporto unico di cui non si riesce a fare a meno.

Radio date: 25 settembre 2020 

Etichetta: Tyrus Records

BIO

Michele Gatto, classe 1990. Nato e cresciuto in provincia di Catania, vive da 5 anni a Parma dove lavora in università come ricercatore in Ingegneria Geotecnica. Al mondo scientifico ha sempre affiancato la musica, cimentandosi nei vari anni in generi diversi, dal pop al pop-rock, dal musical alla musica classica. I vari esperimenti musicali gli hanno permesso di trovare la propria strada nel mondo del cantautorato pop italiano. Il 25 settembre 2020 viene pubblicato il singolo d’esordio “Niente da dichiarare”.

Contatti:

FB: www.facebook.com/michelegattomusic

IG: https://www.instagram.com/real_gatto/?hl=it

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“LE GOLOSE” il nuovo singolo degli ARMODIA

Da oggi nei webstore

Il singolo è pubblicato dall’etichetta: Terzo Millennio

Ascolta su YouTube https://youtu.be/CfiSpDmT6NU

Sbarca oggi nei webstore il singolo di debutto degli ARMODIA, duo aostano che mescola sapientemente la musica classica, barocca, con testi cantautorali.

Da oggi si può ascoltare il loro singolo “LE GOLOSE”, brano delizioso ed estremamente curioso, il cui testo è tratto da una poesia di Guido Gozzano (1883-1916).

Si tratta dell’opera “LE GOLOSE”, scritta dal poeta torinese nel 1907, un brano che si discosta molto dal suo repertorio malinconico e crepuscolare per raccontare un episodio di quotidianità.

Un episodio buffo, la poesia parla semplicemente di donne che mangiano paste sedute in una pasticceria. Ma le signore e signorine esprimono la loro vera natura ognuna mangiando a suo modo.

“Io sono innamorato di tutte le signore / che mangiano le paste nelle confetterie”

LE GOLOSE fa parte del progetto del duo Armodia, nato nel 2010 dall’incontro dei due musicisti Aostani Luca Casella (voce e pianoforte) e Riccardo Sabbatini (chitarra).

Fondamentale per la nascita di questo progetto molto particolare è stato Francesco Caprini, fondatore di Rock Targato Italia, al quale è venuta l’idea di musicare dei testi poetici di autori vissuti a cavallo tra il 1800 e il 1900.

BIOGRAFIA:

Il duo Armodia, il cui nome di fantasia è nato dall’unione delle parole Armonia e Melodia, si esibisce in pubblico dal 2010 sia in Valle d’Aosta che fuori regione e ha all’attivo diverse collaborazioni con altri musicisti.

LUCA CASELLA nasce come pianista diventando poi compositore, cantante e musicoterapeuta. Conosce l’ebrezza della settima arte partecipando al docufilm di Silvio Soldini “per altri occhi”. Ha all’attivo vari concerti sia come pianista pop che come cantante. Si occupa di barriere sensoriali e problematiche integrative dei disabili. Insegna canto pop e armonia moderna.

RICCARDO SABBATINI ha iniziato lo studio della chitarra classica nel 1984 diplomandosi nel 1998 al Conservatorio statale di Novara. Si è esibito sia come solista che in formazioni cameristiche e in vari gruppi musicali, ha seguito corsi di composizione e di informatica musicale presso l’Istituto musicale di Aosta e collabora con musicisti locali sia in veste di chitarrista che di arrangiatore e compositore.

L'articolo “LE GOLOSE” il nuovo singolo degli ARMODIA, da oggi nei webstore proviene da Agenzia Stampa.

Il 30 ottobre uscirà il nostro primo singolo dal titolo “Outsider”, a cui seguiranno altri singoli e infine la pubblicazione dell’album prevista per l’inizio del nuovo anno. Outsider è un pezzo che prova a raccontare il mondo dal punto di vista di tutte quelle persone che si sentono un po’ fuori posto, un po’ intrappolate in un mondo che non comprende fino in fondo le loro esigenze e i loro modi di essere e di esprimersi. Il titolo fa riferimento proprio al fatto di essere fuori dagli schemi, perchè a questi schemi non ci si vuole adattare affatto. Però questo inevitabilmente fa percepire quel senso di profondo disagio che colpisce chi si estranea dalle idee e dalle aspettative comuni.

Si può dire dunque che il pezzo ha un forte carattere introspettivo tangibile sin dal principio, infatti la canzone inizia con un’atmosfera dolce creata dalla voce, molto calda e dalla chitarra acustica, che si sviluppa con l’ingresso di altri strumenti quali cajon, chitarre elettriche e cori.

Sia il singolo “Outsider” che il resto del disco è autoprodotto ed è stato mixato da Francesco Roncalli nel Demeke Studio.

BIOGRAFIA:
Alaska Blue è un duo che nasce dall’incontro tra Elisabetta Giordano, già cantante in un coro gospel e Davide Casi, chitarrista. I due iniziano suonando cover acustiche, sia nei locali che come artisti di strada in diverse città italiane tra cui Bergamo, Milano, Lucca, Pisa, Volterra, Montepulciano e Napoli. Con il tempo però cambiano lo stile e il genere e i due iniziano a sperimentare ed a scrivere pezzi propri in cui poter far emergere le loro personalità.

Il 30 ottobre uscirà “Outsider”, il loro primo singolo, a cui faranno seguito altri singoli ed un album, registrato in parte nello studio di casa e in parte in tende e casette di legno immerse nella natura delle colline livornesi.

Contatti:

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Sbarca oggi nei webstore il singolo di debutto degli ARMODIA, duo aostano che mescola sapientemente la musica classica con testi cantautorali. Da oggi si può ascoltare il loro singolo “LE GOLOSE”, brano delizioso ed estremamente curioso, il cui testo è tratto da una poesia di Guido Gozzano (1883-1916). Si tratta dell’opera “LE GOLOSE”, scritta dal poeta torinese nel 1907, un brano che si discosta molto dal suo repertorio malinconico e crepuscolare per raccontare un episodio di quotidianità.

Un episodio buffo, la poesia parla semplicemente di donne che mangiano paste sedute in una pasticceria. Ma le signore e signorine esprimono la loro vera natura ognuna mangiando a suo modo.

“Io sono innamorato di tutte le signore / che mangiano le paste nelle confetterie”

LE GOLOSE fa parte del progetto del duo Armodia, nato nel 2010 dall’incontro dei due musicisti Aostani Luca Casella (voce e pianoforte) e Riccardo Sabbatini (chitarra).

Fondamentale per la nascita di questo progetto molto particolare è stato Francesco Caprini, fondatore di Rock Targato Italia, al quale è venuta l’idea di musicare dei testi poetici di autori vissuti a cavallo tra il 1800 e il 1900.

BIOGRAFIA:

Il duo Armodia, il cui nome di fantasia è nato dall’unione delle parole Armonia e Melodia, si esibisce in pubblico dal 2010 sia in Valle d’Aosta che fuori regione e ha all’attivo diverse collaborazioni con altri musicisti.

LUCA CASELLA nasce come pianista diventando poi compositore, cantante e musicoterapeuta. Conosce l’ebrezza della settima arte partecipando al docufilm di Silvio Soldini “per altri occhi”. Ha all’attivo vari concerti sia come pianista pop che come cantante. Si occupa di barriere sensoriali e problematiche integrative dei disabili.Insegna canto pop e armonia moderna.

RICCARDO SABBATINI ha iniziato lo studio della chitarra classica nel 1984 diplomandosi nel 1998 al Conservatorio statale di Novara. Si è esibito sia come solista che in formazioni cameristiche e in vari gruppi musicali, ha seguito corsi di composizione e di informatica musicale presso l’Istituto musicale di Aosta e collabora con musicisti locali sia in veste di chitarrista che di arrangiatore e compositore.

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Il brano di debutto di DAMIANO si intitola “COLPA DELLA VERITÀ”, ed è un quadro musicale che mostra all’ascoltatore come la verità può distruggere la barriera visiva che si crea quando si è innamorati e come il cuore e la mente possono trovarsi in continua disapprovazione su una scelta comune, che si tratti di responsabilità o di aspettative a lungo termine.

Il videoclip ufficiale del brano “Colpa della Verità” è guidato da un intreccio narrativo che mette in luce la cecità del cuore di fronte ad una palese verità che non si vuole accettare; questa verità viene mostrata sotto diversi punti di vista.

Biografia

Damiano è un giovane artista di ventiquattro anni con la passione per la musica e la recitazione. Nasce come ballerino e a poco a poco inizia ad ampliare gli orizzonti artistici, scoprendo la recitazione e il cantautorato. Iniziando da gare e competizioni nazionali ed internazionali (con la danza), inizia le prime esperienza da palco, successivamente interpretando ruoli sia in musical che in spettacoli di prosa ed infine con esibizioni live cantate. Crede molto nella libera interpretazione e nel sogno come obbiettivo e, spinto dal bisogno di divulgare la sua arte e le sue parole, intraprende la carriera come cantante solista.

Il brano d’esordio di Damiano dal titolo “Colpa della verità” sarà disponibile in radio e in digitale dal 16 ottobre.

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Rinuncia, solitudine e passione: il diario emotivo del musicista torinese tra canzone d’autore e indie-folk, un emozionante debutto da solista prodotto con Paolo Rigotto

Lontano: l’Ep d’esordio di Emanuele Bozzini

LONTANO

EMANUELE BOZZINI

4 tracce | 15′.21”

«La lontananza è una dimensione molto articolata. Sono stato lontano da me stesso, dalle emozioni, dagli affetti, ma anche dal confronto e dagli altri. Mi sentivo lontano dalla vita. La vita la spremevo solo “nelle notti di luna nuova”, quando nessuno sguardo era pronto ad assalire la mia azione. Al buio… lontano appunto. Il gioco vuole che io possa adesso pubblicare Lontano solo perché sto riuscendo finalmente a “riavvicinarmi”. Ed è da Lontano che io mi sono portato dietro il diario emotivo del mio Eremita. Ho sempre vissuto alti e bassi emotivi, i cui bassi si manifestavano attraverso stati depressivi piuttosto violenti e duraturi. È il mio lato più fragile che in quei periodi lottava per sentirsi vivo a scrivere queste canzoni. È per pura coincidenza che questo lavoro venga fuori in un momento in cui, fisicamente, lontano siamo costretti ad esserlo tutti quanti». Musica che sgorga da un lato oscuro, una dark side che rivela una nuova dimensione artistica: Lontano, l’Ep di debutto da solista di Emanuele Bozzini, è un diario di viaggio, una raccolta di canzoni che, come una terapia, sono il frutto di un percorso di discesa negli abissi e risalita a suon di musica.

Dopo l’uscita dei singoli Sparirò, Il Salto e L’Eremita, quest’ultimo accompagnato da un videoclip girato nel villaggio di pietra di Ghesc e lanciato in anteprima dalla Stampa, finalmente Emanuele Bozzini arriva al suo Ep. Per il cantautore torinese è un’uscita importante, anche per motivi prettamente musicali. Con Lontano si rivela infatti il suo cammino da musicista solista, di stacco dall’esperienza di gruppo coi Marichka Connection: «Mi sono allontanato dal folk puro e duro. Il violino non è più il protagonista incontrastato della musica, anzi compare solo in una canzone, in riga, insieme ad un quartetto d’archi. C’è una carica rock più grande e la volontà di spaziare in maniera più libera attraverso nuovi tipi di suoni e diversi tipi di arrangiamento. Anche a livello di voce ho avuto un cambiamento. Emotivamente si tratta di canzoni molto più intime e dolorose. Se coi Marichka, pur con dei testi che rimettevano in questione molte cose, volevo tenere alta la carica positiva dei miei componimenti, qui mi abbandono alla realtà dolorosa e cruda dell’essere».

L’Eremita, Lontano, Sparirò e Il salto sono accomunati dal taglio compositivo e sonoro di Bozzini, una figura anomala di cantautore non solo perché uomo di gruppo proveniente da una band, ma anche perché al crocevia tra canzone d’autore, indie-folk e rock internazionale. Non è un caso che l’orizzonte di ascolti e di riferimenti del torinese sia ampio e preciso: «Ho cominciato con Guccini (alle elementari). Ho ascoltato molto Battisti, De Gregori e Bob Dylan. Ho scoperto De Andrè molto tardi (a 25 anni), ovviamente mi folgorò. Ho scoperto ancora più tardi i sommi Giorgio Gaber e Piero Ciampi. Ho divorato con tutto il cuore Vinicio Capossela e soprattutto i suoi live hanno ispirato molte mie canzoni. Afterhours e Marlene Kuntz verranno più fuori nelle mie prossime canzoni, già in studio. Molti cantautori contemporanei mi ispirano come Ettore Giuradei, Iosonouncane e Andrea Laszlo De Simone. In alcune mie canzoni in studio o passate ci sono elementi che prendono ispirazione dai Pink Floyd, gruppo che ho ascoltato moltissimo. Sono dei particolari. Lo stacco nel Salto richiama invece A day in the life dei Beatles».

Lontano è un lavoro intimista e delicato, ma al tempo stesso carico di passione, nato insieme a una figura eclettica e dissacrante come Paolo Rigotto: “Avevo bisogno di Paolo per sperimentare cose nuove e per allontanarmi dal folk dei Marichka Connection. Paolo è stato centrale in fase di arrangiamento, oltre ad essere l’esecutore di quasi tutti gli strumenti che non suono io. In lui ho trovato un grande mix di ascolto e talento che ci hanno portati a costruire meticolosamente e insieme le canzoni di questo EP”.

EMANUELE BOZZINI
biografia

Emanuele Bozzini è un cantautore torinese emigrato in Belgio, già leader della band italo-belga Marichka Connection con cui ha pubblicato l’album Fuga dal Paradiso nel 2015. Nel 2014 il singolo Il Barone Rampante ha ricevuto una calorosa accoglienza dalle radio indipendenti italiane.

Ha suonato tra Italia, Francia, Olanda e Belgio, aprendo gruppi e musicisti come Africa Unite, Bandabardò e Mario Venuti e partecipando ad alcuni festival italiani e non tra cui l’Assisi Festival, l’Ariano Folk Festival e La Luna e i Calanchi di Franco Arminio.

Ha deciso ora, in collaborazione col cantautore e produttore torinese Paolo Rigotto, di mettersi a nudo rompendo il guscio folk in cui si era covato musicalmente coi Marichka Connection alla ricerca di nuovi territori.

Con il singolo “Sparirò” ha inaugurato in maggio la nascita del suo nuovo progetto solista che ha poi proseguito con “Il Salto” e “L’Eremita”, quest’ultimo in anteprima su La Stampa.

LONTANO: UNA CONVERSAZIONE CON EMANUELE BOZZINI

Lontano è il disco della “lontananza”, il tema chiave di questo tuo nuovo percorso da solista. Da cosa ti sei allontanato?

La lontananza, l’ho capito da quando ho deciso di dare questo titolo all’EP, è una dimensione molto articolata. Sono stato lontano da me stesso, dalle emozioni, dagli affetti, ma anche dal confronto e dagli altri. In una parola che può certamente suonare drammatica, ma che è esattamente quello che sentivo mentre scrivevo queste canzoni, potrei dire che mi sentivo lontano dalla vita.

Ho sempre vissuto di alti e bassi emotivi i cui bassi si manifestavano attraverso stati depressivi piuttosto duraturi. È il mio lato più fragile che in quei periodi lottava per sentirsi vivo a scrivere queste canzoni. Chi mi conosce mi dirà che in realtà io la vita l’ho sempre spremuta. Ma chi mi conosce meglio sa anche che la vita io la spremevo solo “nelle notti di luna nuova”, quando cioè nessuno sguardo era pronto ad assalire la mia azione. Al buio. Lontano appunto.

Il gioco vuole che io possa pubblicare adesso Lontano solo perché sto riuscendo finalmente a “riavvicinarmi” e a non dipendere più dalle fasi di quella luna. Ed è da Lontano che io mi sono portato dietro il diario emotivo del mio Eremita.

È quindi per pura coincidenza che questo lavoro venga fuori in un momento in cui, fisicamente, lontano siamo costretti ad esserlo tutti quanti.

A proposito di lontananza e allontanamenti, alle tue spalle c’è un’esperienza importante, quella dei Marichka Connection. Che differenze ci sono tra la musica della band in cui militavi e le tue nuove canzoni?

Qui entriamo nel dominio degli allontanamenti sani e consapevoli, di quelli che ti permettono di riavvicinarti a te stesso. Ci sono differenze di due ordini rispetto a quello che ho fatto coi Marichka Connection. Musicalmente mi sono allontanato dal folk puro e duro. Il violino non è più il protagonista incontrastato della musica, anzi compare solo in una canzone, in riga, insieme ad un quartetto d’archi. C’è una carica rock più grande e la volontà di spaziare in maniera più libera attraverso nuovi tipi di suoni e diversi tipi di arrangiamento. Certamente anche a livello di voce, ho avuto un cambiamento.

Emotivamente si tratta di canzoni molto più intime e dolorose. Se coi Marichka, pur con dei testi che rimettevano in questione molte cose, volevo tenere alta la carica positiva dei miei componimenti, qui mi abbandono alla realtà dolorosa e cruda dell’essere.

Torino è una delle città della musica in Italia, magari un po’ annebbiata e stanca, ma nell’epoca d’oro ricca di fermento. Oggi vivi altrove, in Belgio: la lontananza dalla tua città ha ispirato in qualche modo l’Ep?

La lontananza dalla mia città e dal mondo emotivo che è legato a quella città è centrale. Come lo è in tutto quello che ho scritto. Anche in Fuga dal Paradiso (l’album che incisi con i Marichka Connection) ero in forte dialettica con quel mondo… il paradiso di certezze da cui fuggii. Ma se nell’altro album cantavo di una fuga liberatoria e rivelatoria, qui parlo invece di solitudine e di schiavitù, l’altro lato della stessa medaglia emotiva.

È facile usare il termine “canzone d’autore”, in realtà dietro questa dicitura si celano mondi e orizzonti disparati. Qual è la natura della canzone d’autore secondo Emanuele Bozzini?

Per me la canzone d’autore è una canzone le cui parole hanno ricchezza emotiva e stilistica. È musica pensante. Musicalmente invece non ci metto molti paletti. Per me un “Iosonouncane” fa elevatissima canzone d’autore ma un musicista, magari con la chitarra al collo o un bel piano a coda con cui commuovere il suo pubblico potrebbe non farne. Ci sono poi dei territori di confine in cui ad ogni modo quello che conta è l’autenticità e l’urgenza espressiva di chi compone al di là dell’eleganza delle parole in sé. Non voglio attirare antipatie, ma per me uno Young Signorino nei suoi suoni gutturali dei primi tempi ha molto da dire… e non sarà un caso se Vinicio Capossela l’ha voluto accanto in un featuring.

È scomodo fare nomi, ma sicuramente ci saranno artisti o gruppi che ti hanno ispirato, che ti hanno stimolato nella tua attività di musicista. Vuoi aprire il tuo scrigno di ascolti formativi?

Ho cominciato con Guccini (alle elementari). Ho ascoltato molto Battisti, De Gregori e Bob Dylan. Ho scoperto De Andrè molto tardi (a 25 anni), ovviamente mi folgorò. Ho scoperto ancora più tardi i sommi Giorgio Gaber e Piero Ciampi. Ho divorato con tutto il cuore Capossela e, soprattutto i suoi Live hanno ispirato molte mie canzoni. Una canzone del mio vecchio album l’ho scritta rielaborando la melodia del Corvo Joe dei Baustelle. Afterhours e soprattutto Marlene Kuntz verranno più fuori nelle mie prossime canzoni, già in studio. Ci sono molti cantautori contemporanei che mi ispirano, da Ettore Giuradei, a Iosonouncane e ad Andrea Laszlo De Simone.

Non voglio suonare pretenzioso nel citare dei mostri a livello internazionale, però è inevitabile che anche quelli mi abbiano influenzato. So ad esempio che in alcune mie canzoni ci sono degli elementi che riprendono cose dei Pink Floyd, che ho ascoltato moltissimo. Sono dei particolari. Oppure lo stacco nel Salto richiama chiaramente A day in the life dei Beatles.

Hai scelto una narrazione affidata ai singoli. Il primo è stato Sparirò, incentrato sulla rinuncia, la scomparsa, il farsi da parte. Il salto ha avuto una spinta positiva, una dichiarata voglia di cambiare. L’Eremita è probabilmente l’elemento chiave per capire l’idea-forza dell’opera, inoltre ti ha visto anche attore nel videoclip realizzato nel villaggio di Ghesc. Rinuncia, cambiamento, infine solitudine?

Bella osservazione… ma sbagliata! L’ordine giusto è Rinuncia, Solitudine e infine Cambiamento. Rimango comunque un inguaribile ottimista. Non potevo presentare l’Eremita d’estate perché canzone troppo autunnale: questo è l’unico motivo per cui il Salto è venuto prima. Il Salto chiude anche l’EP. Oltretutto questo è anche l’ordine con cui ho scritto questi tre pezzi

Il quarto pezzo Lontano cosa aggiunge alla introspezione dei precedenti?

Musicalmente Lontano si stacca dagli altri tre brani: è un brano di maggiore intensità, quasi meditativa, pur avendo un taglio rock più marcato. Conto di proseguire su questa strada con alcune delle prossime canzoni. Da un punto di vista introspettivo invece questa canzone parla di un’altra dimensione dell’allontanamento: quella di un EGO fragile che ha bisogno di restare lontano per evitare il confronto e che finalmente davanti all’unico Dio che riesce ad incontrare in questo universo rarefatto in cui si trova capisce di essere solo.

Lontano è la canzone che anticipa la consapevolezza del ritorno.

Senza Paolo Rigotto il disco non avrebbe avuto questa fisionomia: qual è stato il suo ruolo e cosa ha dato allo spirito di Lontano?

Io avevo bisogno di Paolo per sperimentare cose nuove e per allontanarmi dai Marichka Connection. Paolo è stato molto di più. È stato centrale in fase di arrangiamento oltre ad essere l’esecutore di quasi tutti gli altri strumenti che non suono io (a parte alcuni guest nel Salto). In Paolo ho trovato un grande mix di ascolto e di talento che ci hanno portati a costruire meticolosamente e insieme le canzoni dell’EP.

L’anno prossimo toccherà al tuo debutto da solista sulla lunga durata, un album. Lontano lo anticipa o si tratterà di un’opera completamente diversa?

Lontano anticipa l’album. È il nucleo iniziale di un concept che ne porta avanti il discorso.

Contatti:

Sito web: www.emanuelebozzini.com

Instagram: www.instagram.com/emanuelebozzini

Facebook: www.facebook.com/BozziniEmanuele

YouTube: www.youtube.com/channel/UC4VE1HXTSE9iklAs7codBKw?view_as=subscriber

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Sta per arrivare in radio e in tutti i webstore “Sette coltelli”, il singolo di debutto di ROSASPINA, giovane artista pop con sonorità R&B.

Brano introspettivo e delicato, “Sette coltelli” mira dritto al petto dell’ascoltatore, per trafiggerlo con le proprie emozioni affilate e per mandargli in frantumi le certezze che si era costruito.

Tuttavia “Sette coltelli” non è solo un singolo intimo e fragile ma anche un brano misterioso e ironico, di quell’ironia di chi sa di essere macchiato dentro ma non nasconde la propria personalità e il proprio passato e li espone per essere d’aiuto ad altri “Cresciuto tra streghe e tarocchi, giuro ho visto il male, con questi miei occhi”.

Ispirato al pop di Halsey, Miley Cyrus e The Weeknd, “Sette coltelli” rappresenta un brano in qualche modo autobiografico con il quale ROSASPINA ripercorre un evento doloroso della propria infanzia.

Il singolo figura inoltre come un’opera dicotomica: il primo elemento, sette, come l’età del ragazzo all’epoca o le sette, rappresenta il ramo familiare materno mentre il secondo protagonista, il coltello, sviscera e ricostruisce il lato peccaminoso e violento della famiglia paterna.

“Ho ancora i segni sulla pelle, prima chiamavi, chiamavi ma ora niente, cosa c’entro con questa gente?”

Con questo brano, l’autore punta ad essere compreso fino in fondo dai fan e dagli ascoltatori e a trovare altri ragazzi e ragazze che abbiano condiviso la stessa esperienza. “La musica infatti serve a creare connessioni”.

Ma ROSASPINA è anche una star esuberante sui propri social, al quale piace essere particolare, osservato e al centro dell’attenzione. Super bright ed estroverso, talvolta l’artista è però catturato dal suo lato più dark come dimostrerà, nel videoclip del brano, alcune delle cui foto sono già disponibili sul suo profilo instagram.

“Sono la mela nel tuo Eden/ ma tu sei solo una serpe/ ed è una vita che aspetto il momento di dirvi/ che non vi devo un bel niente”

BIOGRAFIA

ROSASPINA nasce a Rho nel 1994 ma d’estate cresce nel Giardino Dell’Eden in provincia di Caserta. In questo posto incontaminato, scintillante e accogliente, il giovane muove i primi passi nel mondo dell’arte, cominciando a scrivere già all’età di 6 anni.

ROSASPINA inizia a comporre musica perché sente subito la necessità di riempire il silenzio che lo circonda nelle sue giornate di solitudine dove il ragazzo gode solo della compagnia di un nutrito gruppo di animali.

Non solo gli animali ma anche le piante e in particolar modo il frutteto è fondamentale per la costruzione del suo Io: ROSASPINA, per scrivere, prende spunto da quello che mangia, poiché alcuni sapori gli ricordano dei suoni, delle parole, delle frasi. “Ogni parola ha un sapore ben specifico”.

Nel periodo dell’adolescenza, il bisogno di scrivere si fa sempre più sentire in ROSASPINA perché sente il bisogno di esternare le sue emozioni, le sue delusioni e le sue ferite interiori ed esteriori, provocategli da altri. Il giardino dell’Eden chiude per sempre sepolto da tonnellate di cemento e ROSASPINA si chiude in sé stesso, cominciando a scrivere i suoi testi in inglese per non essere compreso.

Poi la svolta: con il passare del tempo ROSASPINA decide di raccontare una parte della sua vita e le emozioni che l’hanno caratterizzata e, per sentirsi vicino a persone che ormai non fanno più parte della sua vita, abbandona l’inglese e si mette a nudo.

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Dal 9 ottobre sarà disponibile in rotazione radiofonica “FAMMI UNA FACCIA” (Jadda Music), nuovo brano di LAKIKI disponibile sulle piattaforme di streaming dal 24 settembre.

“FAMMI UNA FACCIA” è il brano d’esordio di LAKIKI, ed è una canzone tutta da ballare: caratterizzato da sonorità pop e ritmi serrati, lo scopo principale di questo brano è senza ombra di dubbio quello di giocare con l’ascoltatore incitandolo a lasciarsi andare ad un momento puramente ludico per quasi tre minuti.

Spiega, infatti, la giovane autrice a proposito del suo nuovo singolo: «“Fammi una faccia”, mio primo singolo, nasce da un gioco che facevo con i miei genitori ed amici. Più che una canzone, “Fammi una Faccia” l’ho pensata come una sfida in cui ogni ascoltatore, adulto o bambino, si possa divertire a rifare le facce in maniera buffa».

Il videoclip ufficiale di “Fammi una faccia”, diretto da Angelo Sindaco, ha un taglio volutamente casalingo, come omaggio alla generazione Tik Tok. Un montaggio veloce e senza fronzoli lo rende divertente e leggero. Durante la sequenza di immagini, vediamo Lakiki immersa nella sua quotidianità, come tutte le ragazze al giorno d’oggi.

Biografia
Giovane ed energica cantante bolognese classe ‘96, Lakiki, all’anagrafe Cristina Luongo, inizia a lavorare in studio come turnista e corista. Il suo talento viene subito notato dal pool di produttori di Jadda Music e in pochissimo tempo pubblica “Fammi una faccia”, suo singolo d’esordio già disponibile in digitale e in uscita radiofonica dal 9 ottobre.

Contatti:

Instagram: https://www.instagram.com/lakikireal/?hl=it

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“GIANO” è un progetto  nato nel 2020 dalla penna di RAFEL e dalla tastiera di Xanthic, suo attuale produttore. Il titolo è stato scelto appositamente per rappresentare lo sguardo al futuro ma senza dimenticare il passato. Il Dio Giano è rappresentato anche come Dio dell’inizio. Questo EP è il primo step di un progetto eclettico che vuole unire diversi tipi di sonorità. I tre brani contenuti hanno un mood molto intimo poiché trattano di temi reali e autobiografici raccontati in maniera sincera, ma allo stesso tempo astratta.
Gli elementi caratteristici di questa raccolta musicale sono le musiche originali composte da Xanthic, in modo da rispecchiare perfettamente gli scatti e i disturbi emozionali del cantante, e i testi di Rafel che danno vita a delle emozioni che si trasformano in vere e proprie persone ed entità.

Dice Rafel a proposito del nuovo EP: «Ho scritto questo Ep assieme a Xanthic per creare le fondamenta del mio mondo. Ho voluto tirar su le mura e rivestire il pavimento di Chiodi di plastica, tappezzare le pareti di lettere che si potranno leggere Solo un Giorno ed ho piazzato di fronte all’uscio uno zerbino dove chiunque può leggere Ho scritto Fine».
Di seguito la tracklist di “Giano”: “Solo un giorno” feat. Vane, “Chiodi di plastica”, “Ho scritto fine”.

Biografia
Rafel, nato a Cagliari il 20 maggio del 1992, è cresciuto in un paesino della Sardegna, Selargius, fino all’età di 19 anni. Dopo, inizia a viaggiare per crescere musicalmente ma senza dimenticare mai la sua terra. La sua passione per il palco e per la musica si sviluppa dall’età di quattro anni, quando inizia a frequentare i primi gruppi di canto e le prime lezioni. Con il proseguire degli anni si dedicherà allo studio del canto moderno e del teatro. Con il suo primo e storico gruppo, gli Elysium, di cui è stato il frontman, scrive il suo primo album. Il gruppo si scioglie nel 2016 e da lì Rafel inizia il suo percorso da solista. Si avvicina al mondo della Zarro Night dove conosce tanti esponenti del mondo musicale Dance e non di Milano. A maggio 2019 pubblica il suo primo singolo, “Apatica”, che non ebbe tanta approvazione e tanto successo. Dopo, con i Party Boomers, dj resident della Zarro Night, pubblica “Non Succederà Più”. Ad ottobre 2019 partecipa ad Area Sanremo. A dicembre di quell’anno pubblica “Inesistenti come Eroi”, seguito all’inizio del 2020 da “Notre Dame”, brano che attinge da un genere totalmente diverso, una sorta di trasformismo musicale definito da Rafel “Bipolarismo estetico musicale”. Questo termine invita tutte le persone a non sentirsi oppresse nell’arte ed a sfogare tutte le proprie emozioni come meglio si crede. L’EP d’esordio di Rafel dal titolo “Giano” sarà disponibile in digitale dal 2 ottobre.

Contatti:

Instagram: https://www.instagram.com/rafel_senzacorona/?hl=it

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Contatti:

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Da venerdì 25 settembre disponibile nei negozi di dischi e in digitale “The Turtle” (Maqueta Records / Artist First), il primo album di Vasco Barbieri, con gli arrangiamenti di Francesco Santalucia e la direzione artistica di Fernando Alba. Inoltre, sempre lo stesso giorno, sarà in radio il nuovo singolo “Hey”.

“The Turtle” è un album che riunisce i momenti fondamentali della vita del cantautore romano, da quelli più oscuri in cui le canzoni arrivano per consolarlo e dargli forza, ai bivi che trova sulla sua strada. I brani del disco sono le colonne sonore dei suoi momenti di svolta della vita, li scrive e vuole condividerli per chi, come lui,  ha bisogno di essere consolato. Può sembrare un viaggio molto solitario, finché non ci si rende conto di essere invece diventati parte di qualche cosa di molto più grande.

La parola chiave per descrivere “The Turtle” ed il suo progetto musicale è “riscatto”, ovvero trovare finalmente la forza per tirare fuori le proprie potenzialità.

Questa la tracklist di “The Turtle”: “Yet”, “Believe”, “Stuck In”, “Occurs”, “Convert”, “Hey”, “Love Remains”, “A Little Bit Of Present”, “To Be Grabbed”, “Take It Easier”.

“Hey”, disponibile sempre dal 25 settembre in radio e digitale, invita a riprendere coraggio in se stessi e a non arrendersi mai, a insistere, a creare e disfare le proprie speranze.

A proposito del singolo,Vasco Barbieri commenta: « “Hey” ha segnato il punto di svolta della mia rivoluzione personale. E’ stato un segnale di crescita artistica ed è arrivata in una fase in cui stavo perdendo di vista il mio obiettivo, ma grazie ad Hey è cominciato il processo di accettazione ed evoluzione del mio nuovo me. Ho scritto questa canzone in un momento di strana frenesia, una sorta di ansia mescolata all’ispirazione. Iniziai a improvvisare in La bemolle minore, così spontaneamente nacquero i primi accordi e le prime parole della canzone. Il testo che ne uscì fu sia una preghiera che un rimprovero, mi ricordava che facevo parte di qualche cosa di più immenso e dovevo fare la mia parte».

Venerdì 25 settembre alle 21.30, Vasco Barbieri sarà in concerto al live club “Le Mura” di Roma per presentare il nuovo album. Ad accompagnarlo sul palco ci saranno Vincenzo Tacci alla batteria, Fernando Alba alla chitarra, Agostino Casella al pianoforte e Gabriele Calanca al basso. Special guest della serata Noemi Smorra, anche lei artista della scuderia Maqueta Records.

Vasco Barbieri, compositore e filosofo, nasce la prima volta il 6 agosto 1985, la seconda volta il 30 aprile 1993, dopo un coma, che lo riporta allo stato iniziale. A 7 anni torna a casa con gravi danni alla vista, si avvicina al pianoforte ed esegue ad orecchio “Caruso” di Lucio Dalla, senza aver mai suonato prima.

Da quel momento la musica diventa per lui un luogo e rifugio sicuro che gli permette di conoscere se stesso e costruire il suo nuovo mondo. A 9 anni i genitori lo mandano a studiare in America in una Music School nell’Ohio, in cui scopre per la prima volta la musica classica.

Successivamente studia 3 anni presso l’Actor Studio di Roma, dove si convince che la realtà sociale, come il teatro, si compone di un gioco di ruoli e di maschere. Proprio per questo motivo si iscrive alla facoltà di Filosofia e nel 2013 consegue la laurea.

Nel frattempo lavora come Web Designer e si esibisce in numerosi locali della scena romana. Durante uno dei suoi live viene notato dalla regista Sibilla Barbieri che lo presenta a Maqueta Records. L’etichetta discografica decide di pubblicare i primi singoli “A little bit of present” e “Convert”.

Il 15 maggio 2020, dopo la quarantena forzata, è uscito “Love Remains”, brano che parla di emozioni vissute che diventano tatuaggi sulla pelle dell’anima.

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Da oggi è disponibile su tutte le piattaforme digitali “Non voglio stare su Meetic”, il singolo d’esordio della cantautrice vibonese Mami.

Il brano “Non voglio stare su Meetic” vuole coinvolgere l’ascoltatore ed accompagnarlo su alcune riflessioni, con un approccio ironico e leggero, riguardanti le relazioni umane nei tempi moderni, basate principalmente sui social networks.

Mami descrive così il suo singolo: “L’arma vincente sull’amore del 21esimo secolo sono il mouse del pc e il dito che scrive sullo smartphone? Questa è la domanda che ha fatto nascere in me l’esigenza di scrivere questo brano.” – continua la cantautrice – “Il testo della mia canzone vuole far riflettere, in modo ironico, sulla nostra evoluzione umana e, soprattutto, sulla complessità nel socializzare e nel comunicare nei tempi moderni. Abbiamo perso il piacere di un incontro in presenza? O ancora no? Forse, per tornare a goderne a pieno, basterebbe tornare a parlare senza digitare.”

Il brano è stato registrato a Vibo Valentia al dDRecords Studio mentre l’arrangiamento e la produzione è affidata al Maestro Clemente Ferrari, noto nel circuito discografico per aver collaborazioni artistiche di rilievo come Max Gazzè, Fiorella Mannoia e molti altri.

Il singolo verrà accompagnato da un videoclip realizzato dal produttore e regista Giovanni Ferraro detto Marvin, che sarà pubblicato prossimamente sul canale ufficiale dell’Artista.

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Anticipando l’album “Passion, Love, Hearth & Soul” in uscita a novembre 2020, il pezzo prog rock rende tributo alle vittime del disastro di Černobyl’.

In radio dall’11 settembre

“Silent heroes” è un brano di Beppe Cunico sul disastro di Černobyl’, incidente nucleare avvenuto in Unione Sovietica nel 1986 – «Il pezzo è dedicato a quei 600.000 uomini e donne russi, bielorussi ed ucraini che si sono sacrificati per salvare il mondo. Ho scritto prima le parole e poi le ho musicate, subito dopo aver visto l’ultima puntata della serie “Chernobyl” che mi ha fatto riflettere su come le persone semplici e oneste possano essere così altruiste e coraggiose». – racconta il cantautore.  

Il singolo anticipa l’album d’esordio da cantautore “Passion, Love, Hearth & Soul”. «Ho iniziato a comporre i brani del disco nell’estate del 2017 ed è stata una continua evoluzione: mentre imparavo a mettere le mani sulla chitarra, programmavo le ritmiche, sfruttando tutto il mio istinto da batterista. L’influenza anni ‘70 di band come Pink Floyd e Genesis, con l’aggiunta di U2, Cure e Police, ma soprattutto quella più forte e recente di Steven Wilson, è molto evidente nel mio disco. Questo infatti vuole essere un album tributo ai miei eroi, a quelle fonti d’ispirazione che hanno accompagnato la mia vita». Beppe Cunico

Le tematiche affrontate nel disco sono intime e personali, ispirate da episodi di vita vissuta: i giovani e l’anoressia, il rapporto con le case discografiche, opinioni sul decadimento della cultura e dell’arte nell’Italia degli ultimi trent’anni, la corruzione e la menzogna della classe politica, la disuguaglianza e l’egoismo riscontrati nella società, ma soprattutto i sentimenti di amore, amicizia e passione che hanno rappresentato per l’artista un motivo di forza per superare tutte le difficoltà della sua vita.

Autoproduzione

Radio date: 11 settembre 2020

Pubblicazione album: novembre 2020

BIO

Beppe Cunico è un cantautore, batterista e ingegnere del suono di Vicenza.

Da sempre appassionato di prog rock, il musicista ha iniziato a suonare la batteria nella sua prima band “Illusion of Light”, componendo le prime canzoni e calcando i primi palchi. Dopo un cambio formazione, il gruppo col nuovo nome “D’as Hirth” ha registrato nel 1984 il primo demo di tre canzoni al Magic Studio di Malo (Vicenza), seguiti da Gaetano Peron. I due anni successivi sono stati ricchi di varie esperienze, fra concerti e concorsi dalle fortune alterne. Nel 1986 la band ha registrato all’Art Music Studio di Bassano del Grappa il primo Ep, sotto la direzione artistica di Carlo “Out” Casale e Stefano “Ciccio” Dal Col. Il brano estratto “Kalashnikov” ha riscosso un discreto successo al punto di arrivare al quarto posto nella classifica di Stereonotte, storico programma di Radio Rai 1. Dopo poco la band ha deciso di sciogliersi.

Successivamente Beppe Cunico si è avvicinato al mondo della produzione decidendo di aprire un proprio studio di registrazione a Zugliano. Il 26 aprile 2016, dopo esser rimasto folgorato da un concerto di Steven Wilson, il batterista ha scelto di intraprendere la strada del cantautorato iniziando a prendere lezioni di chitarra. A settembre 2020 l’artista pubblica il suo primo singolo “Silent heroes” anticipando l’album in uscita a novembre 2020 “Passion, Love, Hearth & Soul”.

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Canale Youtube: https://www.youtube.com/channel/UCW4ph_daVGud70-4VhmRG1A/about?disable_polymer=1=

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In uscita il 24 luglio 2020 – Autoproduzione – Co-prodotto da Giorgio Pesenti – Master di Giovanni Versari.

Punto è il primo singolo di Pit, la nuova incarnazione del cantautore milanese Pietro Lisciandrano, ed arriva in piena estate, a tradimento, quando ormai avevamo già tutti abbassato la guardia.  Si tratta di un anti-tormentone street-pop, orecchiabile ma senza far male, solare ma non al punto da scottarci la pelle, impossibile da non fischiettare.

“Mettere il punto” per l’artista significa prendere il respiro e godersi il momento prima che arrivi il peggio. Significa cristallizzare quell’istante in cui ci si ferma confusi davanti ad un bivio e  in cui ci si rente conto che, non importa cosa si sceglierà, l’esperienza migliore sarà sempre quella sensazione di libertà totale nel momento dell’indecisione.

Pietro Lisciandrano, in arte Pit, nasce a Segrate, nell’hinterland milanese, nel 96 ed è da circa metà della sua vita che compone canzoni. In quarta liceo passa un anno a Londra per uno scambio culturale, lì inizia suonare live e da allora diventerà una necessità di cui non vorrà mai più fare a meno, sui palchi, per strada, ovunque.

Punto è il primo brano frutto del nuovo sodalizio con Giorgio Pesenti degli ISIDE (impreziosito anche dal Master di Giovanni Versari, vincitore di un Grammy nel 2016), al suo fianco nella produzione di tutto il materiale attualmente in lavorazione che confluirà presto in un EP, il primo cantato in italiano, il primo in cui Pietro è semplicemente Pit, come lo chiamano gli amici, come gli piace presentarsi sul palco.

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Il brano scritto durante l’emergenza sanitaria Covid-19, rispecchia le emozioni, le ansie e le speranze del cantautore.

«La canzone “3 maggio 2020” è nata proprio il giorno che da il titolo al brano, durante il lockdown per Covid-19, precisamente l’ultimo giorno di fase 1. Quello che ho voluto raccontare sono le emozioni che hanno contraddistinto questo strano periodo: la noia, la rabbia, i sogni, le speranze del cazzo (cit dal testo), la mancanza degli amici e della socialità (sintetizzata nel concetto di bar) e la voglia di “scatenare l’inferno” nella fase 2», commenta Cavallini.

Il video diretto da Igor Riccelli racconta il disagio di un periodo che ha segnato profondamente tutti.

«Lo abbiamo fatto tentando un approccio leggero, ma non banale. Nelle varie scene che compongono il videoclip, è sempre rappresentato il conflitto tra le due pulsioni di Cavallini: da un lato la nostalgia per un tempo che non c’è più (e chissà se tornerà), per le serate insieme agli amici e alla ragazza, per la cornice del bar in cui questi incontri avvenivano; dall’altro il desiderio, la voglia di tornare alla normalità e di “scatenare l’inferno”, che deve però – per l’emergenza sanitaria – rimanere intrappolata tra le quattro mura di un appartamento. A livello tecnico, da segnalare un omaggio al dolly zoom di Steven Spielberg in Jaws (Lo Squalo). E a completare il tutto, qualche rapida apparizione di un Cavallini-Conte più “istituzionale”», afferma il regista.

Matteo Cavallini nasce a Magenta il 22 agosto del 1985. Ha sempre vissuto a Milano, in città studi/ Lambrate, quartiere a cui è molto legato. Inizia a cantare all’età di otto anni nel coro di voci bianche de “I Minipolifonici della città di Milano” dove impara le basi della tecnica vocale e affronta le prime esperienze di live ( tra gli altri, canta al funerale di Fabrizio De Andrè a Genova) e di studio di registrazione ( anche nell’ album “Sheherazade” di Ornella Vanoni).

Prosegue in diverse band del milanese, affrontando numerosi generi musicali, dal pop al punk al funky.

Nel 2007 si diploma in canto moderno alla NAM di Milano e nello stesso anno fonda i The Squirters, band rock’n’roll / country / rockabilly con cui ha all’attivo numerosi live in tutta Italia e nella quale,con lo pseudonimo di Johnny Contanti canta, suona la chitarra acustica e scrive i brani originali.

Studia musicoterapia e inizia a lavorare a tempo pieno in una scuola d’infanzia come educatore “musicale” e come insegnante di canto presso scuole di musica del milanese.

Nel 2019 esce “Circonvalley” primo singolo della band, prodotto da  Rivertale Productions a cui farà seguito un album.

Nel 2020 decide di intraprendere parallelamente una carriera solista. La scrittura di brani originali ha sempre accompagnato il suo percorso musicale, sin dall’adolescenza.

Esce così il suo primo singolo da cantautore “3 maggio 2020” edito da Rivertale Productions, nato durante l’emergenza sanitaria Covid-19.

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Dal 17 luglio sarà disponibile in rotazione radiofonica e su tutte le piattaforme digitali “MAMMA ROMA”, singolo d’esordio di EMILIANO RAYA che ne anticipa il primo album.

Palazzi intorno al cortile che non esistono più, memorie e suoni che si snodano nella periferia di Roma, e poi l’impellente necessità di staccarsi dalle proprie origini per cercare un riscatto altrove: il brano di debutto di EMILIANO RAYA, dal titolo “MAMMA ROMA”, parla di tutto questo, descrivendo il forte senso d’appartenenza alla città d’origine.
Un vero e proprio iter spirituale tra desiderio di riscatto e consapevolezza del legame ancestrale che lega i romani alla città eterna.

«“Mamma Roma” è il mio personale omaggio alla mia città, la capitale italiana, che è una delle città più belle del mondo, carica di memoria e di immagini, suoni ed echi che rimandano ai tanti strati di civiltà che l’attraversano – spiega l’autore a proposito del suo primo singolo – La suggestione che vivo quando cammino per le strade, in ogni angolo, dal centro alle periferie. Nel testo parlo del difficile rapporto di chi, come me, è stato costretto anni fa a lasciare la propria città per cercare fortuna all’estero e che poi ha sentito la nostalgia della propria terra d’origine».

Il videoclip ufficiale di “Mamma Roma”, diretto da Fabio Massimo Iaquone, include una sequenza di immagini animate che trasmette, insieme alle sonorità e al testo, la poesia di un personaggio, calandolo in atmosfere e luoghi che evocano la città di Roma, dal centro storico alle periferie. Un omaggio alla capitale italiana con l’augurio che possa tornare ad essere la meta più ambita e amata dai turisti di tutto il mondo.

Biografia
Emiliano Raya inizia nel 1998 la sua carriera di autore e regista teatrale dopo un lungo periodo di collaborazione come assistente regista con grandi nomi del teatro e della letteratura, tra cui Piera Degli Esposti e Dacia Maraini. In teatro dirige spettacoli che hanno riscosso un ottimo consenso di pubblico e critica, tra i quali ricordiamo la pièce “My name is Silvia” che racconta la storia di Silvia Baraldini e “Omaggio a Pier Vittorio Tondelli” prodotto dal Teatro Argentina di Roma nel 2005, poi rappresentato per sei stagioni consecutive nei maggiori teatri e festival italiani. Nel 2009 e 2010 è assistente di Franco Zeffirelli nelle opere “Falstaff” e “Turandot” (Teatro dell’Opera di Roma – Arena di Verona). Nel 2013 dirige uno speciale allestimento del “Rigoletto” che nello stesso anno riceve il prestigioso premio Illica come miglior progetto innovativo. Fin dagli esordi cura le colonne sonore dei suoi spettacoli interessandosi in modo particolare alla relazione tra la drammaturgia contemporanea e la musica dal vivo. Dal 2014 fonda il Centro Alta Formazione Teatro per cui attualmente coordina il progetto “Roma Voice Studio” con la direzione di Cheryl Porter. Dal 2019 collabora con la produttrice musicale Annalisa Pompeo con cui sta realizzando il suo primo progetto discografico. Il singolo “Mamma Roma”, singolo d’esordio che anticipa il primo album di Emiliano Raya, è disponibile in radio e in digitale dal 17 luglio.

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Distribuito dall’etichetta olandese Freaky Sounds Amsterdam, “HANGOVER” è un brano con un sound internazionale dall’ispirazione techno-pop, ricco di contaminazioni provenienti dal mondo dell’arte e del design, come del resto testimonia il suo eccentrico videoclip.

Un singolo intenso, spudorato e a tratti sfacciato, in cui la voce di Nina Echo, artista audace dalla personalità alquanto ribelle, conduce l’ascoltatore in un viaggio onirico all’interno del bosco delle paure, per riemergere ancora più forte in un posto incantato.

“Hangover è un brano che parla della ricerca della felicità, della propria identità, di un posto dove poter essere semplicemente se stessi, il posto dove poter mostrare la propria anima senza sentirsi a disagio” – così il duo The Errorist racconta il brano – “Il brano utilizza quindi la metafora del club, del party, dell’hangover come momento di euforia e di gioco: ecco perché nella parte allegorica del brano si può ricostruire la ricerca di un party dove la protagonista, attraverso una danza, vuole visualizzare la propria immagine”.

Il video racconta una favola dove la figura chiave incontra in un bosco altri personaggi come il coniglio, che rappresenta la sua paura, il cinghiale, che è la forza con cui lei vuole combattere, e la civetta, che è il segno del tempo che scorre e che non ti fa mai dormire come succede nell’hangover”.

BIOGRAFIA

Dietro al nome THE ERRORIST si celano le figure di Antonio Spitaleri e Matteo Bogoni. Il primo, milanese d’adozione, sviluppa inizialmente la sua vena creativa dietro le quinte di molti teatri con il gruppo Animanera; il secondo invece, nato e cresciuto a Verona, è un fonico che disegna suoni con sintetizzatori modulari. Oggi, entrambi sono sound designer producers immersi nell’urban jet set milanese, e si lanciano sulla scena internazionale proprio con “HANGOVER”.

Nina Echo, artista-performer di natura eclettica, è convinta che l’arte sia la maniera di transducere luce e che può venire fuori in svariati modi, a seconda della frequenza su cui si è sintonizzati.

L’artwork della cover del singolo è stata realizzata dall’artista milanese classe ’85 Marco Basta.

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“ZERO SENTIMENTI” è il singolo d’esordio del 24enne VASILE LEORDEAN, in arte VAYSY: giovanissimo rapper, di origini romene, formatosi tra i dischi di Fabri Fibra e le dritte di McFebbo, inizia a scrivere i suoi primi progetti già all’età di 16 anni.

Arrangiato da Yaroslav Sukmanov, il brano è una sorta di viaggio nel tempo e nello spazio all’interno di un mondo che, reale o virtuale a seconda di chi lo ascolta, può farti cadere o aiutare a rialzarti. Il singolo ruota intorno ai sentimenti che, in questo forte viaggio emotivo, VAYSY analizza sapientemente, giocando con le parole e gli accostamenti.  Spinto da correnti opposte, il protagonista è immerso in un labirinto, in una giostra di emozioni che scivolano veloci come le parole del brano.

Il singolo, dal tono dinamico e spumeggiante, nasce con l’intento di rendere partecipe l’ascoltatore lasciandolo libero di interpretare questa sorta di viaggio interiore raccontato nella canzone.

Il beat è fresco e coinvolgente: VAYSY lo domina con decisione e delicatezza allo stesso tempo. Nel testo affiorano desideri nascosti ed emozioni represse, descritti in righe pregnanti come “Cuore freddo ma senza spazio / Tutti stelle ma senza spazio / Sono un UFO che si fa spazio”.

“ZERO SENTIMENTI” da oggi in rotazione radiofonica e su YouTube, sarà in tutti i webstore dal 17 luglio, pubblicato dall’etichetta Terzo Millennio Records.

Nato in Romania, VAYSY approda a Gropparello (PC) all’età di 5 anni. Subito attratto dal mondo dell’Hip-Hop, già a 14 anni è alla ricerca di canzoni rap in cui rispecchiarsi.  All’età di 16 anni il giovane scrive i suoi primi testi in rima, partendo da delle basi che trova sul web.  A 18 anni, grazie all’aiuto del suo mentore McFebbo, entra in un vero studio di registrazione e capisce che quella è la sua strada.

Stanco quindi del registratore vocale dello smartphone, inizia fare sul serio: lavora in una fabbrica meccanica per potersi permettere un piccolo studio di registrazione, da lui stesso costruito.

Negli ultimi anni, Vasile crea Incendio, un alter ego negativo volto a completare l’identità di VAYSY, nel tentativo di trovare un equilibro tra le personalità in stile Ying-Yang. Oggi, VAYSY continua un’ardua sperimentazione musicale e pubblica il suo primo singolo.

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In radio, sul web e su youtube, “HANGOVER”, il primo singolo del duo elettronico THE ERRORIST, gruppo molto in vista nel panorama dell’ urban jet set milanese.

Distribuito dall’etichetta olandese Freaky Sounds Amsterdam, “HANGOVER” è un brano con un sound internazionale dall’ispirazione techno-pop, ricco di contaminazioni provenienti dal mondo dell’arte e del design, come del resto testimonia il suo eccentrico videoclip.

Un singolo intenso, spudorato e a tratti sfacciato, in cui la voce di Nina Echo, artista audace dalla personalità alquanto ribelle, conduce l’ascoltatore in un viaggio onirico all’interno del bosco delle paure, per riemergere ancora più forte in un posto incantato.

“Hangover è un brano che parla della ricerca della felicità, della propria identità, di un posto dove poter essere semplicemente se stessi, il posto dove poter mostrare la propria anima senza sentirsi a disagio” – così il duo The Errorist racconta il brano – “Il brano utilizza quindi la metafora del club, del party, dell’hangover come momento di euforia e di gioco: ecco perché nella parte allegorica del brano si può ricostruire la ricerca di un party dove la protagonista, attraverso una danza, vuole visualizzare la propria immagine”.

Il video racconta una favola dove la figura chiave incontra in un bosco altri personaggi come il coniglio, che rappresenta la sua paura, il cinghiale, che è la forza con cui lei vuole combattere, e la civetta, che è il segno del tempo che scorre e che non ti fa mai dormire come succede nell’hangover”.

BIOGRAFIA

Dietro al nome THE ERRORIST si celano le figure di Antonio Spitaleri e Matteo Bogoni. Il primo, milanese d’adozione, sviluppa inizialmente la sua vena creativa dietro le quinte di molti teatri con il gruppo Animanera; il secondo invece, nato e cresciuto a Verona, è un fonico che disegna suoni con sintetizzatori modulari. Oggi, entrambi sono sound designer producers immersi nell’urban jet set milanese, e si lanciano sulla scena internazionale proprio con “HANGOVER”.

Nina Echo, artista-performer di natura eclettica, è convinta che l’arte sia la maniera di transducere luce e che può venire fuori in svariati modi, a seconda della frequenza su cui si è sintonizzati.

L’artwork della cover del singolo è stata realizzata dall’artista milanese classe ’85 Marco Basta.

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Da martedì 7 luglio in rotazione radiofonica e disponibile sulle piattaforme digitali “SAPOR DI BAMBINA” (Advice Music), il singolo d’esordio dei TIRESIA. La rock band è composta da Fabrizio Borghese (cantante), Cris-Toh nome d’arte di Cristiano Luciano Monge (chitarre) e Antonio De Luca (batterista).

A proposito del singolo, il gruppo commenta: «Sapor di bambina è il fuoco che divampando ha sprigionato in noi il desiderio di evadere dalla prigionia di questo periodo egemonizzato dalla pandemia. E’ la voglia di rinascere, l’ammiccante sorriso sulle labbra di chi finalmente può dire “posso”.  La canzone è stata scritta in un periodo in cui tutto sembrava perduto, è un inno dal profumo rock alla libertà, all’amore, al desiderio: un’affascinante ragazza che emana seduzione ma che nonostante si celi dietro un niveo velo di ingenuità, sfodera invece i suoi artigli. Riusciranno queste ardite armi femminili ad intimorire un ardente corteggiatore prigioniero, adesso libero?!».

I Tiresia nascono con l’ambizione di mostrare alla scena musicale italiana che il fervore rock non è spento ma che può richiamare a sé ancora numerosi estimatori.

Come l’indovino cieco della mitologia greca, i Tiresia sono lo sguardo verso il futuro, forti delle più che collaudate emozioni evocate dal grande repertorio del passato.

All’inizio del 2018, grazie all’incontro casuale di Fabrizio Borghese (cantante) e Cris-Toh (chitarre), si manifesta una convergenza di idee e intenti tale da far sbocciare un proficuo connubio creativo.

Numerosi sono gli eventi a cui hanno partecipato ed in cui la loro musica è riuscita a scuotere gli animi rock del pubblico. Altrettanti numerosi sono stati i concorsi a cui hanno preso parte, ottenendo sempre arguti riconoscimenti.

Il singolo “Sapor di bambina” costituisce il loro esordio discografico, supportati dall’ etichetta Advice Music di Alberto Boi.

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“Tratti di vernice” parla di una storia d’amore appena finita, raccontando la quotidianità di un ragazzo che ha perso da poco improvvisamente un punto di riferimento, una certezza nella sua vita.

Racconta Marvasi: “Ho deciso di scrivere le strofe in terza persona ed il ritornello e l’intro in prima per dare un distacco netto e coerente con la storia che ho raccontato. Le strofe del brano descrivono dettagliatamente gli stati d’animo di un ragazzo dopo una rottura: “fu la prima volta che apprezzò il sapore delle sue lacrime…. Passano i mesi ma rimangono i ricordi vivi… come si fa ad essere forti quando la forza si fa in due e all’improvviso ti ritrovi per le tue…”. Il ritornello, invece, descrive le conseguenze di questi stati d’animo:“ e quando mi risveglierò sarai un tratto di vernice su quel muro sporco di noi…”. I tratti di vernice sono una metafora per descrivere quello che rimarrà di lei, di noi: un tratto di vernice lascia un segno che rimane, che non si cancella facilmente”.

Il singolo è accompagnato da un video per la regia di Iulian Purice, la cui protagonista femminile è la giovane attrice Micol Mineo.

Decisivo nel percorso di Marvasi è stato l’incontro con il produttore Leonardo Magara che ha saputo unire la parte compositiva prettamente cantautorale di Marvasi con sonorità elettroniche, avendo come genere di riferimento l’indie-pop. Il risultato finale è un mix di influenze musicali che hanno contribuito a rendere il brano accattivante.
“Tratti di vernice” è un punto di partenza nel percorso musicale di Marvasi che è impegnato in studio alla lavorazione dei prossimi singoli previsti in uscita dopo l’estate.

Biografia
Luca Marvasi è nato a Roma il 3 ottobre 1996. Nel 2004, all’età di 8 anni, inizia a scrivere i primi testi di genere hip-hop ispirandosi ad artisti italiani quali Fabri Fibra, i Club Dogo e J-AX.  Nel 2006, incide le sue prime canzoni ed inizia a studiare chitarra. La passione per la musica lo spinge a prendere parte di una band (King’s Of Pop) formata da altri 3 musicisti suoi coetanei. Inizia ad esibirsi, cantando le proprie canzoni, all’età di 12 anni in situazioni quali concerti scolastici e locali privati. Dal 2012 al 2014, fa parte di un duo chiamato “Sinz Yesterday” per il quale escono 2 singoli su YouTube.

Nel 2013 esce il primo ed ultimo album dei Sinzyesterday chiamato “10 punti fondamentali”. Terminato il progetto Sinzyesterday, decide di prendersi del tempo per sperimentare nuove sonorità ed affinare le sue doti compositive. Si avvicina molto al cantautorato italiano, studiando i testi di artisti quali Lucio Battisti (e Mogol), Franco Battiato, Ivano Fossati, Fabrizio De Andrè e molti ancora. Nel 2018 decide di studiare canto per migliorare il proprio controllo ed estensione vocale. Nel 2019 incontra Leonardo Magara, suo attuale produttore, con il quale inizia il primo progetto ufficiale con il nome d’arte “MARVASI”. Il primo singolo “Tratti di Vernice” sarà in radio e su tutte le piattaforme digitali dal 26 giugno.

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“La Libertà”, in uscita in radio e in digitale a partire da venerdì 26 giugno, è il titolo del primo singolo che anticipa l’album d’esordio  della cantautrice toscana per l’inverno.

“La Libertà” (Etichetta discografica Candle Studio Srl, distribuzione Artist First), in uscita in radio e in digitale venerdì 26 giugno, è il primo singolo di Renza Castelli estratto dall’album d’esordio della cantautrice toscana che uscirà in inverno. Uscirà anche un secondo singolo “Sai che c’è” (24 luglio), entrambi i brani saranno accompagnati dal videoclip.

Renza Castelli, che ha partecipato all’edizione del 2018 di X-Factor arrivando fino alla puntata dell’inedito con il brano “Cielo inglese” firmato da Bungaro, Cesare Chiodo e Rachele, fotografa così il suo nuovo brano: “La libertà, proprio perché ingovernabile, è nata da sola. Una chitarra, tante fotografie nella mia testa e la sensazione di rivolgermi a qualcuno in particolare per poi scoprire che in realtà stavo parlando a me stessa – racconta – Ho capito subito che era il bisogno di mettere da parte la razionalità per abbandonarsi finalmente all’istinto, per accettare i no, gli errori, i nostri ‘mostri’ e di rielaborarli per farne tesoro, guardare avanti e crescere, con coraggio e consapevolezza. Perché alla fine si è liberi quando riusciamo veramente ad accettarci in tutto e per tutto”.

Renza Castelli nasce a Pietrasanta (Lucca) il 14 agosto 1989. Nei sogni del papà il desiderio più grande è che la figlia possa esprimersi con la voce e fa sotterrare il cordone in giardino, sotto una rosa perché – “così almeno avrà una bel la voce e canterà” – pensa. Si avvicina alla musica intraprendendo lo studio della chitarra classica e successivamente lo studio del canto con un approccio principalmente incentrato sul jazz. Parallelamente si dedica al canto moderno presso l’accademia “La Voce” partecipando anche a numerosi seminari di formazione. L’attività concertistica inizia in giovane età, in veste di chitarrista e cantante, evolvendosi nel tempo con la partecipazione a diversi progetti e formazioni fra cui spicca la partecipazione all’Acoustic Guitar meeting di Sarzana, selezionata tra gli artisti del territorio, con la presentazione di un brano inedito eseguito chitarra e voce con arrangiamento per gruppo vocale. Nel 2016 partecipa in qualità di cantautrice alla selezione per i l concorso “New sound of acoustic music” che la porta alla finale a Cremona Mondo Musica e all’esibizione sul main stage dell’Acoustic Guitar meeting per “Eastman Guitars”. Nel 2017 è finalista al Tour Music Fest e vincitrice del Premio Mogol, direttamente consegnato dal Maestro, che include anche la borsa di studio per frequentare i corsi della sua Accademia CET.

Nel 2018 partecipa alle selezioni e diventa uno dei concorrenti della dodicesima edizione di X-Factor Italia, arrivando fino alla puntata dell’inedito con il brano “Cielo inglese” firmato da Bungaro, Cesare Chiodo e Rachele. Attualmente, oltre all’attività concertistica che la vede partecipe in numerose collaborazioni ed esibizioni in tutta Italia, è al lavoro in studio per la realizzazione del suo primo album che include i due singoli di imminente uscita: “La libertà” e “Sai che c’è”.

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L'articolo Dal 19 giugno sarà disponibile in rotazione radiofonica e su tutte le piattaforme digitali “VOGLIA DI TE”, brano d’esordio del cantautore MICHÈE proviene da Agenzia Stampa.

Da martedì 16 giugno in radio e digitale “THE GAME” (One & Music), il singolo d’esordio di MALJE. Il brano divertente e spensierato, racconta di come la vita sia un gioco, quindi bisogna essere curiosi per giocare al meglio.

«Ho voluto dare voce ad una categoria che solitamente non viene enunciata: le donne libere. Coloro le quali vengono additate come nuove streghe. Donne che scevre dai formalismi educazionali decidono di esplorare la loro natura e ne fanno scopo di vita», commenta la cantautrice.

Il videoclip (https://youtu.be/qXFoO9Ff4x8) diretto da Mario Boccuni e Davide Riccardi, è stato girato al Banano Tzunami e in uno studio fotografico di Genova.

«Il video è incentrato su una falsa sensazione di sicurezza, che molte persone provano quando escono il venerdì e il sabato sera. La protagonista inizialmente formale e atteggiata conosce diversi personaggi. Successivamente viene attratta da un nerd che spogliato dai formalismi è sé stesso», affermano i registi.

“The Game” video credits:

Sceneggiatura: Elena Cretella

Consulenza sceneggiatura: Lisandro Monaco e Lorenzo Vignolo

Regia: Mario Boccuni e Davide Riccardi D.O.P. : Mario Boccuni e Davide Riccardi

Riprese, Montaggio e Color Correction: Mario Boccuni

Trucco: Barbara Petrolati

Attori principali: Emanuela Bignami e Matteo Vander

Comparse in ordine alfabetico: Alessandro Piazza, Andrea Carbone, Andrea Majorana, Andrea Pagani, Daniela Biasoletto, Federico Pietro Nave, Isabella Piazzetta, Maria Grazia Cipero.

Cresciuta in una famiglia piena di musica, Elena Cretella in arte MALJE ha dedicato la vita allo studio della voce.

Dalle voci di risonanza alle quadriplonie alle voci sciamaniche di guarigione (Tuva).

Ha composto per il teatro, musicato Shakespeare, Pirandello ed Euripide.

Ha collaborato con jazzisti importanti tra i quali Red Halloway, Shawn Monteiro, Bobby Durham.

Produttrice teatrale e musicale ha insegnato l’uso della voce a cantanti e attori anche televisivi.

Ultimamente collabora con La Furnasetta per produzioni di musica industrial e ha all’attivo tre compilation due delle quali per l’etichetta Inglese Industrial Coast.

Il 16 giugno pubblica “The Game”, il singolo d’esordio che anticipa l’uscita del nuovo album.

Contatti:

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E’ USCITO IL VIDEO DI “FEMMN”, SINGOLO DI ESORDIO DI “UNICO ANX”.

Giovedì 11 Giugno è stato pubblicato il Clip Ufficiale di “FEMMN” il primo singolo di UNICO ANX, all’anagrafe Emanuele Gaito, giovane rapper napoletano 26 anni, disponibile dal 29 Maggio in tutti gli store digitali (e in Radio) uscito per Carioca Records e distribuito da Artist First.

Video:

FEMMN (scritta in dialetto napoletano) è un viaggio che tutti (o quasi) attraversano nella vita: tutti vivono di sogni, di grandi amori che iniziano e che spesso finiscono. Il testo racconta di ragazzi che costantemente si impegnano a
realizzare i propri obiettivi sbattendo molto spesso contro una realtà cruda, cioè la perdita degli affetti importanti, a causa di propri errori o indecisioni, perdita che spesso li porta ad imbattersi in sentimenti affrettati, scelte sbagliate, sentimenti
forzati (da qui il termine “femmn nun serven”). Molte volte seguire la propria emotività conduce ad una strada all’apparenza più semplice da percorrere ma troppo spesso sbagliata, quando invece sarebbe più importante essere meno fragili e non lasciarsi sfuggire le poche certezze.

BIO
Emanuele è un ragazzo che fin da piccolo ha trovato nella scrittura un modo per sfogarsi, parlare ed essere libero di
esprimersi. Grazie a questo e alla passione per la musica ha trasformato i suoi appunti, aforismi, strofe e parole in rime.
Nei suoi brani tratta argomenti molto attuali descritti dal suo punto di vista; un punto di vista sincero e senza filtri.

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